'Arranjo' de Cleo Mack. Foto cortesia da Dance-mopolitan Encore Series do Dance Now. Joe’s Pub, New Yor, NY.
11 de janeiro de 2020.
A arte da dança com humor e coração autênticos permanece comigo - eu sinto, vivo nela, lembro-me dela. Isso me lembra como, com todas as nossas identidades separadas e divisões (percebidas?), Somos todos humanos. A série Encore do Dance-mopolitan do DANCE NOW, por meio de um apresentador talentoso e apresentações cheias de coração, ofereceu esse tipo de arte de dança. O Joe’s Pub proporcionou uma atmosfera acolhedora onde o público podia comer e beber enquanto assistia ao show. Uma atmosfera leve e alegre encheu o espaço. DANCE NOW “cria eventos inclusivos e de destino que fervilham de inovação e da imaginação sem limites de uma comunidade de artistas de dança de várias gerações”.
A primeira peça, “SoLo” (2019), deu o tom para a qualidade teatral, coração e humor de muitas das peças que viriam. Mark Gindrick, em um chapéu de feltro, jaqueta esporte azul e jeans, disse “a primeira música” em um microfone. Ele sincronizou uma linha com os lábios e, em seguida, na palavra “cair”, caiu no chão, as luzes apagadas. Essa escolha estabeleceu o estilo pastelão da obra. O público riu com esta mudança inesperada de eventos. No entanto, alguns segundos depois, ele estava de pé, as luzes voltadas para ele.
Ele começou a dublar uma balada dramática sobre o amor não correspondido - cabeça jogada para trás com uma postura aberta, puxando o microfone para trás com seu estilo rockstar. Sua presença era dramaticamente humorística e a iluminação baixa para combinar com o ambiente. Mais seções “dançantes” o fizeram mover-se em um vocabulário de movimento inspirado no jazz, toques humorísticos, como dar um tapinha nas costas da outra enquanto passé marcava uma virada.
A música referia essa mulher, objeto de seu afeto, como “o vento”. Um homem com um fone de ouvido, presumivelmente da equipe de 'tecnologia' teatral, fez um efeito de vento acontecer despenteando as roupas do cantor. O público riu com esse efeito. Era em parte autodepreciação cômica, transformar em humor a adoção de abordagens criativas de “baixo orçamento”, e em parte “meta” -comentário, dando uma janela para os processos por trás de dar vida à arte da dança.
O anti seria aumentado, o cara da “tecnologia” pegou um soprador de folhas e soprou na cantora, que até pegou ar na boca para soprar nas bochechas. A multidão engoliu em seco, as risadas ecoando pelo teatro. Para finalizar, o técnico explodiu o cantor para fora do palco e assumiu o centro do palco. Ele parecia gostar da atenção da multidão antes de se curvar e sair. O público aplaudiu este homem, alguém que não esperaríamos estar no centro das atenções agora absorvendo isso. A peça também habilmente, alegremente abriu a concepção do que 'dança' é e pode ser.
A anfitriã, Trudee, dançou em seguida. Ela mudou-se animadamente para músicas pop, dançando com comando técnico, mas também um sabor de dança social casual. De toques de passos a ameias, passando por sinalizar a marca de uma virada (com uma mão batendo nas costas da outra enquanto está fora de moda, trazendo de volta aquele “meta” toque da primeira peça), ela se comprometeu com tudo isso com alegria e plena energia .
Seu vestido era rosa e branco cintilantes, com um pequeno encolher de ombros rosa. Um “falcão falso” e joias brilhantes finalizaram seu “look”. Ela começou a falar com um sotaque do tipo Long Island, New Jersey, agudo e áspero. O personagem era claro, quase arquetípico. Ela falou sobre amar todos os performers, todas as pessoas maravilhosas, excelentes no que fazem. O público riu, o tipo de risada que vem do coração.
