A Batsheva Dance Company foi apresentada pela Celebrity Series of Boston no Boch Center Shubert Theatre. Foto de Robert Torres. Boch Center Shubert Theatre, Boston, Massachusetts.
5 de abril de 2019.
A dança pode ser bastante intelectual e fascinante do ponto de vista intelectual - por meio de elementos de estrutura, tempo, conceito etc. Outro aspecto da dança, é claro, é o quanto essa forragem intelectual vai traduzir para o público e se eles vão gostar de recebê-la. Na melhor das hipóteses, as obras de arte da dança têm algum material intelectual a oferecer e podem conseguir essa tradução. No entanto, o primeiro nem sempre leva ao segundo.
Eu tinha esses assuntos em mente depois de assistir a Batsheva Dance Company Venezuela , coreografado pelo coreógrafo da casa (e ex-diretor artístico fundador) Ohad Naharin. O movimento marcante e memorável foi na frente e no centro - mas uma escolha estrutural única foi ainda mais presciente na forma como recebi o trabalho. A obra se abriu gradativamente, construindo energia. Os dançarinos formaram duas linhas, o canto gregoriano ressoou pelo teatro. Eles começaram a balançar suavemente de um lado para o outro, então deixaram o balanço se dissipar de volta à imobilidade. A estética era tão simples quanto esse movimento fácil - fantasias pretas, um fundo preto e iluminação em tons de amarelo.
Em um piscar de olhos, eles saíram do círculo para novas formações, depois em pares. O movimento de salão encheu o palco, mas a uma velocidade e intensidade física incomuns à forma. Vendo essa rápida mudança de tom, pude perceber que o trabalho ofereceria o inesperado e desafiaria os gostos convencionais. Uma formação seguinte trouxe algo único e estilisticamente separado do que tínhamos visto em uma moita, dançarinos iniciados pelos cotovelos, joelhos, pés e ombros - como uma roseira espinhosa e espinhosa ganhando vida.
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As seções subsequentes alternavam, mesclavam e se opunham às seções em uníssono com aquelas nas quais os dançarinos se moviam com seu próprio fraseado - construindo a ideia do individual versus o coletivo. Os dançarinos entravam e saíam do movimento, realmente vivendo nele antes de viver no que viria a seguir. O grupo novamente se aglomerou e alguns membros começaram a dublar o rap com uma música de Notorious B.I.G. O conteúdo da música era cru, controverso e, em certos pontos, embriagador. O contraste entre isso e os hinos corais era gritante, e um significado desenvolvido para mim - luz versus escuridão, e tentação que pode nos puxar do primeiro para o último.
A Batsheva Dance Company foi apresentada pela Celebrity Series of Boston no Boch Center Shubert Theatre. Foto de Robert Torres.
As luzes se apagaram e depois subiram novamente em uma nova seção. Levei um segundo para perceber o que estava vendo - dançarinos montavam nas costas de outros dançarinos, como se fossem cavalos ou camelos. Algo sobre a forma como tudo aconteceu era incrivelmente bonito, embora eu estivesse preocupado com a segurança física dos dançarinos sendo “montados”. Momentos inesperados me tiraram do espaço meditativo de observar a caminhada lenta dos pares, um atrás do outro dentro deles - incluindo dançarinos plantando pés para o outro dançarino rastejar para fora, joelhos ainda ligeiramente dobrados, até então vire-se rapidamente em uníssono para descansar novamente nas costas de seu parceiro.
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A seção seguinte teve todos eles contra as costas, com mais dançarinos vindo dos bastidores, dançando enquanto carregavam uma toalha em seu lado (em direção ao público). Eles largaram as toalhas em uma pilha - em cima de um dançarino deitado de lado - e se juntaram aos dançarinos nas costas. Ele se levantou, coberto de toalhas, e outra saltou sobre ele. Os dançarinos avançaram e dançaram com seus próprios movimentos, aparentemente improvisados, mas feitos com facilidade. Essa mistura de espontâneo e formado me atraiu.
