'Vollmand' de Pina Bausch. Foto de Julieta Cervantes. No ano passado, eu estava ensaiando para um show - uma adaptação para teatro de dança de uma peça de Tennessee Williams - em um estúdio no centro de Nova York. Mais tarde naquele dia, recebi um e-mail informando que não poderia ensaiar teatro nos estúdios de dança. Eu imediatamente escrevi de volta uma resposta apaixonada explicando a natureza da dança-teatro. Sou, antes de mais nada, uma artista de dança e o trabalho que faço depende da dança. Além disso, os estúdios de teatro geralmente têm piso de concreto, espaços menores e estão lotados de cadeiras e adereços, o que os torna inseguros para os dançarinos. Tive uma miríade de respostas: raiva, medo, confusão, frustração. Este estúdio promove diferentes estilos de desempenho. Por que a forma de arte com que trabalho foi questionada? As coisas foram resolvidas facilmente, mas fiquei pensando: por que a dança-teatro é tão mal compreendida?
O que é dança-teatro?
Nicole Colbert Dance / Theatre’s ‘Lovers and Strangers’. Foto de Per Morten Abrahamsen.
O teatro de dança é uma forma de arte baseada na dança em que um mundo é criado por meio de interações físicas e psicológicas no palco. Roland Langer (1984) exemplifica os elementos como desenho em “dança, fala, canto, teatro convencional e o uso de adereços, cenário e figurinos em um amálgama. Normalmente, não há enredo em vez disso, situações específicas, medos e conflitos humanos são apresentados. ” Como resultado, muitas vezes é tanto conceitual quanto dramático e físico.
História
As origens da dança-teatro são atribuídas a Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) e Mary Wigman (1886-1973), que desenvolveram uma forma expressionista de dança conhecida em alemão como Ausdruckstanz. Eles foram inspirados pelos primeiros 20ºséculo Expressionismo alemão movimento na pintura que procurou enfatizar sentimentos internos e idéias sobre as réplicas da realidade. Depois da Primeira Guerra Mundial, os artistas viram a velha maneira de fazer as coisas como estagnada. Na dança, o balé era considerado um gênero da velha guarda que não expressava o indivíduo e suas respostas situacionais, como medo e saudade, aos acontecimentos da guerra e suas consequências.
'Nefés' de Pina Bausch. Foto de Stephanie Berger.
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A discípula de Jooss, Pina Bausch (1940-2009), é considerada a decana da dança-teatro. Royd Climenhaga (2018) sugere que Bausch, que foi uma jovem coreógrafa na década de 1960, não foi apenas influenciada por seu trabalho com Jooss e o expressionismo alemão, mas também pelas experiências de artistas de teatro que buscavam 'criar um mundo do palco, ao invés de um mundo no palco ”na época.
A obra de Bausch não tem um arco teatral tradicional. Em vez disso, é construído como uma série de vinhetas e é inspirado por um tema ou lugar. No palco, um mundo físico é evocado por meio de significantes simbólicos como água, flores, sujeira e escombros. Neste mundo, os performers falam, correm, dançam, suam, batem uns nos outros e desmaiam. As respostas individuais à experiência humana são representadas com intensidade e o vocabulário do movimento é distinto e expressivo. Seu trabalho ajudou a inaugurar uma séria consideração estética do gênero na Europa.
Teatro de dança em solo americano
Bill T.Jones / Arnie Zane Company em ‘Still / Here’. Foto de Dan Rest, cortesia dos Arquivos BAM Hamm.
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O teatro de dança não tem uma tradição histórica nos EUA e, como resultado, não é tão popular. Os primeiros pioneiros da dança moderna, como Martha Graham, Sophie Maslow e Anna Sokolow criaram danças com temas socialmente conscientes e desenvolveram um vocabulário de dança expressivo, mas na década de 1940, houve um movimento de afastamento do Expressionismo para a criação de dança abstrata, tipificada pela obra de Merce Cunningham.
