Paulo Arrais e Irlan Silva em 'Obsidian Tear' de Wayne McGregor. Foto de Rosalie O'Connor, cortesia do Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
3 de novembro de 2017.
A tensão entre a vontade do indivíduo e a do grupo é tão antiga quanto o tempo. Na dança clássica, existe oCorpo de bailee solistas. Tradicionalmente falando,corpoos membros devem, juntos, compor um todo unido, enquanto os solistas têm a tarefa de incorporar personagens, arquétipos ou ideias completas e memoráveis. Algumas obras de arte da dança podem utilizar essa estrutura para representar grupos unidos e aqueles que divergem deles, aqueles “rebeldes” que ousam colorir fora das linhas. Parece que foi possível até mesmo no balé elaborado em uma veia mais contemporânea.
Boston Ballet em ‘Obsidian Tear’ de Wayne McGregor. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.
O Boston Ballet demonstrou essa abordagem, com grande sucesso, em Obsidian Tear - incluindo a obra-título de Wayne McGregor e a estreia mundial de Quinta Sinfonia de Jean Sibelius do coreógrafo residente Jorma Elo. O foco geral, entregue com especificidade, mas com nuances multifacetadas abertas à interpretação, parece bastante apropriado em 2017, várias forças sociopolíticas nos levam a considerar como equilibramos servir a vida do indivíduo e o prosperar do coletivo mais amplo.
O Dicionário Oxford define “obsidiana” como “uma rocha vulcânica dura, escura, semelhante a um vidro, formada pela rápida solidificação da lava sem cristalização” - uma palavra curiosa para o título de um balé. Isso combinou com a abertura anterior grandiosa e dramática ('Finlandia' de Jean Sibelius, liderada pelo Maestro Convidado Daniel Stewart), e nós, membros do público, não sabíamos o que esperar. Mesmo assim, sabíamos que daríamos uma volta. Os primeiros dançarinos eram de preto, com um de vermelho - uma cor que se destacava como vibrante e única. Outros dançarinos se juntaram, mas todos de preto e nenhum com esse vermelho atraente (fantasias montadas pela coordenadora de moda Katie Shillingford). O único vermelho tinha que significar alguma coisa. Algo grande estava por vir.
O movimento de McGregor nesta peça foi como xarope de bordo - escorrendo de uma forma sustentada, mas com uma doçura de alguma forma afiada e marcante. Uma malha do contemporâneo clássico e mais articulado talvez construa essa qualidade. A música se entrelaçou nesse movimento, com uma qualidade continuamente sinuosa. Por outro lado, conforme os dançarinos se moviam, diferentes agrupamentos pareciam incorporar diferentes partes harmônicas na música - alto e baixo, agudo e maisadágio.
O movimento também foi bastante orientado para a forma - às vezes aqueles mais complexos e confusos aos olhos, outras vezes mais geométricos e definitivos. Tornou-se um dar e receber, um equilíbrio entre o definido e o indefinível. Uma forma verdadeiramente memorável, visualmente impressionante, mas também aparentemente falando sobre a conexão entre os dançarinos, eram os braços formando um laço (dançarinos segurando os pulsos) e o laço levantado para cima do palco. Eles lançaram isso para re-loop em uma variação diferente.
Boston Ballet em ‘Obsidian Tear’ de Wayne McGregor. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.
Mais tarde, os mesmos dois saíram do palco juntos - duas partes de um todo, ao que parecia. No entanto, a dançarina de vermelho nunca se envolveu nesse tipo de conexão. Além disso, mais dançarinos se juntaram e vieram conduzi-lo a uma saliência - uma rocha negra, afiada, grossa e forte. Obsidiana . A tensão da batalha estava aumentando. Um dançarino estendeu o braço como se estivesse gesticulando 'adiante, homens!' O movimento então ficou mais rápido, mais geométrico e mais angular - dirigido pelo cotovelo, com gestos em diferentes planos e direções. Tudo parecia bastante mecânico. A dançarina de vermelho foi finalmente conduzida até a borda da saliência. A tensão atingiu o auge quando ele teve que ficar lá enquanto uma dança poderosa e comandante (em um dueto e solo) acontecia abaixo dele. Parecia não haver escapatória.
