Hana Kozuka. Foto de Richie Babitsky. “Ninguém sabe mais o que é‘ contemporâneo ’,‘ moderno ’ou‘ jazz ’.” Você já ouviu isso antes? Este escritor tem. Ela pode até ter dito isso algumas vezes. Pode ser um exagero, mas o fato é que muitos artistas e professores de dança estão misturando essas formas e criando algo novo por conta própria. Como resultado, perdemos a integridade e a clareza das técnicas clássicas codificadas - e tal combinação deve, portanto, ser feita com cuidado e reserva? Por outro lado, essa mistura de formas abre espaço para uma colaboração frutífera - e, portanto, deve ser incentivada? Para aqueles que se preocupam com o florescimento da arte da dança no futuro, bem como com a preservação de sua tradição, essas parecem ser questões que não devem ser consideradas levianamente.
Para aprofundar essas questões, Dance Informaspoke com quatro artistas de dança: Hana Kozuka, dançarina / coreógrafa baseada em LA Bettina Mahoney, diretora fundadora da Fortitude Dance Productions e a educadora de dança Tracie Stanfield, diretora fundadora da Synthesis Dance baseada em Nova York e Taylor McLean Bosch, diretor artístico da Nitrogen: The Company e educadora de dança baseada em NYC / Long Island. Vamos começar!
Taylor McLean Bosch.
teatro ted shawn
Por que essa variedade de estilos? Como resultado, existe um impacto maior acontecendo no mundo da dança?
Stanfield acredita que “a fusão de estilos (subestilos) é, de certa forma, um reflexo ou uma resposta ao mundo em que vivemos. Nossa sociedade, mais do que nunca, valoriza a individualidade, a personalização e a autonomia. Os artistas não são limitados por 'regras' ou metodologia do passado. ” O pensamento de McLean Bosch aqui é semelhante. “Todo mundo está tentando encontrar sua voz”, pensa ela. Kozuka observa que essa proliferação de estilos traz “muito mais coisas para se fundir”.
Por outro lado, Stanfield descreve como podemos ver esta tendência como mais uma onda de proliferação de estilo / técnica que aconteceu com o crescimento das técnicas e repertório de Graham, Horton e Limón - mas com “a principal diferença é que não há oficial, definitivo sistema fundamental para cada subestilo ou técnica, é exclusivamente dependente dos valores e preferências dos coreógrafos / professores. ” Além disso, essa proliferação está acontecendo hoje em dia na “rua, jazz e estilos de balé ”, diz Stanfield. Por exemplo, tem havido um florescimento de classes em subestilos como 'jazz contemporâneo', 'fusão contemporânea', 'rua contemporânea', 'balé contemporâneo' e 'jazz lírico'.
Hana Kozuka. Foto de Peter Yesley.
Ainda assim, alguns professores se identificam e se promovem não por um estilo convencional que ensinam, mas pelo seu próprio estilo / qualidade e marca de movimento. Por sua vez, os alunos podem olhar para os nomes e marcas dos professores, em vez de estilos, ao decidir quais aulas assistir - como Kozuka atesta ser sua norma. “É difícil colocar um rótulo nas coisas hoje em dia!” ela diz. Ela aponta a mídia social como um impulsionador dessa tendência de construir uma marca. Como professora, McLean Bosch acredita que tem um estilo e estética únicos, mas dirá que é uma professora 'contemporânea' se for isso que os empregadores procuram.
quão alto é vitaly
Há uma tensão entre o modo de marca do artista e o dos negócios baseados na dança, no entanto, Mahoney descreve como ela tem que nomear certas classes de professores para suas convenções, mesmo que eles não gostem de seu estilo ser 'categorizado'. “Tenho um negócio e preciso anunciar”, afirma ela. Validando esse ponto, McLean Bosch aponta para convenções que estão perdendo negócios por não oferecerem aulas “contemporâneas”. Ao mesmo tempo, os concursos classificam suas peças como “modernas” - quando ela acredita que seu trabalho é mais “contemporâneo” do que “moderno”.