Por um breve período de tempo, no entanto, de meados dos anos 1980 aos 1990, surgiu uma geração de coreógrafos que poderiam ser considerados artistas de dança teatral. Esses coreógrafos - Bill T. Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson e Patrik Widrig e Tere O'Connor, que ainda estão criando trabalhos hoje - eram dançarinos do centro de Nova York que exploravam questões políticas e sociais temas e criação de trabalhos semelhantes ao teatro de dança europeu com a sua fusão de dança e teatro, palavra falada, vinhetas teatrais e uso do corpo como locus de expressão. Eles teriam conhecido o trabalho dos primeiros pioneiros da dança moderna, bem como teriam visto, ou sabido, o trabalho experimental que saiu do Judson Theatre na década de 1960, no qual artistas amalgamaram gêneros e desafiaram as normas estéticas de performance .
'Passos do Silêncio' de Anna Sokolow. Foto de Steven Pisano.
A década de 1980, como a de 1960, também foi uma época de grandes mudanças sociais e políticas, e os artistas individuais foram altamente afetados pela recessão econômica durante a era Reagan, a epidemia de AIDS, o surgimento do neoconservadorismo e a persistência do racismo e misoginia expressa na sociedade cotidiana. Miller afirma que seu trabalho está 'enraizado na condição humana'. Esta linha artística de investigação captura as preocupações desta geração de coreógrafos e é uma reminiscência dos impulsos dos primeiros produtores de teatro de dança alemães e europeus.
No final da década de 1990, a dança mudou de faixa novamente, e a ênfase estava na coreografia abstrata e baseada no movimento. O teatro de dança tornou-se um caso isolado.
E agora?
Nos EUA, existe um interesse emergente pela dança-teatro. O crítico de dança Siobhan Burke (2017) cita Annie B. Parson, Okwui Okpokwasili e Faye Driscoll como artistas de dança teatral atuais. David Neumann e Raja Feather Kelly devem ser adicionados a essa lista. À medida que mais e mais dançarinos se interessam pela dança-teatro, ainda existe alguma dificuldade em termos de sua identidade. Não existe nem mesmo uma grafia unificada em inglês. A Biblioteca do Congresso cita Teatro de dança (Alemão) como o nome do teatro de dança europeu, mas em inglês, é dança / teatro , dança teatro e dança-teatro . Semântica à parte, os verdadeiros desafios do formulário em solo americano estão no campo das oportunidades de treinamento e desempenho.
Pina Bausch é ‘como o musgo na pedra, oh sim, sim, sim ...’. Foto de Stephanie Berger.
centro de dança inovador
O treinamento para dançarinos que desejam atuar em obras de teatro-dança é fundamental. Em um show que vi por um futuro coreógrafo (conhecido como teatro de dança), o trabalho dependia muito da narrativa, mas os dançarinos não tinham a habilidade de falar audivelmente no palco. A experiência foi muito frustrante, como ouvir música com um fone de ouvido ligado e desligado.
Além disso, curadores de pequenos teatros que apresentam dança podem criar espaço intencional para dança-teatro durante a programação. Ao fazer isso, eles forneceriam aos artistas mais oportunidades para desenvolver ideias e resolver questões criativas (como falar no palco). É possível que os curadores evitem apresentar dança teatral por causa da dificuldade em definir o gênero. Além disso, sem uma grafia unificada, os curadores podem nem saber por onde começar. Como resultado, muitas oportunidades importantes são perdidas para os artistas de teatro-dança.
O ethos da cena artística americana, historicamente, sempre foi altamente experimental. Ao mesmo tempo, a sociedade americana é movida por rótulos. Esses dois valores muitas vezes relegaram os movimentos e formas artísticas a um segundo plano. Talvez seja hora de parar de se preocupar em como rotulá-lo ou defini-lo. Que seja o que é: uma arte baseada na dança que se baseia em um amálgama de formas. Em vez disso, vamos abordar as questões que lhe darão a chance de se desenvolver e crescer em solo americano e se tornar algo próprio.
Por Nicole Colbert de Dance informa.
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