Projeto Fortitude Dance. Ripley-Grier Studios, New York, NY.
9 de novembro de 2019.
A dança pode fazer uma diferença significativa? Bettina Mahoney, diretora artística do Fortitude Dance Project , com certeza pensa que pode - e age de forma assertiva por meio dessa crença. Em meio a todos os problemas persistentes no mundo de hoje, a taxa de incidência de câncer continua aumentando. Dançarinos contra o câncer é uma organização sem fins lucrativos que apoia artistas de dança com câncer. O Gala Showcase do Fortitude Dance Project, em um grande estúdio no Ripley-Grier Studios, contribuiu com todos os lucros para a organização. O programa apresentou vários trabalhos de alta energia e tecnicamente impressionantes, afirmando a força interior e a força dentro da comunidade.
O início da noite foi “This is Me”, coreografado por Jessica Ice. Foi uma obra de múltiplos estilos e um elenco grande e talentoso. Os dançarinos entraram e então pararam, mudando para uma nova pose a cada oito contagens ou mais, enquanto um dançarino no centro do palco se movia continuamente. Depois de se virar para vê-la, o movimento total do grupo em alta energia começou. Com essas mudanças, pensei na força nos níveis individual e comunitário. Às vezes, grupos menores de sapateado ocupavam o centro do palco, enquanto o resto do grupo continuava se movendo. Além do sapateado, o movimento foi em uma linguagem clean jazz com toques contemporâneos. Visualmente e energeticamente, tudo era incrivelmente atraente.
A terceira obra, “Throwback”, foi coreografada e dançada por Max Ginsburg. Foi um solo de hip hop memorável de musicalidade marcante e comando técnico. Havia uma mistura de sotaque e fluidez, em uma peça com batidas musicais, que era bastante agradável. Também foi notável como a qualidade do movimento e o idioma do movimento mudaram em diferentes pontos para exibir várias partes do estilo de dança hiphop. Por exemplo, Ginsburg fez movimentos de breakdance impressionantes e depois mudou para um estilo mais suave e lírico de hip hop. Ele permaneceu efetivamente maleável em sua musicalidade o tempo todo. Sua presença de palco forte e confiante indicava estar feliz com quem ele é, e não se importar muito com o que os outros pensam dessa pessoa.
A seguir a esse solo veio “I Won't”, coreografado por Ryan Pauze. Uma abertura esteticamente específica e clara me agarrou, os dançarinos entraram em uma fila na parte de trás do palco e então caminharam para trás. Todos juntos, eles se viraram para o público e partiram para uma formação, tanto seu movimento quanto a formação continuando aquela clareza e especificidade marcantes. Eles saíram da formação para executar movimentos e parcerias intrigantes, como um dançarino rolando nas costas do outro antes de todos se moverem para outra formação.
Eu também percebi que uma dançarina parecia precisar do apoio das outras, e elas eram capazes de oferecer ao segurar um pouco de seu peso. Esta abordagem coreográfica simples de divisão de peso falou muito aqui. O final também foi poderoso, os dançarinos encarando diferentes direções e olhando intensamente em sua própria direção. Pensei nisso como um forte contraste com o dar e receber apoio e me perguntei se poderia ter sido usado com eficácia no início do trabalho também.
11 próximosºno programa estava um trio coreografado também por Pauze, “Stillness”. É memorável o chamado movimento para texto para falar sobre a solidão e outras lutas de saúde mental - e um movimento para além delas. Os dançarinos se moviam habilmente às vezes junto, às vezes em tensão com o ritmo da palavra falada. Saltos fortes contrastaram camadas profundas para oferecer a exploração de diferentes níveis no espaço. Cotovelos e mãos conduziam a gestos claros. Em uma visão mais ampla, o movimento habilmente compensou dois dançarinos em um para um enquadramento visual e energético. Para terminar, os dançarinos formaram uma linha e olharam intensamente, em silêncio, para a plateia - enquanto a partitura dizia “então me mexa”. Essa quietude era poderosa. Tal como aconteceu com a peça anterior de Pauze, me perguntei se usar mais dela no início do trabalho teria acrescentado uma intriga energética e estética. No entanto, talvez a abordagem que ele usou também tenha tornado o final tão memorável.
13 próximosºfoi 'Have Become', de Alexa Luke, um quarteto comovente, maravilhosamente trabalhado e executado. Voltados para trás e começando pela parede de trás, os dançarinos se aproximaram do público ao viajar enquanto suas pernas circulavam para trás (ronds de jambe à terre). Eles então se viraram para encarar o público em uma linha diagonal limpa. Visualmente e energeticamente, essa mudança foi satisfatória e chamou a atenção. O trabalho prendeu minha atenção e me agradou a partir daí. Variações na velocidade de movimento, incluindo a pausa, faziam com que cada velocidade diferente significasse mais para mim em contraste.
A estrutura da peça também tinha variações, incluindo diferentes seções (de qualidade de movimento, número de dançarinos em movimento, lugar no espaço), mas não se movia de seção em seção rápido demais para que eu me envolvesse - mesmo absorvido em - cada uma. Como em peças anteriores, as relações dos dançarinos entre si falavam de dar e receber apoio. Dar e receber esse apoio parecia ser uma forma de indivíduos diferentes na comunidade, todos com diferentes pontos fortes e vulnerabilidades. Luke enquadrou e apresentou tudo isso muito bem. Estou ansioso para ver para onde ela irá e o que fará a seguir.
A seguir a esse quarteto veio um dueto notável, “Time to Go”, coreografado por Angie Conte e Xenia Mansour. Jordan Anderson e Mansour dançaram. Havia uma sensação irresistível de dobrar e desdobrar no movimento. Nesse movimento temático surgiram pequenos momentos de humor na relação entre os dois personagens. No entanto, um motivo de mãos para frente e para trás, logo acima dos quadris, falava em sintonizar de volta em sua força e essência mais verdadeira. Como com o trabalho que o precedeu, parte do movimento foi bastante lento, revigorante em um programa com uma boa quantidade de movimentos impressionantemente rápidos. Ao mesmo tempo, havia acentos notáveis no movimento posterior da obra - para mim, mais marcante por causa daquele movimento lento anterior. Tons ressonantes e sons de pássaros cantando trouxeram minha mente para a natureza. Eu me acalmei com o pensamento.
O final do programa foi “Unit” de Taylor Wickham, um grande grupo de trabalho com uma estética muito intencional e específica. Os dançarinos usavam preto e um grande cílio pintado abaixo de um dos olhos, uma referência ao drama adolescente, Euforia . Um acorde de piano repetido na partitura reforçou uma atmosfera misteriosa, de alguma forma efetivamente assustadora. O movimento era intenso, comprometido e virtuoso. Os saltos voaram alto, os acentos batem forte e rápido e várias voltas giraram rapidamente. As formações deixaram tudo claro, mesmo com tantos dançarinos no grupo. O final teve uma dançarina indo contra o fluxo do grupo, todos caindo ainda de pé antes que a música fosse interrompida.
Esse desenvolvimento trouxe de volta aquele tema do individual e do coletivo. Como na maioria das peças deste programa, o trabalho demonstrou que ambos têm seu próprio tipo de força. Este tema (intencional ou não) parecia apropriado para uma noite de dança dedicada a arrecadar fundos e conscientização para Dançarinos Contra o Câncer. Esse tipo de luta pela própria vida exige força interior e de uma comunidade solidária.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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