Paulo Arrais e Lia Cirio do Boston Ballet em 'Bach Cello Suites' de Jorma Elo. Foto de Rosalie O'Connor, cortesia do Boston Ballet. 25 de fevereiro a 7 de março.
Através bostonballet.org/bbatyourhome .
A dança não existe no vácuo, evidentemente o que veio antes é uma base ou algo do qual divergir. A voz de um coreógrafo evolui com o tempo, mas certos interesses e inclinações podem permanecer. Tanto no corpo de trabalho de um coreógrafo específico quanto na evolução da dança de forma mais ampla, pode ser interessante e informativo ver trabalhos mais antigos e colocá-los em conversação com trabalhos mais recentes.
Esta era do COVID tem muitas empresas fazendo isso por praticidade e necessidade, combinando novos trabalhos filmados de maneiras que são seguras para esta época e trabalhos de arquivo em programas virtuais. Comemorando Jorma Elo, dentro de “BB @ yourhome” do Boston Ballet programa, fez exatamente isso - homenageando o coreógrafo residente do Boston Ballet de 15 anos por meio de trabalhos filmados com segurança em estúdio e trabalhos mais antigos executados no grande palco da Boston Opera House. Ambos os tipos de trabalhos deixaram clara a singularidade da visão, voz e corpo de trabalho resultante de Elo ao longo dos anos.
Whitney Jensen, Bo Busby e Jeffrey Cirio em ‘Plano para B’ de Jorma Elo. Foto de Gene Shiavone, cortesia do Boston Ballet.
Parte I, apresentando Plano 2 B , aberta com uma dançarina logo acompanhada por outra. Eles se moviam com frenetismo, mas com base na segurança. A estética geral foi descomplicada: figurinos em cortes básicos e cores sólidas, iluminação que lembra a meia-noite e um painel de vidro aparentemente iluminado por trás com um tom amarelo-laranja (figurino e iluminação também da Elo). As máscaras sinalizaram que a obra foi criada na época da COVID, como também havia esclarecido uma abertura ao programa.
dança jangle
Os dançarinos alternavam perfeitamente entre o movimento que era gestual e não convencional e o que era mais técnico e tradicional. Ji Young Chae deu uma estocada profunda e, em seguida, girou os braços rapidamente, como pás de hélice, e então subiu suavemente para uma curva em forma de pirueta. Isso aliado à qualidade da música instrumental, com uma ousadia rápida e ardente, mas também uma sofisticação clássica.
O par de dançarinos fez parceria, mas de maneiras que não mantinham seus rostos próximos. Quando não estavam em um elevador, eles entravam e saíam do espaço negativo um do outro de uma forma lindamente curvilínea. Em um nível metafórico, essa falta de espaço físico pode atingir os telespectadores hoje em dia. Em um nível prático, essas escolhas coreográficas eram uma forma de os dançarinos compartilharem energia nas proximidades com menos risco de danos a qualquer um deles.
Esses ângulos de desvio permaneceram uma parte evidente do movimento à medida que mais dançarinos entraram no grupo cresceu de dois para um (com um solo rápido e memorável de John Lam ) a seis. Como os dançarinos executaram essas formas curvilíneas a partir de formações - como uma diagonal rasa em que os dançarinos posaram por um momento, baixos no espaço e com os braços mantidos ao lado em forma de asa - foi outra camada de interesse visual e energético aqui. Também intrigantes eram o andamento e as mudanças tonais na música, e como o movimento se desenrolava neles - às vezes mudando de acordo, às vezes progredindo em tensão com eles.
