Hee Seo em 'Garden Blue' de Jessica Lang. Foto de Rosalie O’Connor. David H. Koch Theatre, Nova York, NY.
23 de outubro de 2019.
Mover-se, amar, comer, dormir - são ações que sempre foram fundamentais para o ser humano. Todos nós fazemos isso de maneiras diferentes, no entanto, e temos feito isso ao longo dos tempos. A dança - visceral, narrativa ou não narrativa, infinitamente adaptável esteticamente - pode espelhar essas experiências para que possamos dar um passo atrás e realmente vê-las. O American Ballet Theatre (ABT) apresentou trabalhos de três coreógrafos diferentes neste programa, todos exibindo um ponto de vista diferente sobre esses aspectos fundamentais do ser humano, de diferentes lugares na linha do tempo humana, todos em movimento. O resultado foi estética e conceitualmente significativo, tanto por ser instigante quanto agradável.
dança de adão
De James B. Whiteside Novo Romance Americano estava cheio de alegria, ludicidade e harmonia estética. Whiteside é um diretor da ABT começando a construir um portfólio coreográfico e uma voz única. A obra estreou pela primeira vez no Festival de Dança de Vail 2019 (Vail, CO). Havia algo bastante moderno em sua sensibilidade, mas também algo bastante clássico. O equilíbrio entre os dois falava de avançar no mundo, mas também nos apegar às verdades fundamentais do mundo e a nós mesmos nele (individualmente e nas relações uns com os outros).
ABT em 'New American Romance' de James B. Whiteside. Foto de Rosalie O’Connor.
A cortina subiu, e uma paleta de cores de lavanda e azul imediatamente me fez sentir mais tranquila e contemplativa. O grupo cresceu enquanto os dançarinos corriam no palco, até chegarem a uma formação com os dançarinos voltados para a frente e olhando fixamente para a frente. Eles ergueram os braços para o quinto lugar en haut - simples, claro, decidido. O grupo se dissolveu, um pas de deux ocupando o centro do palco. Uma adorável harmonia de música e movimento tocou, como uma graciosa extensão de uma perna da frente para a frente em um elevador enquanto a nota musical se desfazia.
Outras seções iam e vinham, às vezes me sentindo como se tivessem feito isso um pouco rápido, às vezes demorando em uma seção um pouco mais pode permitir que sua energia aumente e para que o público a conheça e saboreie um pouco mais. No entanto, essa mudança rápida também ajudou a construir o tema e a energia para ilustrar os jovens, inquietos e vivazes. Whiteside em forma de cânone adorável e contraste de níveis para promover essa sensação dinâmica.
Um trio memorável de bailarinas em particular ofereceu esses elementos, com uma meia volta - perna estendida 45 graus para cima e para frente - dançada pelas três em três contagens separadas, e mais tarde uma pose agradável mantida por algumas contagens com eles em baixo, meio, e níveis elevados. O gesto também trouxe uma sensação de unidade. As bailarinas de mãos dadas enquanto executavam arabescos baixos em pique e, juntas, cruzavam os pulsos de segurar os braços no quinto en haut.
Também construindo em pontos diferentes estavam os humores diferentes, de qualidades da música, movimento e teatralidade dos dançarinos. O solo de uma bailarina ofereceu um pouco mais de coragem e atrevimento do que o trabalho anteriormente oferecido. Um trio com dois danseurs e uma bailarina era mais suave e um pouco mais contemplativo. Três danseurs subiram ao palco para exibir sua bravura e poderosa confiança. Todos esses humores e pontos de vista diferentes criaram uma janela para as diferentes maneiras como as pessoas podem estar dentro de si mesmas e juntas, movendo-se no espaço. Para terminar, um grupo maior se reuniu em uma forma circular, evocando o funcionamento suave de um sistema harmonioso, mesmo com todas essas formas individuais e coletivas separadas de ser - passado, presente e no futuro. Tudo parecia esperançoso e edificante.
O trabalho de Jessica Lang, Jardim Azul , seguido. De muitas maneiras - esteticamente, energeticamente, conceitualmente - parecia uma pintura de Salvador Dali trazida à vida na dança. Parte do Mulheres ABT Mover mento, um programa para nutrir coreógrafas emergentes, o trabalho estreou em 19 de outubro de 2018. O que primeiro me chamou a atenção foram formas oblongas repousando no palco, bem como voando no alto (cenografia de Sarah Crowner). Algo sobre isso me falou dos relógios derretendo na obra icônica de Dali. O pano de fundo em verde, azul e branco me falava da natureza.
