'Nandi Chol' de Shejith Krishna. Foto de Olivia Blaisdell. The Dance Complex, Cambridge, Massachusetts.
10 de fevereiro de 2018.
Se você perguntasse a qualquer pessoa na rua o que ela imagina quando você diz “dance”, o que acha que ela diria em resposta? Você pode, por acaso, encontrar um dançarino com formação ampla ou um entusiasta da dança, mas muito provavelmente essa pessoa mediana imaginaria dança de salão social, balé clássico ou dança contemporânea 'dark' e 'angustiante'. A cultura ocidental, por meio da disseminação tão ampla dessas imagens e ideias do que é 'dança', estreitou a concepção da pessoa média do vasto oceano de possibilidades e da criação estabelecida, que é a dança.
O NACHMO de Boston foi uma força para lutar contra esse tipo estreito de visão, oferecendo uma ampla gama de estilos de dança e tomadas qualitativas. “NACHMO” é uma abreviatura de “National Choreography Month”. Para este show, os coreógrafos tiveram que criar e aperfeiçoar suas peças no prazo de um mês. Todas as 12 peças foram notáveis e realizadas em sua própria maneira, mas esta revisão se concentrará nas mais significativas e memoráveis delas.
'To by Two' de Margaret Wiss. Foto de Olivia Blaisdell.
A primeira dessas peças, “To by Two” (coreografada por Margaret Wiss e dançada por Nora Buonagurio, Katy Esper), viveu e respirou através de um quadro único e intrigante. A única pontuação foi a respiração e a fala de dois dançarinos. No lado esquerdo do palco, eles foram iluminados diagonalmente do lado direito do palco. Trajes simples e pretos combinavam com essa estética sombria e reduzida. “Inspire, expire”, eles começaram, com movimentos para dentro e para fora do espaço negativo um do outro. Sua fala mudou para palavras direcionais, combinadas com “inspire” e “expire” - “uphale”, “acrosshale”. Em tom de comando, parecia as instruções de um coreógrafo - um ensaio de dança! Isso parecia bastante “meta” (a arte comentando sobre si mesma) e (indiscutivelmente) não totalmente relacionável a não dançarinos, até que um dançarino começou a correr.
O trabalho então pareceu transformar o significado na natureza cíclica da vida - direções para frente e para trás, mas padrões como nossa própria respiração consistentes em qualquer direção que possamos nos mover. Seria preciso perguntar aos artistas se esse era o significado pretendido, mas é um significado comovente de ser encontrado. O movimento em toda parte foi tão impressionante - multi-velocidade, multi-qualidade, multi-dimensional e, evidentemente, fiel às melhores inclinações naturais dos corpos dos dois dançarinos. O final trouxe um discurso mais longo de um dançarino - uma definição única de “exalar” que parecia promover a ideia da força vital da respiração cíclica subjacente a tudo o que fazemos. Todo esse significado veio de uma fala simples e de dois corpos em movimento!
'Nandi Chol' de Shejith Krishna. Foto de Olivia Blaisdell.
Duas peças depois veio um dueto de tradicionais Bharatanatyam , “Nandi Chol” (coreografado por Shejith Krishna e dançado por Revat Masilamani, Soumya Rajaram) - igualmente impressionante, mas de uma maneira diferente. A autenticidade veio através da ornamentação das roupas, postura elegante e comando limpo de poses e transições. Este crítico não é totalmente versado na técnica, mas parece que nunca saiu do ritmo. Havia uma harmonia maravilhosa de nitidez e suavidade.
Os membros do público também puderam aprender pequenos detalhes sobre a forma de dança clássica e suas roupas tradicionais. Podemos perceber que os sinos dos sinos eram de tornozeleiras cravejadas de sinos, por exemplo. Pequenos pratos podem estar localizados nas arcadas dos pés. Dessa forma, a peça era educacional e divertida - e nenhuma tinha que prejudicar a outra.
Kristin Wagner e Tony Guglietti em ‘fold’. Foto de Olivia Blaisdell.
lírio frio
Tony Guglietti e Kristin Wagner abriram o segundo ato com “fold”. Eles se sentaram em uma mesa de jogo sem adornos. Começou a música instrumental de piano para criar o clima, “3 312 ″ de Mike Wall. Um vai e vem, uma luta de força de vontade, começou - as palmas das mãos e antebraços abertos movendo-se apenas para serem pegos nas palmas das mãos e antebraços abertos do outro. O sincronismo com essas ações, bloqueando o movimento do outro, era impecável. Eles logo contornaram a mesa, em alerta máximo, e trocaram de lugar. Ela se moveu apenas para que ele a prendesse de volta à mesa. Então ela se levantou - forte, resistente, invicta. Ela caiu, em linha reta, e ele a segurou.