A energia atingiu seu pico no final, os dançarinos movendo-se rapidamente através de formas mais curvilíneas e encontrando interações rápidas uns com os outros através do espaço. A música chegou ao fim em staccato, e os dançarinos chegaram a uma pose final que parecia transmitir uma continuação, de avançar a partir daí - dois dançarinos voltados para o lado em uma posição de estocada e atrás deles, dançarinos de pé com os pés juntos e olhando para frente . As luzes diminuíram. Eu estou curioso para ver que efeito pode ter vindo da escolha diferente de dançarinos que continuam a se mover enquanto as luzes se apagam. Do jeito que estava, o final foi satisfatório.
alexandre meyer
Parte II, Bach Cello Suites , também usou inteligentemente o espaço negativo. Os bailarinos (Paulo Arrais e Lia Cirio ) seria quase um abraço - braços estendidos em forma de abraço e afastados, olha para o lado com os braços permanecendo estendidos para os lados. Seja ou não um comentário sobre a falta de contato físico durante esse tempo, era um vocabulário de movimento convincente por si só.
Junto com o tom de anseio da música, construiu um sentimento de tristeza e perda que ressoou profundamente para mim como espectador. Também ressoou para mim como pude ver a respiração acelerada e profunda de Arrais e Cirio através de suas máscaras - sugando e expandindo em um ritmo constante. Para mim, percebi como dançarinos como eles estão enfrentando imensos desafios agora, físicos e mentais, e totalmente à altura desses desafios.
Parte III, História de uma Memória , falou sobre alguns desses mesmos temas, de perda e anseio, em um teatralmente e de forma tecnologicamente adequada. Intercaladas entre suas danças, principalmente separadas no espaço, estavam as fotos dos dançarinos rindo e sorrindo. Eles se sentaram contra lados diferentes em um enorme bloco preto, falando versos poéticos - um tanto ambíguos, mas aparentemente um sobre o outro, como também se sentaram e falaram na direção um do outro (como alguém pode tentar falar com alguém do outro lado de um muro).
A Parte IV incluiu trechos de várias obras de Elo ao longo dos anos. Cada excerto deu um gostinho de certas obras Elo notáveis - todas únicas em estética e conceito, mas com o traço comum de um estilo de movimento exclusivo do Elo: dinâmico, cheio de energia e reflexo de várias influências de movimento (técnicas e pedestres) apoiadas em um clássico base.
C. para C. (perto de Chuck) Renascer tinha uma vibração nervosa, misteriosamente de pesadelo. Sharp (er) lado escuro trouxe algo simples e elegante, quase balanciniano em estética, mas muito Elo em qualidade de movimento. A Experiência Elo trouxe uma elegância misteriosa. A luz e a escuridão estavam em tensão de maneiras diferentes ao longo da obra. Teatralidade e grandes formações construíram uma energia que sustentou esse sentimento.
altura marcus lemonis
Boston Ballet em ‘Creatures of Egmont’ de Jorma Elo. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet.
Criaturas de Egmont era um pouco mais leve e brilhante, blues e roxos dando suporte ao movimento que era um pouco menos staccato do que o de muitas outras peças do Elo. No entanto, esse dinamismo característico encheu o ar. Do figurino às formações e à presença de palco dos dançarinos, Quinta Sinfonia de Jean Sibelius tinha a aparência de um balé pastoral reformulado para os 21stséculo.
Também foi emocionante ver um pouco da história do Boston Ballet, como por meio de apresentações de ex-membros da companhia James Whiteside (agora no American Ballet Theatre) e Kathleen Breen Combes (agora diretora do Festival Ballet Providence) . Antes desses trechos, algumas lindas fotos também representavam Carmen , apresentado no ano passado (no início de 2020) - um lembrete gritante de como as coisas eram pouco antes do COVID, e nisso o quanto elas mudaram.
A inclusão deste programa de trabalhos mais novos, seguros para COVID e mais antigos apresentados antes de COVID parecia agridoce, foi encorajador ver trabalhos ainda sendo criados e filmados nessa época, enquanto trabalhos mais antigos eram um lembrete do que era possível antes - o que poderíamos ter às vezes tidas como certas. Ambos os tipos de trabalhos, no entanto, deixaram clara a voz criativa única de Elo e a arte seminal do Boston Ballet agora e no passado. O mundo está em um fluxo constante e totalmente imprevisível, mas a criatividade e a arte perduram.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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