Os dançarinos usavam macacões de todas as cores diferentes, ajudando a construir uma paleta de cores multifacetada, um arco-íris dançava no palco em seções de grupos maiores com dançarinos espalhados por ele. Eles locomoveram pelo espaço, caminhando em velocidades diferentes. Eles então começaram a se mover com uma estilização mais técnica - no vocabulário do movimento clássico, mas com mudanças “ooyey-gooey” pelo torso que lembram um idioma de movimento mais contemporâneo.
Vendo esse movimento, pensei nos traços curvilíneos nas pinturas contemporâneas. Formas descentradas adquiriram uma assimetria intrigante. As extensões de braço e perna atingem os acentos musicais de maneiras atraentes. Os braços batem na metade e em todo o caminho para cima, juntamente com as notas musicais. Um dançarino gira sua parceira sentada, com os dedos dos pés levantados, enquanto uma nota mais longa é tocada.
Seja tudo em uníssono ou em grupos menores de uníssono, os dançarinos mantiveram a imagem do palco movendo-se de maneira dinâmica.
Parte dessa ação dinâmica também era como os dançarinos moviam aquelas peças paralelas de cenário de vez em quando, criando um novo design de cenário - e nisso uma nova sensação visual e energética. Outra parte da ação dinâmica aqui era como o tempo e a qualidade mudariam junto com as mudanças tonais e temporais na música.
Dentro dessas mudanças, os dançarinos começaram a assumir personalidades e se tornarem seus próprios personagens. Pequenos momentos teatrais começaram a acontecer. Um desses dançarinos usava branco, assim como outras cores, o que sinalizou para mim uma integração das qualidades desses outros personagens. Embora houvesse momentos de tensão que levaram a isso, o final trouxe harmonia e unidade dentro do grupo - a integração desse personagem se desenrolou no tempo e no espaço. Os paralelos estéticos e enérgicos e estéticos com o trabalho de Dali ligaram o trabalho a uma era moderna pós-Guerra Mundial para mim, mas alguns aspectos dela eram, sem dúvida, atemporais. Essa qualidade temporalmente específica, embora fluida, parece-me uma qualidade de grande especificidade da arte que a torna real, e a fluidez a torna mais universalmente aplicável.
Gemma Bond’s Um tempo que existiu nos trouxe de volta à Idade Média, mas se fôssemos olhar para ele através de óculos modernos. Os trajes eram em tons de terra, em estilo medieval, mas com toques contemporâneos. A iluminação tinha um tom de terra para combinar, como a luz do fim da tarde no outono. A partitura de Benjamin Britten ecoou os ritmos e tons que associamos aos tempos medievais, como a harmonia de um cravo - mas o modernismo apareceu em certas inflexões atonais e elementos mais contemporâneos semelhantes.
corações unidos contra o câncer
Cassandra Trenary e Cory Stearns em ‘A Time There Was’ de Gemma Bond. Foto de Rosalie O’Connor.
Como nas duas obras anteriores, mudanças nas qualidades energéticas e estéticas moldaram a atmosfera e o clima - com clareza e intriga. Por exemplo, uma abertura ampla e dramática se dissolvia em algo mais suave como a sensação de uma sequência de agrupamentos menores. Os personagens começaram a se desenvolver em momentos teatrais, também como na obra anterior. O gesto ajudou a criar esses momentos, enquanto o movimento mais tecnicamente “grande” e tradicional - como elevadores expansivos rolando suavemente no chão ou aterrissando em um arabesco lindamente levantado - manteve a energia dinâmica e a intriga visual.
No entanto, achei esse trabalho ressoando menos em mim do que os dois trabalhos anteriores. Talvez a especificidade no tempo realmente tenha prejudicado minha experiência com ele; estranhamente, talvez minha mente gostasse de preencher os espaços em branco em vez de dar o texto completo. Curiosamente, o final de Bond parecia oferecer tempo para tal contemplação na interpretação pessoal de alguém, os dançarinos saíram, um por um, mas o palco permaneceu aceso e a cortina caiu.
Com o que nossas mentes poderiam estar preenchendo o palco naquele ponto, coloridas por nossa perspectiva sobre o que acabara de acontecer lá? Como essas perspectivas podem se relacionar com o que imaginamos dos personagens que acabamos de conhecer, e quanto a nós mesmos - e as semelhanças entre os dois? A dança no espaço, no tempo - passado, presente e futuro - pode nos levar a essa reflexão, muitas vezes sobre as próprias coisas que nos tornam humanos. O programa da ABT nesta noite tornou esta verdade inegável.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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