Dar voz aos artistas, virtualmente: o segundo evento anual 'Empower One Another'

26 a 28 de setembro de 2020.
Online em onstagedanceco.com .

Uma coisa significativa sobre as artes é como elas podem dar às pessoas uma voz, um espaço para se expressarem e compartilharem suas experiências. Ser capaz de fazer com que sua voz seja ouvida também é uma forma fundamental de capacitar as pessoas. Ambos OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) e Nozama Dance Collective (Boston, MA) têm empoderado as pessoas por meio da arte da dança como uma parte fundamental de sua missão - a primeira como um espaço para dançarinos adultos enquanto estão engajados em outras carreiras, e a última focada em empoderar as mulheres por meio da dança. O Capacite um ao outro A série é fruto da imaginação das duas empresas (OnStage dirigido por Jen Kuhnberg e Nozama por Gracie Baruzzi e Natalie Nelson-Schiera), e é baseada na crença de que a colaboração pode capacitar todos os envolvidos e criar algo verdadeiramente especial.

Através do número de artistas apresentados, é também uma plataforma para muitos artistas terem uma voz - todos variados, todos únicos, todos valendo algo especial em seus próprios caminhos. Baruzzi e Kuhnberg não estavam dispostos a deixar uma pandemia global atrapalhar este importante trabalho. Na verdade, este ano Capacite um ao outro (o segundo anual) poderia dar voz a mais artistas este ano do que a série fez no passado. Além disso, um formato de vídeo virtual permitiu espaço para um pequeno vídeo de cada coreógrafo precedendo sua peça, no qual eles poderiam compartilhar um pouco sobre si mesmos e o trabalho que estamos prestes a ver - e poderíamos literalmente ouvir sua voz.

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Projeto de Movimento Allo Desprezar: V4 , interpretada por Allison Rebecca Penn e com videografia de Jesse Pierce, vem em terceiro lugar no show virtual. Os dançarinos se movem em vários locais ao ar livre, uma sensação de solidão dançando sozinho. É solidão ou solidão? Essa ainda é uma questão aberta e intrigante. A dança de Penn nesses espaços, junto com sua roupa de pedestre, dá ao trabalho uma sensação cotidiana. Mover-se para baixo no espaço adiciona uma sensação de peso, como se ela estivesse se movendo com o coração pesado. Momentos evocativos de transeuntes passando e não a reconhecendo aumentam a sensação de solidão.

A trilha, uma música R&B comovente, contribui para esse sentimento. O locutor da música parece estar passando por muita confusão e também está sozinho naquele espaço mental. A energia do movimento - frenética às vezes (daí aquela confusão), mas ainda pesada - parece se alinhar com tudo isso. Em um momento em que nem sempre podemos abraçar aqueles que amamos e a incerteza paira pesadamente no ar, o trabalho parece relevante e identificável. Espelhar nossa experiência de volta para nós, como a arte às vezes faz, nos permite vê-la de novas maneiras. O que pode acontecer a partir daí? Só o tempo pode dizer.

De Dana Alsamsam Línguas maternas vem a seguir. Alsamsam explica como o trabalho está comentando sobre nossas relações com nossas mães e o efeito que elas têm sobre nós ao longo de nossa vida. Cinco dançarinos se movem por diferentes níveis, formas de geometria clara e lugares no espaço em relação uns aos outros. Eles começam com quatro dos dançarinos ajoelhados em uma espécie de estocada lateral, inclinando-se para dentro das pernas com os braços abertos. É uma forma intrigante que retorna através da peça. Uma dançarina também dança acima deles no espaço. Essa hierarquia por meio do posicionamento não faz com que os dançarinos se movam de todas as maneiras em relação uns aos outros ao longo da obra. Eles se entrelaçam e saem um do outro, como se estivessem em tensão, mesmo enquanto coexistem. A partitura é assustadora, uma voz solitária produzindo tons longos e cadenciados, enquanto outras vozes fazem vocalizações que são mais staccato e frenéticas. Trajes marrons e pretos em cortes limpos e simples dão suporte ao clima da peça e também contribuem para uma organização estética agradável.

'Fala' de Shae Forest. Foto de Paul Bloomfield.

Eu imagino aquela voz longa em staccato sendo a de uma mãe na psique, seja consciente ou inconsciente, enquanto também ouço uma cacofonia de outras vozes no mundo circundante. O entrelaçamento um do outro através do espaço dá a sensação de que essas vozes e influências se encontram e encontram algum tipo de tolerância uma para a outra. A multiplicidade resultante de todos esses caminhos pelo espaço parece semelhante à multiplicidade que vem dessa cacofonia de vozes que podem nos afetar. Mesmo assim, a voz da mãe permanece. Para finalizar, uma bailarina deita-se sentada, de frente para as outras quatro bailarinas - o reverso da estrutura do início da obra. Eu penso sobre todas as diferentes maneiras pelas quais ouvir a voz de nossa mãe pode nos afetar, e todas as diferentes situações em que podemos nos encontrar quando a ouvimos.