Isso é um problema? isso é uma coisa boa? São ambos? O que é importante ter em mente, em termos de abordagens em pedagogia, coreografia, branding?
Mahoney fica preocupado quando se trata de alunos de dança com uma base de técnica codificada ou não 'você não pode 'sair do livro' se você não tiver o livro em primeiro lugar', ela afirma. Parte desta importante incutir estilos de dança convencionais em jovens estudantes é ensinando história da dança - de onde essas formas vieram dentro do contexto histórico geral. “Assim, os alunos podem saber que o contemporâneo cresceu do pós-moderno e o pós-moderno do moderno, por exemplo”, afirma Mahoney. Na sua opinião, respeito e domínio de tais formas - e seu legado histórico - torna a coreografia, performance, pedagogia muito mais fortes e muito mais. Como diz o velho ditado, você precisa conhecer as “regras” antes de “quebrá-las”.
Bettina Mahoney.
No final das contas, Kozuka e McLean Bosch veem essa tendência de mistura e proliferação de estilos como uma coisa boa, algo que pode permitir que os artistas encontrem suas vozes criativas mais verdadeiras e façam um trabalho maravilhoso. Kozuka pensa que, em vez de sentir que devemos colocar as coisas em 'caixas', está em nosso poder fazer novas caixas. “Se [os novos estilos] resistirem ao teste do tempo, eles vão durar - ou não”, pensa ela. “Isso vai acontecer - novos estilos surgirão e os gêneros mais antigos ficarão obsoletos”, afirma McLean Bosch.
Stanfield valida a descoberta de um estilo de movimento próprio 'mesmo nenhuma regra é uma regra.' Ela aplaude o espaço de criatividade e liberdade e ressalta que inovação sempre traz medo da mudança (como “resmungos da [ubiquidade] dos celulares.”). No final, Mahoney acredita que os artistas de dança trazem sua própria história de movimento, a partir das qualidades únicas de professores e coreógrafos com quem estudaram e para quem dançaram. Kozuka também ressalta esse ponto. Incorporar e, a partir daí, passar, o legado estilístico e técnico parece ser algo a encorajar - já que é assim que o campo da dança cresceu para ser o que é.
aprendizado
Tracie Stanfield ensinando no Broadway Dance Center.
Como o mundo da dança aproveita ao máximo essa tendência?
Stanfield destaca o desafio para os dançarinos que tudo isso pode criar - ter que treinar em “todos os estilos”. “Quando tudo é importante, em última análise, nada é importante.” ela acredita. Assim, conversas mais profundas sobre o que é viável e acessível para dançarinos parecem necessárias. Em relação às tensões entre os artistas que ensinam dança e os proprietários de negócios, como os descritos por McLean Bosch e Mahoney, talvez esse diálogo adicional também possa ajudar. Ambas as partes poderiam expressar suas necessidades e desejos, e encontrar um terreno comum poderia trazer um consenso mutuamente agradável.
Em relação às preocupações de Mahoney com os artistas de dança a partir de uma base de técnicas codificadas - domínio técnico e conhecimento contextual profundo disso - os educadores de dança podem estruturar seus currículos em torno de primeiro incutir essa base em seus alunos, em seguida, orientando-os a se ramificar para algo mais próprio Para Kozuka, navegar por essas dinâmicas de identidade estilística depende de cada artista abordar com seu melhor julgamento, maior integridade e total autenticidade pessoal. Isso vai se multiplicar para criar um mundo de dança que faz o mesmo.
Stanfield acredita que “os dançarinos são atraídos para um trabalho que ressoa com eles ... nós gravitamos em torno das experiências e estilos que nos nutrem e nos desafiam”. Os rótulos não são necessariamente tão significativos para nós quanto para outros tipos de pessoas, e podemos trazer o pensamento flexível para várias situações. Com bom senso, integridade, autenticidade e pensamento flexível, podemos navegar por dinâmicas complicadas - mesmo aquelas tão complicadas como identidade estilística, marca pessoal do artista de dança, tradição versus individualidade e assim por diante. Vamos fazer isso!
Por Kathryn Boland de Dance informa.
Recomendado para você