De uma forma estranhamente sinistra, uma dançarina caminhou lentamente pelo palco. É uma reminiscência da lenta marcha em direção à mortalidade. O fim parecia tão próximo para este forasteiro em vermelho que era tangível o suficiente para ser refletido na forma física. A dançarina na saliência tentou escapar, mas foi empurrada para um abismo desconhecido. Em seguida, outro dançarino lutou pela vida - uma representação daquele que caiu ou uma conexão empática entre eles como pessoas vivas e sentimentais?
matilda szydagis
Acima deste dançarino começou um dueto de movimento pesado e fundamentado, de divisão de peso tenso, mas executado com suavidade. Esta seção, bem como muitas outras coisas sobre a peça (como algumas em um elenco exclusivamente masculino usando trajes femininos), rompeu com firmeza as fronteiras de gênero. A parceria exclusivamente masculina incluiu formas e movimentos historicamente dançados por mulheres. Tudo parecia não chamar a atenção para si, pois não parecia ser o foco principal do trabalho. Sexo simplesmente não parecia ter importância.
O que parecia ser mais o ponto em questão era o tratamento dado a esse dançarino de vermelho - condenado ao ostracismo, vilipendiado e finalmente levado à morte. Também foi significativo como o líder principal desse tratamento pulou da borda no final - luzes e música cortando repentinamente e a cortina caindo rapidamente, para aumentar o choque de observar aquela ação completamente inesperada. Uma lição - às vezes somos empurrados e às vezes pulamos. Somos feitos para nós e fazemos sobre nós mesmos. Outra é que aqueles que intimidam e condenam os vulneráveis também acabam se machucando. Seja qual for o caso, ou mesmo sem nenhuma mensagem moral particular para derivar, era uma arte única e impressionante de se experimentar.
Boston Ballet na ‘Quinta Sinfonia de Jean Sibelius’ de Jorma Elo. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.
Jorma Elo's Quinta Sinfonia de Jean Sibeluis era visivelmente mais tradicional, mas tinha seu próprio tipo de tendência contemporânea. Realmente começou com um estrondo, correndo o risco de ser clichê - mas que não era de forma alguma clichê. Desde o início, as formações se fundiram de maneiras inovadoras e surpreendentes. Era um tipo diferente de movimento contínuo do que foi visto na peça de McGregor, em vez de agrupamentos individuais movendo-se continuamente em frases específicas, a imagem geral do palco estava constantemente se transformando, mudando e evoluindo. Com frases inteligentes, vários pares de dançarinos e dançarinas, em verde e marrom (figurino de Yumiko Takeshima) movido dentro dessas formações. Este fraseado foi pontuado por alguns motivos de movimento e formas particulares, incluindo braços em “V”, pernas em “tesoura” com dançarinos levantados (para quase criar a sensação de voar).
Tudo parecia em grande parte clássico, mas as extensões e moldar em parceria pareciam irresistivelmente contemporâneos. Porém, algo significativo parecia bastante divergente das peças clássicas de balé sem enredo. Uma dançarina de azul (Ashley Ellis), que não tinha um parceiro, dançou seu próprio movimento único. A certa altura, por exemplo, Ellis sentou-se, girou e pedalou como se estivesse andando de bicicleta. Sua solidão a impedia de voar, mantendo-a no chão, enquanto aqueles com o apoio de outros podiam voar?
A unidade do grupo como um todo não estava tão estabelecida no início, dançarinos em linhas claras moviam membros em todas as direções - um caos organizado. Tudo isso se transformou em um uníssono mais claro - cânone, agrupamentos e assim por diante. O personagem de Ellis não parecia disposto ou capaz de se autodefinir dentro dessa identidade unida, no entanto. Em uma bela seção, por exemplo, os dançarinos saltaram em linhas que se cruzam suavemente. A dançarina de azul seguiu seu próprio caminho, no entanto.
Derek Dunn e Hannah Bettes na ‘Quinta Sinfonia de Jean Sibelius’ de Jorma Elo. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.
No final das contas, o grupo chegou a um quadro maravilhoso - mas a dançarina de azul sentou-se, balançando as pernas. Ela nunca veio para realmente se juntar ao grupo. No entanto, um sorriso estava aberto em seu rosto. Ela parecia estar em solidão, mas não solidão. Nesse sentido, o trabalho em conjunto com McGregor's demonstrou uma diversidade de experiências.
nick fink idade
Há ostracismo e ataque de quem está de fora, na maioria das vezes originado do medo - muitas vezes da mudança, de perder o que se teve. Também há quando o grupo e o estranho estão contentes em suas próprias identidades e experiência presente. Nosso mundo (talvez mais agora do que em muito tempo) está enfrentando atualmente essas questões de como equilibrar as necessidades do indivíduo e do grupo, do bem-estar da matilha e dos estranhos - talvez agora mais do que há muito tempo .
A arte, no seu melhor, é um espelho com vários painéis para refletir a realidade como ela é - ou como poderia ser. A dança, com acesso ao poder de infinitas possibilidades de corpos no espaço - junto com as mentes e espíritos desses corpos - talvez tenha uma habilidade única ainda entre as formas de arte. Dentro Obsidian Tear, O Boston Ballet aproveitou esse poder com precisão e graça.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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