Heather Bryce (à direita) dirigindo. Foto de Art Heffron. Versatilidade .Tornou-se uma palavra da moda no mundo da dança. Diz-se que quanto mais um dançarino pode fazer, mais provável é que ele / ela trabalhe de forma consistente - e até mesmo às vezes seja contratado para um show, show ou companhia em particular (especialmente se o trabalho exigir o comando de muitos estilos de dança diferentes, ou a capacidade de escolher novos estilos rapidamente).
Heather Bryce (à direita) dirigindo os dançarinos. Foto de Art Heffron.
Esses tipos de requisitos às vezes vão além da dança se um dançarino pode cantar, dançar, tocar um instrumento, até mesmo fazer malabarismos ou driblar uma bola de basquete com truques sofisticados, ele / ela tem uma chance melhor de conseguir um trabalho de forma consistente. No entanto, os dançarinos têm apenas um limite de tempo, energia e dinheiro para manter diferentes tipos de treinamento. Distribuir recursos para muitos tipos diferentes de treinamento também pode contribuir para a habilidade em muitas áreas diferentes, mas talvez não a excelência ou o domínio em nenhuma delas.
Jen Passios, dancer e assistente administrativo / redator do Boston Dance Theatre, diz que “a pressãoO fato de ser 'versátil' pode ser mal interpretado para indicar que quem se movimenta deve estar nadando, fazendo Pilates, ginástica, artes visuais, coreografia e cavalgadas, quando, na realidade, fazer todas essas coisas apenas queima os dançarinos e os ajuda a ser bem em um monte de ideias físicas conflitantes que - fora do contexto - não os servirão de verdade ”.
Heather Bryce, diretora artística e fundadora da Bryce Dance Company, também complicou a ideia de “versatilidade” ao enfatizar que não são necessariamente os dançarinos com domínio total de um determinado estilo que realmente cativam o público, são aqueles que se emocionam e se expressam com clareza e honestidade. Tudo isso considerado, qual é o equilíbrio? E como os dançarinos obtêm o tipo certo de diversidade estilística para eles? Vamos começar com quatro recomendações principais!
# 1. Faça novas aulas, com novos professores, no mesmo estilo ou em estilos semelhantes.
Jen Passios. Foto de Celso Enrique.
O ato de aprender coreografias diferentes por si só pode expandir nossa versatilidade. “É tudo um treinamento mental”, explica Passios. “Quando treinamos tecnicamente em novas formas, nosso cérebro permite que nosso corpo reconheça o início de novos caminhos. Quando fazemos isso o suficiente e precisamos pular para o trabalho de um novo coreógrafo, podemos nos lembrar da experiência de um novo aprendizado e encontrar um lugar de foco em vez de um lugar de pânico. ”
Indiscutivelmente, essa construção de vias neurais pode acontecer de forma mais suave e graciosa dentro dos mesmos estilos ou semelhantes - por exemplo, rhythm tap e Broadway tap ou variações de balé clássico e balé contemporâneo - quando há variedade e desafio, mas também semelhanças e um terreno comum para o qual você pode construir. Certamente, o treinamento em sapateado e jazz e contemporâneo e balé traz benefícios maravilhosos, mas ir o mais longe possível em qualquer um deles exige treinamento em tudo o que o estilo particular tem a oferecer.
Uma forma importante de fazer isso é estudar com vários professores e com um professor completamente novo de vez em quando. Suas qualidades de movimento, forma de ensino e outras variáveis exclusivas podem ativar a construção de habilidades mentais necessárias para aprender novos tipos de movimento. Bryce define isso como “adaptabilidade”, em vez de “versatilidade”. “Há tantos dançarinos talentosos por aí”, diz ela. “Sempre fico impressionado com a quantidade de pessoas que comparecem para fazer o teste. Aqueles que realmente se destacam para mim são aqueles que mostram essas habilidades de adaptabilidade e de fazer o movimento ensinado seu próprio. ”
Heather Bryce.
Allie Sherlock Age
# 2. Treine com os mesmos professores, em um regime de treinamento típico, mas continue em busca de pepitas de descoberta.
Ironicamente, não ter que se adaptar pode levar ao fortalecimento de uma habilidade que pode ajudá-lo a se adaptar - a de reconhecer e, em seguida, aprofundar-se nas nuances. Quando você tem aula com o mesmo professor por um longo período de tempo, você aprenderá as qualidades sutis (ou às vezes não tão sutis) que fazem seu movimento o movimento deles . Você aprenderá como absorvê-lo em seu corpo de uma forma que funcione para ele, mas também honre a visão e a voz criativa do professor ou coreógrafo.
