A 'Órbita Inescapável' do Teatro de Balé José Mateo. Foto de Gary Sloan. The Sanctuary Theatre, Cambridge, Massachusetts.
6 de maio de 2017.
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“Eu não quero cair nem mais um momento em sua gravidade”, canta a pop star Sara Bareilles em seu hit Gravidade . Ela não está se referindo à força invisível que mantém nossos pés na terra e nosso planeta orbitando ao redor do sol. Ela significa uma força de atração intangível, irresistível e infatigável, por alguma outra coisa ou pessoa.
Quando a arte da dança se destaca, ela pode ter essa atração sobre nós. Nossas mentes modernas dispersas só podem se concentrar na beleza à nossa frente. Sentimos as viradas, alcances e quedas dos dançarinos em nossa pele e ossos. Realmente tem que ser vivido ao vivo, nos próprios momentos em que os bailarinos respiram e olham, para ser plenamente apreciado. Freqüentemente, também efêmero e insubstituível, é como os elementos visuais e auditivos de suporte de uma performance se fundem com o movimento, para se tornarem mais do que a soma de suas partes.
Teatros de balé José Mateo Órbita Inescapável ofereceu esse tipo de coesão multimídia que surge como mágica da performance. E, embora não sem áreas para crescimento, o trabalho apresenta verdadeiros momentos desse tipo de arte para o qual não podemos deixar de ser totalmente atraídos - assim como nossa lua é atraída para orbitar ao redor de nosso planeta.
Sublinhando este efeito da magia da performance, em sua carta de programa, José Mateo (coreógrafo da companhia, diretor artístico e fundador) disse: “Espero que a música e a dança de ... este programa o leve a uma órbita externa da qual escapar não importará. ”
O primeiro trabalho, Risco de Repetição , explorou e demonstrou possibilidades dentro de uma estrutura de frases repetidas. Longe de ser rotineiro, o trabalho também seduz pelo inesperado - a partir da abertura de um aglomerado de dançarinos dando pequenos passosNa pontade costas para o público. Nem um pouco uma abertura banal!
O uso de canhões, com movimento pintado com pinceladas de nuances ligeiramente diferentes por cada bailarino, também ajudava a repetição a evitar o envelhecimento. Camadas do movimento continuaram descascando. A parceria fluida, embora forte, contribuiu para essas gradações surgirem.
Os pares também trabalharam juntos como equipes verdadeiramente colaborativas. Frases repetidas entre eles ecoavam os hábitos aos quais voltamos nos relacionamentos, românticos ou não, para o bem ou para o mal. A solista Joanna Binney executou um footwork nítido e momentos inesperados, como um lançamento destemido para o chão. Seu parceiro, Spencer Doru Keith, ofereceu extensões de comprimento infinitamente expansivo - uma linha geométrica sem fim.
Ainda assim, pode-se perguntar o que poderia ter resultado de uma maior interação entre esses pares, talvez mais contexto em torno de seus relacionamentos. Talvez esteja procurando um significado onde não precisa estar. Em qualquer caso, fantasias e iluminação em um esquema de colarinho lilás celebravam a estação da primavera sobre nós. Correndo o risco de repetição, nos alegramos com a chegada anual da primavera. A energia alegre desta peça pode ser parte dessa alegria.
Esta primeira peça certamente teve seus toques contemporâneos, já a segunda, Ainda Águas , tinha um toque mais moderno ainda. Uma frase convincente neste estilo, por exemplo, foi umbatida por segundo,seguido por uma pincelada com as costas da mão no rosto e um fechamento das pernas em paralelo. Em seguida, os cotovelos se ergueram para criar braços curvos em forma de asas. Música de vozes corais com camadas de instrumentação ('Nocturne III' de Claude Debussy) começou a construir uma atmosfera celestial e etérea.
Contribuindo para essa atmosfera estavam imagens em movimento, nos corpos fluidos dos dançarinos, como um passé paralelo com pulsos em movimento. Algo nele personificava o vôo dos anjos. Trajes azuis e iluminação alinhados com aquela sensação celestial. O título talvez implique uma união de céu e terra, o azul acima e abaixo. Uma harmonia abrangente combinava com os dois. O único elemento que não parecia se alinhar totalmente com esta atmosfera era um solista (Angie DeWolf) em vermelho.
Talvez ela representasse as forças invasivas de raiva e conflito que podem se infiltrar em atmosferas positivas e pacíficas. O movimento dela deixando isso um pouco mais claro, pode-se argumentar, pode ser um elemento valioso a ser desenvolvido em futuras encenações da obra. Apesar de tudo, a peça anterior estava cheia de tensão espacial intrigante, de construir um espaço negativo. Este oferecia uma dobradura de formações, como misturar ingredientes de panificação para fazer massa. Foi tão suave e agradável de experimentar.
O trabalho final, romances , foi uma estreia. Como todas as cinco peças, ele convidou - se não atraiu diretamente - o público para seu mundo. Como Ainda Águas , a coreografia continha um vocabulário de movimento quase contemporâneo, como voltas de lápis e cotovelos dobrados (mais do que no clássico Port de Bras ) Os dançarinos demonstraram sua versatilidade em realizar este movimento de forma limpa e inteligente.
DeWolf (também solista nesta peça), por exemplo, exibiu um impulso apaixonado de forças físicas através de seu corpo, um equilíbrio louvável de domínio técnico e uma ousadia de correr riscos. Roger Creel, que substituiu Colton West no papel, também ofereceu um comando técnico simultâneo e uma individualidade intrigante em sua assinatura de movimento. Foi difícil olhar para outro lugar quando ele se virou, saltou e serpenteou por sua espinha. Magdalena Gyftopoulos era sua parceira frequente, uma propulsora suave e forte. Além deles, os dançarinos em formação eram igualmente atraentes.
Um momento marcante, por exemplo, foi com três bailarinas - uma em vermelho imprensada em uma linha por duas em azul - caminharam para trásdemonstração. A forma como a luz os atingiu foi de tirar o fôlego. Outra foi com uma seção de dançarinos circulando em torno do centro do palco. Parecia que o centro - com um mistério próprio, de alguma forma - mantinha os dançarinos em órbita por atração gravitacional.
Para terminar, uma dançarina ficou sozinha no palco. Nós nos envolvemos nos assuntos de vários relacionamentos, mas no final, o único verdadeiramente duradouro e consistente é aquele com nossa própria consciência. Esses momentos estiveram entre aqueles na verdadeira arte da dança que provam como a maior parte da arte da dança precisa ser vivida ao vivo para ser verdadeira e plenamente experimentada. Essa capacidade de apreciar e saborear a experiência estética, que muitas vezes não podemos colocar em palavras, faz parte da nossa própria humanidade.
“Algo em nós sempre será atraído para orbitar em torno das possibilidades de criar e fazer arte - sonhar, imaginar, construir, inovar ... ouse alguém dizer que escapamos dessa órbita, então teremos perdido parte de nossa própria essência, ”Afirmou Mateo na carta do programa. Não posso dizer isso de forma mais clara e verdadeira do que isso.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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