The Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29 de outubro de 2016.
Com a maturidade e sofisticação vem o conhecimento de que menos pode ser mais. O eufemismo pode dizer mais do que o exagero. Em relação à arte, sugerir, em vez de contar, permite que o público pondere suas próprias interpretações de uma obra. Estamos em uma época em que as mídias sociais e a dança da televisão têm artistas que encantam o público em geral com feitos atléticos, além de puxar o coração com histórias dramáticas. Programa do Jose Mateo Ballet Theatre, com sede em Massachusetts Forças Impulsoras , por outro lado, exibia controle sobre o flash e mistério sobre a angústia óbvia.
A primeira peça, Mozart Provocado , começou com uma técnica muito clássica, qualidades de encenação e desempenho. Certas seções poderiam ter sido transplantadas de uma aula de balé durante o trabalho do centro. Um design de cenário muito geométrico - intrigante, mas limpo e simples - sinalizou mudanças para longe do classicismo. Esses vieram com toques jazzísticos na coreografia e formações de grupo inesperadas. Nos trios e quartetos iniciais, as dançarinas eram tecnicamente perfeitas. Suas extensões não eram muito altas, mas eram controladas e limpas. As partes do uníssono poderiam ter sido mais uníssonas, no entanto.
Com seções totalmente masculinas, aquele uníssono estava lá, mas os dançarinos sacrificaram o poder e a assinatura pessoal em seus movimentos para conseguir isso? Mesmo com qualquer uma das deficiências mínimas, a dança era linda de se assistir. Parecia apoiar um subtexto de conexões e apegos emocionais nas entrelinhas. Um par de homens e mulheres explorou os potenciais do romance, e uma dançarina saiu da matilha para se exibir.
Elementos inesperados do movimento de pedestres (vistos com mais frequência na dança contemporânea), como andar de calcanhar na ponta do pé, significam romper com as convenções. Isso foi uma olhada no diálogo mental dos dançarinos durante a aula de técnica? Ficar aquém do óbvio e manter as coisas subestimadas permitiu tais interpretações.
Os dançarinos exibiram mais personalidade e caráter na segunda peça, 1796 (2015) . (A música foi adaptada em 2015 de uma composição de Mozart de 1796). Embora um pouco mais clara, a história subjacente ainda não foi ditada. Formações intrigantes, como duas dançarinas juntas no palco e um dançarino do lado direito e esquerdo do palco, criaram tensão espacial. Ele falou sobre as mudanças nas relações entre eles. Dançando com controle e graça, eles não tiveram que fazer um número impensável de voltas para transmitir essas coisas. Na verdade, esse flash poderia ter sido apenas uma distração.
O figurino também tinha aquela qualidade efetivamente discreta. As dançarinas estavam em vários tons de rosa / roxo (magenta a framboesa), por exemplo. Isso os solidificou como indivíduos parte de um coletivo. Suas assinaturas de movimento únicas apoiaram o primeiro - um com um porte torácico muito orgulhoso e outro com uma energia única no trabalho de pés, por exemplo.
As diferentes cores também ajudaram a distingui-los como personagens específicos - útil para quando um triângulo amoroso crescia. O pas de deux subsequente estabeleceu que, após a infidelidade (ou pelo menos algum grau de exploração de sua possibilidade), a mulher no relacionamento descobriu. E não ficou satisfeito. No final, porém, foi o homem quem saiu. Essa era uma maneira nova e intrigante de contar uma história antiga, até mesmo banal.
A terceira e última peça, De novo e de novo , mudou-se para uma composição de Philip Glass. A música parecia definir o tom para um movimento bastante contemporâneo, mas muito dele era clássico. Isso funcionou, no entanto, com uma mistura inteligente de vocabulário de movimento clássico, jazzístico e contemporâneo. Uma palma flexionada para cima através do outro braço (que estava dobrado no cotovelo, e aquela mão no coração), por exemplo, tornou-se um movimento característico.
Os dançarinos executaram o mesmo movimento em vários momentos e de suas próprias maneiras. Isso apoiou uma ideia geral de que os dançarinos estavam em um coletivo coeso, mas cada um era um indivíduo autônomo. A peça parecia se alimentar de uma tensão entre essas duas formas de ser. Em particular, uma demonstração e um olhar proposital e bem executado ajudaram a manter a tensão palpável. A encenação inteligente apoiou esses elementos. Um momento marcante, por exemplo, foi com dois dançarinos caminhando para trás em diagonal um para o outro e, em seguida, olhando lentamente e virando-se um para o outro. Falava de romances, muito mais do que qualquer salto alto poderia falar.
A peça terminou como começou, com uma única dançarina no palco. Ela executou aquele movimento característico para o céu, como se implorasse aos céus. Essa ação, combinada com as ofertas da peça em geral, implicava que estamos de fato em uma comunidade maravilhosa com outros homens - embora sozinhos em nossa consciência única. É uma força interna às vezes em conflito com as forças externas ao nosso redor.
Com eufemismo, sabedoria e criatividade, o Jose Mateo Ballet Theatre retratou os dois tipos de forças como impulsionadoras. Sentimo-nos impelidos e compelidos quando somos obrigados a descobrir algumas das respostas por nós mesmos - na arte e na vida. Nós então crescemos e fazemos crescer as comunidades nas quais queremos viver.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
Foto (topo): ‘Forças Impulsoras’ de Jose Mateo. Foto de Gary Sloan.
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