Isso aconteceu mais algumas vezes - caindo de joelhos, curvando-se para trás sobre os joelhos dobrados - nunca com uma pitada de medo ou hesitação de Wagner. Com isso, havia uma ternura minando qualquer visão dele como um vilão - e até mesmo a natureza adversária de seu relacionamento que a princípio parecia tão óbvia. Era muito mais complicado do que isso. E assim é o amor e qualquer relacionamento próximo. Wagner e Guglietti falaram de tudo isso com elegância e nuances, tudo dentro de estrutura e movimento simples. Havia uma economia poética nisso. Eles também ofereceram algo que se tornou universal em sua especificidade. Muito da melhor arte realmente é.
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'A Padam and a Thillana' de Deepa Srinath. Foto de Olivia Blaisdell.
Outro Bharatanatyam veio a seguir, “A Padam and a Thillana” de Deepa Srinath. Ela começou com uma explicação falada das duas formas básicas do estilo de dança clássica, contação de histórias e movimento puro, e que ela ofereceria um segmento de cada em seu trabalho. Talvez isso tivesse sido útil antes da primeira peça do estilo, mas foi útil mesmo assim. A música também foi um pouco mais modernizada do que na primeira peça, e seu estilo um pouco mais teatral - mas tudo ainda parecia bastante autêntico. Seu movimento era preciso, mas cheio de facilidade, e sua carruagem majestosa e orgulhosa. Junto com a primeira peça, o público pôde ver que essa forma de dança clássica pode ser muito.
'Slip Jig' de Rebecca McGowan. Foto de Olivia Blaisdell.
Uma peça de dança irlandesa veio duas danças depois, “Slip Jig” de Rebecca McGowan. Ela infundiu cada passo com alegria fácil, combinando a mesma qualidade em seu sorriso. Ela ocupou o espaço do palco, viajando em diferentes diagonais e linhas. Olhando de perto, podia-se ver pequenos acentos intrigantes e inesperados - como saltos virados para fora. Ela foi precisa com todo esse trabalho de pés, mas ainda cheia daquela facilidade alegre. Ela ofereceu muito para desfrutar, seja através de um olhar mais atento ou geral de sua dança. A peça foi outra camada no potencial do público para começar a ver o quanto a dança pode ser.
Em seguida veio um solo de Juliana Utz, “The Valley of the Shadow” dançado por Melenie Diarbekiria - baseado na técnica do balé, mas com uma qualidade contemporânea de liberação e firmeza. Ela usava sapatilhas de ponta, mas o levantamento possível delas não dominava o movimento nem a sensação da peça. Sua saia vermelha longa e ondulada adicionava tamanho e dimensão às suas fortes extensões. Uma camisa branca de mangas compridas com babados acrescentava uma elegância clássica.
'Vale das Sombras' de Melenie Diarbekiria. Foto de Olivia Blaisdell.
Um sentimento de tensão e conflito também estava presente - por meio de fraseado multidirecional, seus acentos agudos (intercalados com movimentos mais suaves) e entrega dramática. Não sabíamos a fonte da tensão, mas o sentimento é certamente identificável. Foi outra camada do que a dança pode ser para o público experimentar.
A última peça, “Here”, com coreografia de Brenna Bannister e dançada por um conjunto de sete bailarinas, encerrou o show com uma nota de alegria, amizade e união. Tudo começou aos pares, cada membro do par de frente para o outro. Música pop vibrante e camisetas de cores diferentes igualmente brilhantes faziam um arco-íris no palco. Uma boa dose de movimento uníssono, no vocabulário do jazz temperado com o fluxo contemporâneo, se encaixa bem nesta vibração energética. Saltos flutuaram, extensões explodiram e o movimento dos pés foi nítido. Tudo isso parecia ser uma modernização da dança jazz, que parecia se manter fiel à forma clássica - que muita conversa no mundo da dança tem vindo a encontrar.
Brenna Bannister está ‘aqui’. Foto de Olivia Blaisdell.
Eles saíram dos pares e através de outras formações marcantes - tais como deitar nas costas um do outro em um círculo, cada um oferecendo e recebendo apoio. Eles terminaram a peça de forma semelhante, mas em linha. Uma letra final da música ressaltou esse senso de apoio - “Eu estarei aqui para você!”. Com tudo o que oferece, a peça foi apenas mais um ponto brilhante e único na vasta tapeçaria multifacetada que é dança, em todas as suas possibilidades. NACHMO Boston deixou isso claro para todos os membros do público - entusiasta de dança experiente, espectador pela primeira vez e todos os outros. Se voltarem ao teatro, o que podem desfrutar lá é ilimitado!
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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