Shae Forest Falar explora como a dança pode atuar como uma linguagem e o significado disso para a comunicação na sociedade, ela compartilha em seu trecho introdutório. Infelizmente, esse não é um tópico que está no topo da mente da sociedade em geral, uma parte talvez cínica de mim pensa. No entanto, qualquer pessoa pode apreciar as ofertas estéticas desta peça. Os dançarinos, usando vestidos de malha off-white elegantemente cortados, movem-se com incrível facilidade através de um vocabulário de movimento muito técnico e desafiador. Eles se movem com paixão e compromisso por meio desse trabalho desafiador, de forma que pareça expressivo e significativo, em vez de apenas “truques” de movimento para seu próprio bem.

A iluminação escurecida e a trilha sonora sensacional aumentam ainda mais o drama e a expressão. Forest também estruturou agrupamentos habilmente no trabalho de forma que os dançarinos estão indo e vindo e os grupos estão mudando o suficiente para serem intrigantes, mas não tanto para sentir que essas mudanças estão chegando rápido demais - essas mudanças talvez representem um tipo de comunicação própria. Às vezes, a arte tem um significado amplamente acessível, às vezes é esteticamente agradável ou memorável e às vezes tem os dois. Nenhuma dessas opções é inerentemente mal orientada. Todos eles valem alguma coisa.

Rachel Linsky's Seleção é um trabalho memorável e instigante. O significado importante encontra a proficiência técnica e o resultado é algo verdadeiramente cativante. Em seu fragmento de pré-performance, Linsky explica que a peça explora o processo de “seleção”, pelo qual os nazistas separavam aqueles que podiam trabalhar e aqueles que seriam mortos imediatamente ao trazer prisioneiros judeus para campos de concentração. Famílias foram separadas por meio desse processo, Linsky compartilha, que tem sido uma ferramenta comum de opressores sobre os oprimidos ao longo da história. Fora do Museu do Holocausto de Boston, os dançarinos formam linhas retas - em estranho alinhamento com prisioneiros judeus na chegada ao local de sua (provável) morte. A fumaça sobe, outra referência arrepiante aqui.

'Seleção' de Rachel Linsky. Foto de Lisa Link.

Eles se movem (dentro dessas linhas) com um certo nível de qualidade limitada, dobrando-se para os lados e rolando pelos ombros para se inclinar para a frente - incorporando constrição e falta de autonomia. Apoiando esse sentido, e um desejo de escapar da constrição enquanto impotentes para fazê-lo, eles alcançam o céu, mas outras vezes caem no chão ou logo acima dele em uma estocada profunda. Os dançarinos usam máscaras obviamente por causa de COVID, mas também me traz à mente uma doença - como aquela que levou à morte de seis milhões de judeus e seis milhões de outros considerados uma ameaça ao poder nazista. Os números piscam diante dos dançarinos conforme eles se movem, representando os números de identificação dos prisioneiros dos campos de concentração. O peso desse trauma histórico, dessa ferida na história, me atinge em um nível muito visceral.

No entanto, o que é realmente assustador aqui não é o peso do passado isolado - é aquele passado rimando com as coisas que acontecem hoje. Perto do final, entre as vozes de outros sobreviventes de campos de concentração, ouvimos Bernard Marks confrontando o xerife e diretor em exercício do ICE em uma prefeitura em Sacramento, Califórnia. Ele fala com franqueza e ferocidade, traçando paralelos com a forma como foi separado de sua família nos campos de concentração e como isso está acontecendo hoje em centros de detenção de migrantes aqui mesmo nos EUA. Tomo um momento de reflexão solene após ver a obra, jurando nunca esquecer e nunca desculpar o ódio. Obras como as de Linsky, com comando estético e um significado verdadeiramente potente, podem ter esse tipo de efeito.

Logo, porém, as bailarinas do New England Ballet Theatre de Connecticut oferecem algo muito mais leve e alegre. A música suave do piano acompanha seu movimento balético efervescente por diferentes locais ao ar livre - saltando à beira de um lago, avançando e gesticulando nos degraus de uma casa clássica e girando em uma varanda. Os efeitos de câmera lenta aumentam a sensação de liberdade durante o vôo e os filtros adicionam uma harmonia visual verdadeiramente agradável. Tudo parece uma fuga da realidade da COVID. Os dançarinos nem mesmo usam máscaras (o que acho bom porque eles não ficam particularmente próximos um do outro quando dançam na mesma cena). A tranquilidade e a alegria do trabalho, sem falar na amplitude e liberdade com que as bailarinas se movem, parece um remédio para a alma neste momento (ou a qualquer momento, pode ser) .

No entanto, o trabalho não é totalmente desprovido de alcance emocional ou conceitual no final, os dançarinos fazem movimentos de garras nas laterais de um edifício - além de visualmente bonitos, transmitindo um alcance e um anseio pelo não atendido e inexplorado (apesar de todos os espaços que eles encontraram no trabalho). Não importa o que encontremos e experimentemos, sempre há algo fora disso. O New England Ballet Theatre de Connecticut tem uma voz que poderia nos trazer tudo isso, assim como outras vozes ofereceram seus próprios presentes por meio de suas vozes. Brava para OnStage Dance Company e Nozama Dance Collective por criar o espaço para todas aquelas vozes.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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