Em seguida, veio um dueto memorável e comovente - “um retrato deles”, interpretado por Ryan Rouland-Smith e Nicole Vaughan-Diaz e coreografado por Vaughan-Diaz. Vaughan-Diaz estava atrás de Rouland-Smith, que estava sentado em uma cadeira. Eles executaram gestos para se aproximarem e se distanciarem um do outro - uma mão no ombro, uma colocação daquela mão mais distante. Eles se moviam através desses gestos mais rápido e maior até que se levantassem das cadeiras e se movessem pelo espaço. A presença deles reforçou o sentimento de grande drama e incerteza emocional que pode surgir em momentos difíceis nos relacionamentos.
Suas roupas simples em tons de terra e partituras de piano diretas, mas dramáticas complementavam bem essa atmosfera. Eles se moveram para planos e níveis adicionais no espaço, dançando em direção e para longe daquela cadeira. O movimento se expandiu naquele momento original da mão no ombro. Os ângulos dos membros tornaram-se suportes para elevadores - um braço tornando-se uma prateleira, um cotovelo dobrado agindo para segurar. Em uma frase de movimento memorável, uma flexão para trás mudou para uma queda sustentada em outra elevação. O movimento e a execução dele foram ousados e comprometidos. O conflito entre o amor e o animus ressoou em tudo. O trabalho me deixou em um espaço pensativo, mas também emocionalmente impactado.
Trudee voltou algumas vezes e nos contou sobre os “microgêneos” de diferentes artistas. Um dos próximos artistas era 'limbgevity', ela explicou, em 'Duet'. Gus Solomons, Jr., usando um andador, interagiu com um fantoche. Ele começou a se virar para trás, e o boneco mostrou sua cabeça. Ele se virou e moveu seu boneco de maneiras relacionais comoventes: o boneco “subindo” por seu braço, abraçando seu pescoço, parecendo brincar de esconde-esconde. Nas notas do programa, ele agradeceu a “DANCE NOW por me permitir manter o título de coreógrafo”. O trabalho era uma representação comovente da possibilidade de excelência em dança e movimento em todas as pessoas.
O 'Arranjo' de Cleo Mack - um trabalho inventivo conceitual, estético e conceitual - encerrou o programa. Blair Ritchie, Kelli McGovern e Mandi Stallings do Rock Dance Collective dançaram. O trabalho abriu brechas na afirmação de muitos artistas de dança contemporânea de que usar uma partitura com a letra é uma escolha arriscada - talvez até desaconselhável - da música clássica 'Is That all there is?' significado e atmosfera guiados. O trabalho foi convincente, entre outras coisas, por causa da atitude de tédio e descontentamento dos dançarinos - que se encaixava na música. Também alinhados aqui, eles usavam vestidos pretos com pérolas, brincos e saltos baixos modestos - e expressões um tanto vazias.
Eles começaram nas cadeiras, e essas cadeiras eram uma base de aterramento para a qual eles sempre voltavam - aquele aterramento no tédio. Também chamou minha atenção o uso eficaz de uma frase de movimento de base ligeiramente manipulada e repetida ao longo do trabalho - braços abertos para formar um ângulo, um caindo enquanto o outro a segurava e o outro girava. Essa escolha reforçou aquela sensação de tédio por meio de uma natureza cíclica, uma sensação de voltar a ser a mesma coisa e talvez nada nunca verdade mudando.
Algo sobre tudo isso - talvez a letra combinada com a atmosfera e a dramatização dos dançarinos - me fez rir. Senti tudo profundamente ao mesmo tempo, porém, aquela sensação de êxtase e de que deve haver algo mais na vida de alguma forma. Humor, coração, um grande movimento - e, claro, lantejoulas rosa - tudo se juntou para fazer da série ‘Encore’ do DANCE NOW, Dance-mopolitan, uma tarde agradável e acessível de arte da dança. Era o tipo de dança que recebe a todos, e quem não quer se sentir bem-vindo? Conforme o mundo da dança avança, isso não é algo para ser esquecido ou deixado de lado. Trudee colocou bem - encorajando a individualidade e a autoaceitação, ela nos lembrou de nunca “esquecer seus microgêneros”. Todos nós precisamos desse lembrete às vezes.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
Recomendado para você