Seguiu-se o movimento em uníssono, com muito mais acentos rítmicos do que em outras partes da obra. Outra seção de movimento rápido e frenético de salão de baile se encaixou. Em seguida, veio uma seção de movimento muito mais lento, com os braços se movendo a partir dos cotovelos para se mover como pássaros batendo as asas. O trabalho estava cobrindo um terreno de possibilidades com incrível velocidade e ousadia, e eu estava em transe. A imagem da roseira espinhosa voltou, partes ósseas do corpo iniciando o movimento - adicionando algo mais familiar à mistura. Tudo levou à conclusão do que conheceríamos como a primeira de duas seções, com alguns dançarinos girando no chão e todos se movendo lentamente. As luzes se apagaram.
As luzes voltaram em duas filas de dançarinos, gradualmente começando a balançar suavemente. O balanço se dissolveu na imobilidade e então, com uma explosão, eles se moveram para o espaço. Eles então formaram pares em uma dança de salão rápida. Já havíamos visto tudo isso antes. Eu me perguntei se veríamos um novo movimento intercalado com o que era familiar. Depois de cerca de dez minutos do mesmo movimento na mesma sequência, parecia claro que não faríamos - que, muito provavelmente, esta segunda seção do show seria quase uma duplicata da segunda.
Ainda o que estava diferente foi a música, a música mais moderna substituiu a música coral da primeira seção. Foi intrigante ver como músicas diferentes afetaram minha recepção do trabalho. Por exemplo, uma partitura impressionantemente bonita no estilo do Oriente Médio tocou junto com a seção de dançarinos montados nas costas dos outros, e minha mente poderia preencher certas lacunas estéticas para (mais facilmente) imaginá-lo como montando camelos. Seções com movimento rápido e frenético tinham diferentes sabores da música rock eletrônica como partituras. Parecia mais harmoniosamente adequado com este movimento, se a música coral de antes fosse atraente com este movimento em contraste. O rap pareceu um pouco mais inquietante para mim pessoalmente, com uma falta de oposição temática a algo religioso e tradicional.
Essa brincadeira com o efeito de repetir o movimento e outro conteúdo visual, enquanto muda o movimento, parecia ser pelo menos parte do que Naharin pretendia com essa escolha estrutural. Era como um experimento de ciência artística - mantenha tudo à exceção de uma variável e observe os resultados. Tive de me perguntar o quão convincentes essas diferenças resultantes eram para um espectador médio, pelo menos o suficiente para assistir o mesmo movimento e sequência de movimento novamente.
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Para mim, o movimento era bonito e intrigante o suficiente para que - pelo menos no início - eu não me importasse de vê-lo novamente. Gostei de ver nuances nele que não tinha percebido da primeira vez. Isso me lembrou de como a maioria dos materiais de movimento bem construídos tem camadas de riqueza que podem ser retiradas e experimentadas. No entanto, esse interesse, junto com minha curiosidade por como músicas diferentes encontravam o mesmo movimento, morreram na segunda metade desta segunda seção. Eu tive que me perguntar se foi mais cedo para outros membros da audiência, se eles já tiveram esse interesse (e consciência para gerá-lo) em primeiro lugar.
Eu acho que o público médio, aqueles que podem não estar muito familiarizados com a arte da dança, são mais perceptivos e intuitivos sobre a forma de arte do que os entusiastas da dança costumam acreditar. No entanto, o trabalho precisa ser capaz de envolvê-los para que cheguem lá. Talvez alguns desses tipos de espectadores absorvendo Venezuela chegou lá - é difícil saber sem examiná-los.
Deixando de lado essas considerações formais, podemos refletir sobre como pode ser importante considerar a psicologia e a disposição do público médio ao criar obras de arte da dança. Parece ser algo para se envolver com uma consideração às vezes oposta, o interesse intelectual e a paixão criativa de si mesmo como coreógrafo. Como dançarinos, coreógrafos e entusiastas da dança, vamos incentivar esse envolvimento. O maior bem-estar do ecossistema artístico é muito importante para não o fazer.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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