Bryce chama isso de “tradução” - uma habilidade, junto com adaptabilidade, que ela procura em dançarinos de audição. Se a audição em movimento não é tão familiar para você, mesmo se você não pegar cada contagem, cada braço ou cada volta em uma audição, você oferecerá algo indiscutivelmente mais profundo e significativo - aquelas pepitas especiais de coração e espírito que realmente manter o público fascinado. Você também estará mais pronto para oferecer isso no palco, quando chegar a hora!
Manter um regime de treinamento permitirá que você continue voltando para um, dois, três ou mais (o que for possível para você) professores e tornar todos os itens acima possíveis. Sua rotina, desde que não o coloque em um espaço psicológico onde você se irrita quando você tem que sair dela (como em feriados e outras férias), também pode te aterrar em quem você é como um técnico e artista. “Nós nos treinamos para vir ao estúdio, para chegar na hora certa, para encontrar nuances em nosso próprio corpo e sintonizá-las”, descreve Passios. Da rotina pode surgir uma base de confiança que nos permite encontrar corajosamente o que é novo para nós.
Jen Passios. Foto por Liza Voll.
Treinamento cruzado pode ser uma parte importante dessa rotina, além de ajudá-lo a construir e manter a flexibilidade e a força, pode lhe ensinar coisas novas e atraentes sobre seu corpo. Por exemplo, a ioga pode ajudá-lo a coordenar a respiração e o movimento, enquanto o Pilates pode ajudá-lo a obter uma conexão mais clara com os músculos centrais profundos.
# 3. Desenvolva seu “olho” de dança crítica.
Como outra forma de ganhar uma receptividade mais aguçada às nuances, reserve um tempo no ensaio para observar os sabores que outros dançarinos aplicam ao movimento - quando outros estão 'atravessando a pista' ou quando a classe é dividida para 'combos'. Talvez isso o leve a fazer ao professor uma pergunta significativa, e a resposta pode ajudá-lo a se aprofundar e se familiarizar com o movimento.
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Outra maneira de fazer isso é ter um olhar crítico para as apresentações de dança que você assiste. Talvez eles estejam em um estilo com o qual você não está tão familiarizado, o que pode ampliar sua consciência sobre as formas de dança que existem. Talvez eles estejam em um estilo que você são familiarizado com, e você está em um lugar melhor para trazer uma visão crítica construtivamente. Ambos são vantajosos!
Observe o que torna o movimento o que é diferente do trabalho de outros coreógrafos. Observe o que cada dançarino traz de forma única. Tente ir com um amigo, e você pode conversar depois sobre o que viu, o que ressoou em você e o que não foi. Desafie-se não apenas a dizer que algo foi bom ou ruim, mas a articular por que algo - para você - funcionou ou não. É tudo parte do que o ajudará a crescer como artista, principalmente sua adaptabilidade e versatilidade!
Heather Bryce com dançarinos. Foto de Arthur Fink Photography.
# 4. Abrace quem você é, com tudo o que você tem a oferecer e deixe de lado o perfeccionismo. Em vez disso, capitalize seus pontos fortes.
Como um primeiro passo prático para abraçar quem você é, “imagine quem você quer ser como dançarino”, sugere Bryce. Isso o ajudará a fazer o trabalho necessário para “desenvolver as habilidades que o levarão lá”, explica ela. Se isso significa ter aulas de uma forma que você nunca dançou, ou de um professor desafiador em que você tem mais experiência, faça tudo o que puder e deixe o resto ser o que é, por enquanto - até que você tenha o chance de tentar novamente. Faça tudo o que você puder do que você pode fazer - uma batida graciosamente controlada, tempo no ponto ou apenas se divertindo absolutamente ao máximo que você pode dançar. Deixe que essa confiança e alegria o vendam.
Bryce conta como se sentiu um pouco fora de sua zona de conforto em uma aula de dança africana na faculdade. Ela podia respirar mais facilmente com as sábias palavras de seu professor: 'encontre suas pequenas vitórias', disse a professora. Bryce acrescenta como, como professora de dança, ela vê alunos de todas as idades e habilidades erguendo paredes de medo e desânimo. Em vez disso, ela aconselha, “abra sua mente para a possibilidade de dançar uma nova forma ou estilo”, algo que talvez não esteja em sua experiência ou zona de conforto. Agora vá dançar!
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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