Quando tirei meus sapatos de sapateado e me sentei para escrever este artigo, pensei: “Qual é a coisa mais importante que gostaria que meus leitores aprendessem com este artigo?” Bem, obviamente, gostaria que todos vocês se apaixonassem pelo sapateado. Eu sei, eu sei, esse é um objetivo bastante elevado, mas talvez se você receber uma ovação de pé com um pedaço de torneira, você vai abraçar a torneira com um respeito saudável. É um gênero verdadeiramente americano (agora dançado em todo o mundo), e é uma alegria e um desafio criar música enquanto você dança. Para citar uma frase antiga: 'É um prazer bater os pés!' É minha esperança pessoal que, em vez de reciclar a torneira do passado, possamos manter o que é valioso de eras passadas e nos esforçar para levar a torneira adiante de uma forma eficaz, enérgica e divertida.
Uma de suas primeiras considerações é avaliar o propósito e a demografia da performance para a qual a peça será executada. É um concerto, um recital, um ambiente comercial (como um showroom ou um parque temático) ou uma competição? E que tipo de público você teria: 60 pessoas, ou 600, ou 2.000? E qual é a extensão de idade? Além disso, a peça é um solo, um pequeno grupo ou uma produção maior? Todas essas considerações irão guiá-lo na tomada de uma de suas decisões mais importantes - sua escolha de música.
Coppola Rhythm Ensemble. Foto de Sergio Minero.
Ao escolher a música, você deve escolher uma música com a qual seu público possa se relacionar, que eles possam anexar e desfrutar do groove com os dançarinos. Isso não significa previsível, é bom ter algumas surpresas ou destaques na peça, tanto audível quanto visualmente. Sua consideração mais simples ao escolher música é: O público pode ouvir os toques? E isso significa estar no fundo do teatro. Música muito orquestrada vai sufocar as torneiras. Além disso, verifique a acústica do teatro. Ao preparar seus dançarinos, vou assumir que o nível da técnica do sapateado é adequado para apoiar a coreografia. Os jovens bailarinos devem estar em uma aula que inclua uma boa dose de técnica. Uma aula que funciona apenas em uma rotina curta muda os dançarinos que eles terão menos substância para colocar na dança.
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Como juiz, costumo ver peças de sapateado que incluem vários dançarinos que não executam todos os sons. Certifique-se de que cada dançarino pode fazer os passos sozinho e à capella . Então, quando você remontar a dança, ela ficará mais forte.
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Depois de escolher sua música, ouça-a repetidamente antes de coreografar para que possa usar as frases e acentos em sua coreografia, em vez de apenas coreografar 8's. Se você está criando uma peça a cappella, precisa treinar os dançarinos para manter o tempo. Geralmente, há uma tendência para a pressa, o que é muito perturbador para o público. A musicalidade é o objetivo do coreógrafo e do bailarino. (Desafie-se com música em outros medidores, como 6/8, 3/4, 5/4, 9/8, etc.)
Então, agora que você está casado com a música, é aconselhável criar um tema - uma série de etapas ou uma frase que é reconhecível quando é reprisada. É a assinatura da peça e deve cativar o público de forma audível e visual e mostrar o caráter da peça. A musicalidade de Tap pode ser aplicada a muitos estilos, do tradicional hoofing ao latino, ao rap, ao blues, clássico, ao rock e show tunes.
Alguns detalhes:
- Uníssono: nunca subestime o valor do uníssono. Um bom passo estabelecido em uma sincronização perfeita é muito satisfatório para as pessoas. É uma técnica valiosa para espalhar vários ritmos e retornar ao uníssono para um soco dinâmico. Uma dança inteira feita em uníssono pode ser entediante.
- Canon: Canon, ou apresentar ritmos em uma rodada, pode ser muito eficaz. Funciona para duplas, grupos e linhas. Peça a vários dançarinos que iniciem uma frase coreográfica e, a seguir, peça aos outros dançarinos que comecem a mesma frase mais tarde. Quanto mais tarde? Oito contagens é bastante seguro, mas quatro contagens é muito eficaz (assumindo que a música está em linha reta, ou 4/4, tempo). Se você separar por apenas duas contagens, pode soar como um erro para o público, como um uníssono malfeito.
- Contraponto: refere-se a dois ritmos que soam ao mesmo tempo. A Canon produzirá contraponto automaticamente, mas você pode querer criar dois idiomas tap diferentes que se complementam. Tenha cuidado - se as etapas estiverem muito ocupadas, ele soará desordenado. Deixe espaços. Sons individuais são valiosos.
Tap é coloquial. Assim como a linguagem verbal, ela precisa de inflexão, causas, pontuação e ênfase. Não deixe que isso se torne uma sentença contínua.
- Trocas: Portanto, se o toque for coloquial, ele se presta a idas e vindas, como em perguntas e respostas. Uma troca literal seria onde um dançarino (ou grupo) estabelece um ritmo e o segundo grupo repete o ritmo literalmente, geralmente trocando oito ou quatro contagens. Uma abordagem mais coloquial é variar o segundo ritmo (a resposta). Freqüentemente, o segundo ritmo tenta superar o primeiro.
- Sons suplementares: é uma boa mudança de ritmo adicionar outros sons, como palmas, estalos, gritos e sons feitos com adereços ou superfícies diferentes. (O uso eficaz de peças predefinidas e adereços pode preencher um artigo inteiro por si só.)
