Teatro Nederlands Dans em 'The Missing Door', de Gabriela Carrizo. New York City Center, New York, NY.
6 de março de 2020.
Sob a orientação do Diretor / Coreógrafo Paul Lightfoot e do Consultor Artístico / Coreógrafo Sol León, o Nederlands Dans Theatre celebrou seus 60 anosºaniversário como companhia de 4 a 7 de março, no New York City Center, apresentando-se para uma casa lotada. O programa durou quase três horas com dois intervalos e consistiu nas estreias nos EUA de três peças relativamente longas: A porta perdida (2013), coreografado por Gabriela Carrizo Walk the Demon (2018), coreografado por Marco Goecke e Feche os olhos (2016), coreografado por León e Lightfoot.
A porta perdida abriu o show com robusta vitalidade artística e coreografia experimental que o resto da noite se mostrou incapaz de cumprir. A peça começa com o que parece um final: uma mulher morta esparramada no chão seguida de uma tentativa de limpar, de reiniciar. O humor rapidamente supera a gravidade do que deve ter acontecido antes, quando uma toalha de mão pesada luta com o homem de terno que a segura e ele começa a girar descontroladamente, girando sobre os joelhos com a velocidade de um patinador olímpico.
Entra uma empregada com uma poltrona, completando o conjunto quase monocromático de portas, janelas e arandelas cinzas quebradas apenas por um abajur amarelado que lembra um hotel sinistro. Acompanhado por uma trilha sonora agourenta e monótona, o conjunto é usado engenhosamente ao longo da peça, os dançarinos brilham através da janela manchada enquanto as cenas se desenrolam, dedos gananciosos escorrem pelas ombreiras das portas e sombras avultadas pintam as paredes. Uma poderosa luz industrial sobre rodas também entra e sai do set, hipnotizando e cegando os dançarinos e o público, e ocasionalmente infundindo a sonoridade com seu zumbido.
Os destaques da comédia dependem muito de coisas fáceis tornadas difíceis: as leves tornam-se pesadas, o mundano reinventado. Parece que um dançarino não consegue tirar o casaco e uma luta prolongada se instala entre ele e a roupa indisciplinada. Outra dançarina não consegue andar de salto e o público meio que se encolhe e meio que ri enquanto ela rola os tornozelos sem parar, atrapalhando-se em direção a um homem que a guia de braços abertos como um pai ensinando a criança a andar ou nadar.
Outros momentos cômicos incluem dançarinos sendo derrubados por portas quando se abrem, uma rajada de vento repentina varrendo papéis amassados pelo palco e quase levando o elenco para longe, e uma ilusão particularmente tumultuada em que uma dançarina parece controlar a abertura que range e fechando várias portas com sua perna de salto, que se estende verticalmente enquanto ela se senta na poltrona.
Mais hilariantes e impressionantes são as vinhetas em que o set estremece e os bailarinos reagem exatamente ao ritmo e à intensidade do tremor, que é inicialmente causado por uma disputa com um tom obstinado. À medida que perdem o controle, o conjunto parece tremer por conta própria. Durante uma dessas vinhetas, os shakes se transformam em diálogos em cubos: “m-o-t-h-e-r-f-u-c-k-e-r”.
mapa do dançarino
Apesar de todo o seu humor, A porta perdida é decididamente uma peça sombria e carregada de emoção. De um dueto de estupro com o macho agarrando a fêmea pela virilha, criando o contorno fantasmagórico de um falo sob seu vestido esvoaçante azul-petróleo e controlando-a como uma boneca, ao som de risadas ameaçadoras e choro iluminado, a um final fisicamente abusivo em que o cenário começa a se autodestruir conforme as relações entre os dançarinos o fazem, Carrizo está claramente atrás de algo muito mais do que risos triviais e violência espalhafatosa. Ao descrever seu trabalho, ela diz: “Eu tento constantemente buscar novas perspectivas para tornar o mundo mental paralelo visível, um mundo no qual medos hiperindividuais, opressão, fantasias e construções de pensamento dos personagens e artistas entram em um relacionamento social regular . ”
Quando a peça termina com um retorno à imagem inicial, somos confrontados com uma pergunta incontornável: isso é um ciclo? E, além disso, o que será diferente da próxima vez? Qual é o impacto cumulativo de todos esses danos? À medida que refletimos sobre essas questões existenciais, um holofote comovente pega cada dançarino desprevenido, um por um, e somos temporariamente acalmados pela deliciosa protração de um mundo que estamos apenas começando a enfrentar.
