Eric Greengold e Elizabeth Troxler em 'Dancing Through ...'. Foto de McKenna C. Poe. 30 de outubro de 2020.
Transmitido no YouTube.
A maioria das obras de dança que realmente ressoam em mim o fazem por causa de um conceito forte, que os artistas em mãos habilmente dão vida. Criar um conceito é um verdadeiro trabalho criativo e intelectual. Decidir trazê-lo à vida e acreditar que é algo que posso ganhar vida, precisa de coragem sincera. O trabalho de dar vida ao conceito segue isso - algo que exige compromisso, rigor, adaptabilidade e ainda mais coragem . Theatre Dance Vietnam mostrou tanta coragem ao se comprometer com um conceito complexo e desafiador, retratando a história e o contexto cultural da dança teatral musical americana, em Dancing Through .. . O trabalho foi filmado no The Tank em NYC e dirigido por Elizabeth Troxler.
Certos aspectos ahistóricos e fragilidades estruturais eram evidentes, mas a coragem de assumir um conceito dessa magnitude é algo a ser elogiado e celebrado. A coreografia e a performance foram magistrais, permitindo que eu, como espectador, não ficasse muito absorvido com meus problemas intelectuais sobre estrutura e exatidão histórica. O trabalho em si também destacou o nível em que os Estados Unidos têm sido um líder global na dança - algo que também deve ser celebrado e encorajado para as gerações futuras.
Jessica Lee Goldyn em ‘Dancing Through…’. Foto de Sarah Takash.
O trabalho começou com uma equipe de dança dançando no estilo da Broadway, impecavelmente vestida com lantejoulas e tiaras de penas. Os membros da equipe queriam aprender mais sobre a forma como se perguntava de onde veio. Seu treinador começou a explicar essa rica história explicando como surgiu a forma do vaudeville. A primeira cena de dança foi um dueto adorável, começando com um chapéu-coco caindo em uma caixa e, em seguida, sendo pego por um dos dançarinos antes de sua valsa. O vocabulário do movimento lembrava os balés dos sonhos da Hollywood clássica. Isso mudou para tapping com sons impecáveis e uma energia que tinha que fazer você sorrir - assim como as clássicas cenas de toque de antigamente. A música soava como se saísse de uma caixa de rádio dos velhos tempos, o que ajudou a construir a atmosfera da cena por toda parte.
A partir daí, cortamos para cenas da Grande Depressão e do início da Segunda Guerra Mundial. Enquanto as imagens dessa época passavam pela tela, o treinador explicava como a dança e o teatro elevavam as pessoas em tempos difíceis e as unificava em um espírito nacional. A próxima cena de dança foi outro lindo dueto com movimento um pouco mais jazzístico, sensual e ousado - mostrando a evolução da forma conforme o tempo passava e as atitudes sociais mudavam. Os dançarinos se moviam com facilidade, alegria e facilidade.
Posteriormente surgiu uma cena de dança representando os anos 1960, com o espírito rebelde do movimento hippie. O movimento foi vivaz e contagiante. Em seguida veio uma sequência divertida e descolada dos anos 1980, com cores vivas e collant de corte alto.
Em seguida veio a década de 1990 retratada como uma época de escuridão e isolamento - com dançarinos separados no espaço, cada um em seu próprio holofote e tudo mais escuro. Um sapateado feliz representou a década de 2000 - uma época de guerras no exterior, ameaças de terror e discórdia sócio-política em torno dela, aumento da polarização sócio-política e o pior colapso financeiro desde a Grande Depressão. Talvez essa escolha tivesse o objetivo de apontar como programas como Millie totalmente moderna estavam trazendo a torneira para os 20ºséculo com uma explosão de novas ideias - isso soou verdadeiro para mim e me fez sorrir.
Ambas as cenas foram lindamente dançadas e desenhadas, então eu pude apreciá-las muito em um nível estético. E um elemento importante que ajudou na estrutura e continuidade foi o uso de um chapéu-coco. Foi “passado” ao longo das décadas através de uma combinação de movimento e montagem de filmes. Este foi um uso inteligente de um suporte para trazer uma sensação de continuidade ao longo do tempo. Essa abordagem me fez pensar nas coisas que continuaram ao longo da história americana, dentro e fora das artes - aspirar à liberdade para todos prevista em nossos documentos fundadores, por exemplo.
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Uma sequência de cenas de alta energia de sucessos musicais recentes da Broadway completou as cenas de dança. Esta escolha criativa parecia ir de encontro ao momento cultural ao destacar as contribuições essenciais dos artistas negros para o teatro, música e cultura pop americana. Essas cenas incluíam as do musical As tentações , uma capa de Michael Jackson e o recente Tina: o musical de Tina Turner . Como o show como um todo, foi lindamente executado e coreografado.
Um final poderoso com cenas de dançarinos de Nova York fez o treinador nos lembrar que o teatro permanece conosco, mesmo quando os cinemas estão fechados, está em nosso coração, mente, corpo e alma. Afinal, essa é a fonte da arte! Mesmo com as questões estruturais e históricas que me afetaram, essa mensagem - junto com a beleza e alegria da performance e coreografia - tornou este trabalho memorável. A coragem de criar é algo a aplaudir - porque um significado poderoso pode ressoar com essa coragem como sua fonte. Adicione dança e design maravilhosos e você não pode perder.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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