- Dinâmica: não posso deixar de notar a falta de dinâmica (graus de volume). É preciso mais do que apenas “dar passos rápidos”. Um tap a cappella é uma grande oportunidade de usar uma coreografia muito suave e silenciosa que forçará o público a ouvir com atenção. Então você pode se recuperar com algo agressivo. Contraste é musicalidade muito valiosa.
Coppola Rhythm Ensemble. Foto de Sergio Minero.
Também é eficaz contrastar a diferença entre ritmos diretos (na batida) e sincopados (fora da batida). Como os sons de toque são principalmente em staccato, você pode obter sons sustentados com uma infinidade de slides e toques nervosos usados como um rufar de tambores.
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- O imperativo visual: se você tem pés muito rápidos (você pode começar a atirar no chão com os pés), não é o suficiente! Sons de fogo rápido podem ser impressionantes, mas sem algo visual acontecendo, o público ficará entediado mais cedo ou mais tarde (sem mencionar que o público pode não captar as novas gramas em um borrão de som). Vivemos em uma época em que, devido à tecnologia, cortes rápidos e edição e mídia social, a capacidade de atenção das pessoas e nossa concentração e foco seguirão o que se move. Mas antes de mergulhar na encenação, é aconselhável observar a energia visual de cada dançarino. Um dançarino de alta energia deve obter energia da parte superior do corpo “vendendo o passo” - colocando ênfase no corpo, os braços, a menos que sejam específicos, geralmente seguirão o torque no torso. Tenho muita sorte que no meu conjunto de sapateado aqui em Las Vegas, meus dançarinos profissionais são de alta energia e raramente tenho que coreografar port de bras (movimentos de braço). Isso leva à sensação de uma “geléia”. É uma vantagem se os dançarinos são versados em outros gêneros, e muitas vezes se reflete em sua carruagem e port de bras. O movimento da parte superior do corpo da cabeça, braços e tronco pode ajudá-lo a enfatizar e captar os acentos da música. Além disso, o uso de níveis não significa apenas os níveis das bolas paradas. O dançarino individual pode usar o chão e o ar para criar níveis.
Uma das coisas que eu vi no julgamento que realmente me faz estremecer é bater com as mãos atrás das costas. Embora você possa pensar que isso permite que os dançarinos se concentrem nos pés e lhes dê uniformidade, isso subtrai toda a energia da parte superior do corpo e pode se tornar um mau hábito. Será mais difícil quebrar esse hábito quando você precisar de um vinho do Porto. Quando vejo as mãos postas atrás das costas, me parece que os dançarinos foram feitos prisioneiros durante o sapateado. Na verdade, um de meus colegas se refere a isso como “punção de prisioneiro”.
- Gênero misto: tocamos nos desenhos de outros gêneros. Desejo que meus alunos não pensem apenas em si mesmos como seringueiros, mas como torneiros dançarinos . Quanto mais versátil e completo você for, mais opções terá para criar torneiras dinâmicas e eficazes. Combinar formas de dança oferece muitas opções e captura o interesse do público. Tive sucesso há vários anos combinando um elenco de bailarinos e sapateadores complementando-se e integrando motivos. Estamos no tempo das formas de dança híbrida, então dê uma chance. Mexa uma panela de “sopa de dança”.
- Encenação: se você criou as etapas, linhas do corpo e porta de sutiãs correspondentes que complementam sua música, agora é hora de encená-la: mover os corpos para criar padrões, ângulos e aumentar a energia da peça. Nas décadas anteriores, os dançarinos permaneceram em uma formação particular por mais tempo do que no tempo presente. Discutimos o menor tempo de atenção do público, por isso é moderno e eficaz mudar de posição com mais frequência. Como, quando e por que é a arte da encenação existem tantas opções. Você pode mover os dançarinos para baixo, para cima, lateralmente, diagonalmente e para cima e para baixo para níveis. Ao mover os dançarinos, quero dizer dançá-los de acordo com o padrão - não caminhe ou faça-os marchar até lá. Seu dança , não treinar equipe ou corpo militar. Obviamente, a diagonal permite uma passagem mais longa (e fornece ângulos mais interessantes no corpo). A oposição, dançarinos movendo-se em direções opostas, cria uma escolha simples e eficaz. Encenar os dançarinos em pares se presta a ferramentas como ter os dois 'do-si-do' em torno um do outro, voltando à posição original. Ao escolher passos que viajam, você precisará colocar os dançarinos na planta do pé para que possam 'voar' como velocistas.
Neste ponto, vale a pena mencionar que, se houver adereços em sua dança, certifique-se de que os dançarinos possam lidar com eles graciosamente, sem que nada pareça desajeitado ou incômodo. Se os adereços estiverem fixos, pode funcionar para criar caminhos dentro e fora, ao redor, por cima e por baixo e no topo dos adereços. Isso também pode fornecer uma variedade na afinação dos sons que as etapas estabelecem.
- Performance: espero em um artigo futuro discutir o valor da arte teatral. Todos os elementos para a criação de tapas eficazes e divertidos devem ser executados ao máximo, com conexão com o público, caracterização forte e adequada com performers que se relacionam e comandam o palco ... e embrulhados em um intangível mágico chamado estilo !
Por Tony Coppola de Dance informa.
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O mestre do sapateado Tony Coppola também é um ex-ginasta americano e percussionista. Ele ensinou em convenções e julgou competições por várias décadas. Tony dirige e coreografa o Coppola Rhythm Ensemble, com sede em Las Vegas.
Foto (topo): Coppola Rhythm Ensemble. Foto de Sergio Minero.
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