Nederlands Dans Theatre no filme 'Walk the Demon' de Marco Goecke.
Em seguida no programa foi Goecke's Walk the Demon , que usou música de vários artistas e contou com os vocais arrebatadores de Antony and the Johnsons. Embora a música e o movimento pudessem funcionar por conta própria, eles não pareciam se encaixar. A canção de amor fluente genérica contrastava com o movimento rápido e desumano de uma forma que parecia involuntária e ineficazmente chocante.
Smoke vagamente abandona o palco no início da peça, e o vocabulário do movimento Mach Five é imediatamente estabelecido e permanece notavelmente consistente por toda parte. Visualize gestos afiados e finos como uma agulha. Agora limpe toda reverberação e jorro. Substitua-o pela geometria, com mãos laminadas e em garras e rostos contorcidos e atitudes recuadas, com formações enviesadas voltadas para a frente e animalismo uníssono. Até a respiração é sincronizada.
Acrescente a isso sussurros portentosos, gritos em línguas estrangeiras, uma troca de gritos e (infelizmente) abraços aleatórios e beijos fingidos espasmódicos. “Toda vida e amor são um obrigado, alô e adeus ... Tudo é novo”, ou assim dizem os dançarinos. Também vislumbramos uma figura obscura - um homem em um terno de gorila? - rastejando em segundo plano. O próprio demônio? Como esse símbolo e essa linguagem se encaixam no resto deste mundo incompatível? Recebemos poucas pistas, deixando-nos tatear por nossas próprias conclusões.
O exército de dançarinos é indiscutivelmente impressionante e, junto com a prova corporal do peso da velocidade - do poder da velocidade de ultrapassar a originalidade do movimento, para fazer até mesmo a coreografia mais básica parecer interessante (embora a grande maioria da coreografia de Goecke não seja de forma alguma básico) - eles são a melhor coisa sobre a peça. Apesar da habilidade surpreendente dos dançarinos e da proporção impossível de movimento por segundo que eles são prontamente capazes de manter, no entanto, um suspiro de alívio tomou conta do público quando a peça, que tinha ultrapassado consideravelmente o tempo de boas-vindas, finalmente terminou.
Teatro Nederlands Dans em Sol León e ‘Shut Eye’ de Paul Lightfoot.
A peça final, Feche os olhos , completou a espiral descendente do programa. Aparentemente liderado pela citação “Fecho os olhos para ver” do artista visual francês Paul Gaugin e guiado por questões sobre a natureza das limitações perceptivas e emocionais (formuladas de forma ambígua no programa para fazer sensação e emoção falsamente parecerem mutuamente exclusivas) , A peça de León e Lightfoot saiu como uma distorção sem sentido de virtuosismo monótono. Os “significados simbólicos por trás do uso dinâmico de preto e branco, a respectiva luz e sombra” pareciam muito com coreografia técnica desmotivada encenada em um cenário inteligente com dançarinas bonitas e um designer de iluminação incrível.
A peça começa com uma lua projetada em um cenário escuro, centrado em uma porta de onde dançarinos em trajes formais de gênero entram e saem. A coreografia depende fortemente de parcerias e consiste principalmente em um movimento amplo e abrangente - um contraste gritante com a peça anterior - a partir do qual elementos técnicos surgem regularmente, às vezes perfeitamente, outras vezes desarmoniosamente, quase sempre com importância artística questionável. O motivo mais memorável é lembrado por sua extravagância: um ponto, às vezes acompanhado por uma exclamação: 'Pronto!' O vocabulário clichê é de façanhas pontuais, andar em câmera lenta e brincar com as sombras, e há pouca ou nenhuma química detectável entre os dançarinos.
De acordo com o diretor Lightfoot, o elemento unificador do programa City Center foi o foco na dança como uma arte além do entretenimento: “Há mensagens poéticas mais profundas em todas as peças”. Para um programa que faz essa afirmação, fora da genialidade de A porta perdida , tudo parecia muito divertido para mim. Saí com a sensação avassaladora de que tudo não passava de uma dança. Uma oferta para continuar preenchendo assentos. Eu ficaria feliz em provar que estou errado.
Por Charly Santagado de Dance informa.
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