Jacqui Greene Haas Eu amo anatomia. Como instrutor de ioga, dançarino e escritor de ioga e dança, é infinitamente fascinante para mim e aplicável ao meu trabalho diário. Sou eternamente grato por minha educação em dança (em um estúdio de minha cidade, em um programa de dança de uma universidade de artes liberais e em inúmeros outros estúdios e professores além disso). No entanto, se eu tomar um momento para uma reflexão honesta, o aprendizado experiencial da anatomia - de maneiras que informam a técnica, a arte e o conhecimento cinestésico de maneiras essenciais - parece faltar. Eu ouvi outros dançarinos expressarem sentimentos semelhantes. Esse aprendizado experimental da anatomia a partir de uma lente de dança é o que Jacqui Greene Haas Anatomia da dança pode oferecer. O subtítulo - Seu guia ilustrado para melhorar a flexibilidade, força muscular e tônus - é um ótimo começo para entender o que o texto fornece.
O livro começa com um prefácio intrigante do autor, explicando o que o livro vai oferecer e como é apresentado. O primeiro capítulo apresenta tópicos anatômicos fundamentais - incluindo planos de movimento (sagital, frontal e transversal), tipos de movimentos articulares (como flexão e extensão) e diferentes tipos de contrações musculares (isométricas, concêntricas, excêntricas). Às vezes, parece uma grande quantidade de informações para os leitores lerem de uma vez, mesmo para alguém como eu, que fez vários cursos de anatomia, e que parte do jargão poderia ter sido trocado por uma linguagem mais familiar.
No entanto, funcionalmente, o que Haas está fazendo é mergulhar os leitores na linguagem de anatomistas, médicos e fisioterapeutas. A partir daí, os dançarinos podem se sentir mais capacitados e confiantes em conversas com profissionais de saúde, em cursos de anatomia e assim por diante. Além disso, a beleza dos livros é que podemos aceitá-los em nossos próprios termos, tanto quanto nossa vida pode realisticamente permitir - lendo linhas ou parágrafos novamente no momento ou voltando a seções de texto (ou até livros inteiros) mais tarde , por exemplo.
Após este capítulo fundamental, há capítulos sobre seções do corpo que são particularmente importantes para dançarinos no sentido anatômico - coluna, costelas / respiração, núcleo, cintura escapular e braços, pélvis e quadris, pernas e tornozelos / pés. Os capítulos têm um formato consistente, com uma introdução aos princípios importantes da região anatômica em questão, seguida de exercícios para atingir objetivos específicos nessa região. Essas metas incluem fortalecimento, consciência cinestésica, liberação para permitir iniciações e padrões de movimento saudáveis, coordenação com a respiração para auxiliar em todos esses resultados e muito mais.
Cada exercício também possui um “Dance Focus”, uma explicação de como o exercício se relaciona com uma determinada função técnica ou movimento comum. Isso parece útil e tangível para artistas de dança, cuja principal preocupação é provavelmente o que todo esse aprendizado fará por sua técnica e arte. Em termos de linguagem em ambas as seções, quando Haas usa imagens familiares e evocativas para guiar os leitores em direção a certos objetivos, parece mais acessível e provavelmente mais eficaz do que quando ela usa nomes de músculos e outros jargões anatômicos. Embora, novamente, talvez a abordagem com o uso de jargão anatômico seja aquele treinamento “teste de fogo” (por assim dizer) na ciência da anatomia para educar e capacitar dançarinos nesta disciplina.
Além disso, leitores, tomem nota - alguns desses exercícios exigem adereços e ferramentas como fisiobolas, TheraBands, barras de balé, pesos e muito mais. Haas inclui modificações para exercícios, para “subir de nível” ou “descer de nível”, trabalhando assim para acomodar vários tipos de corpos. Ela também lista dicas importantes de segurança junto com muitos (senão a maioria) dos exercícios. Assim como a linguagem anatômica pode capacitar dançarinos em espaços médicos e acadêmicos, essas dicas de segurança podem começar a ensinar os dançarinos a treinar com mais segurança. “Princípios de condicionamento” no capítulo introdutório podem complementar esse conhecimento, adicionando uma estrutura que pode aumentar a eficácia do treinamento cruzado.
Uma revisão deste texto seria incompleta sem discutir as ilustrações lindamente desenhadas. Esboços refinados em semi-silhueta permitem que os músculos em foco sejam vistos exatamente onde estão no corpo. De uma forma intrigante e adorável, as nuances da energia física nesses dançarinos em movimento bidimensionais são claras. Alguns desenhos dos exercícios incluem setas para indicar a direção do movimento e / ou mudança de posicionamento físico, e esse é outro elemento que poderia ter sido incluído mais para maior acessibilidade do conteúdo. O elemento mais presciente das ilustrações que gostaria de evocar, no entanto, é minha principal crítica ao livro - a da representação inadequada, tanto dos dançarinos quanto das formas de dança.
Por exemplo, a primeira dançarina negra aparece alguns capítulos em (raça evidente a partir de elementos como textura do cabelo, sombreamento da pele nos desenhos e outros atributos físicos - concedido, novamente lindamente desenhado). Apenas alguns outros aparecem nas ilustrações do livro como um todo - totalizando mais de cem, eu acho. Não há dançarinos latinos, asiáticos ou indígenas, pelo que pude perceber (mais uma vez, os desenhos são detalhados o suficiente para que a raça pareça totalmente evidente). Em relação às formas de dança, é ótimo ver formas como a dança irlandesa de passo e o salão de baile representadas, considerando o que pode parecer o domínio do balé e da dança contemporânea na dança de concerto profissional. No entanto, essas formas também são baseadas nas tradições da cultura ocidental. Teria sido maravilhoso ver também hip hop, dança africana e outras danças folclóricas - talvez até capoeira!
Por que isso importa? Se nos preocupamos com a saúde, o bem-estar e o sucesso criativo dos dançarinos, precisamos nos preocupar com os dançarinos que se parecem com eles e dançam como eles sendo refletidos na mídia, na cultura pop e na academia. Garantido, Anatomia da dança foi publicado em 2010. Representação em dança não é uma conversa nova, mas certamente se intensificou e o campo tem realizado ações mais tangíveis sobre o tema desde então. No entanto, também estaremos lendo este livro em 2020 (ou depois). Podemos ser graciosos em reconhecer o mundo em que foi escrito e também olhar com os olhos de hoje, podemos ter ambas as coisas em nossas mentes, coração e corpo.
No geral, no entanto, Haas's Anatomia da dança oferece uma maneira para os dançarinos aprenderem anatomia baseada na dança que pode realmente ressoar e durar - através do corpo, o recipiente através do qual os dançarinos já estão tão intimamente conhecidos. Tornar-se ainda mais familiarizado, de uma forma bem informada e orientada para os resultados, pode fazer toda a diferença arte aprofundada, conhecimento cinestésico expandido e uma técnica mais segura e mais forte podem florescer a partir daí.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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