Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Jeremy Coachman. Cutler Majestic Theatre, Boston, Massachusetts.
2 de fevereiro de 2018.
O corpo em movimento pode ser uma coisa incrivelmente bela. Adicione aos anos de dançarinos profissionais de treinamento dedicado e habilidades naturais, e infinitas são as possibilidades para criar movimentos comoventes e de alto calibre estético. Enquadrado com os elementos complementares de música, figurino e iluminação, este movimento pode reforçar um tema - aquele que pode falar de forma única para um problema particular em nosso mundo, ou na condição humana universal. Às vezes, ele pode criar e então oferecer uma beleza catártica valiosa por si só.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Jeremy Coachman.
Incontáveis coreógrafos podem criar e modelar movimentos esteticamente agradáveis com habilidade. O desafio para muitos pode vir em estruturar essa formação que torna a arte atraente e significativa. A estrutura é saliente. Tudo isso ficou bem claro na recente turnê de repertório do Les Ballets Jazz de Montréal, com três peças separadas apresentadas em Boston. A primeira peça começou com uma estrutura de bastante sucesso, passando por diferentes agrupamentos de bailarinos e qualidades de movimento.
Música atonal, mas com uma camada harmônica subjacente, acompanhou o início da primeira peça, a estreia mundial de Itzik Galili Casulties of Memory . Dançarinos retroiluminados (design de iluminação também por Galili) moviam-se com fraseado contínuo e curvilíneo. Certos movimentos mais nítidos, como pulsos ascendentes de braços em “forma de cacto”, eram sotaques intrigantes. No trabalho de parceiros e trios, com levantamento de peso de cair o queixo e divisão de peso, não havia luta ou competição de força.
Sejam homens ou mulheres, os dançarinos se moviam juntos harmoniosamente. Um motivo era dois dançarinos se equilibrando mutuamente inclinando-se em direções opostas, as pernas às vezes se apoiando e às vezes se estendendo. As notas do programa aludiam a um mundo de igualdade de gênero atemporal e harmoniosa. Curiosamente, com todos usando os mesmos trajes (trajes também desenhados por Galili) e nenhum movimento abertamente feminino ou masculino, havia uma sensação irresistível de androginia.
O gênero não parecia aparente ou importante. De certa forma, essa atmosfera satisfazia a intenção de construir um mundo de igualdade de gênero perpétua. A humanidade comum superou em muito o gênero. Foi tudo incrivelmente artístico e atencioso, até que pareceu muito longo. Para elogiar onde é devido, o movimento foi fascinante. Os dançarinos eram versáteis, fortes, mas elegantes, e 150% comprometidos.
Jon Ole Olstad
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Marc Montplaisir.
De uma perspectiva de alto padrão, com base no sucesso desse movimento e na forma como Galili o moldou em agrupamentos e formações no espaço do palco, este último terço da peça precisava ser reduzido. Pareceu supérfluo e repetitivo. Os escritores podem ter problemas para “anular” o conteúdo que eles colocaram pensamento e energia na criação, assim como os coreógrafos.
Consultar dançarinos e outros coreógrafos, com uma atitude distanciada, pode ajudar artistas de todos os tipos a liberar o que não é necessário para o sucesso de seu trabalho. No entanto, a obra tem muito a oferecer e muito potencial a oferecer ainda mais. Curiosamente, o segundo trabalho, Dance me (com contribuições de vários diretores e coreógrafos) teve o problema oposto - fechar o ciclo da mensagem e efeito (aparentemente) pretendidos.
É verdade que a peça para essa performance de repertório incluía apenas trechos da obra completa, talvez explicando qualquer sensação de estrutura incompleta.
A diversidade criativa fortaleceu-o, com muitas qualidades de movimento e estilos (do latim ao vocabulário do balé clássico), bem como um adorável canto ao vivo e uma poderosa palavra falada. Iluminação e figurino (projeto de iluminação de Cédric Delorme-Bouchard e figurino de Philippe Dubuc) eram simples, mas eficazes e profundos. Céline Cassone, uma solista impetuosa, tanto em seu cabelo ruivo quanto em sua energia, ofereceu uma execução precisa, mas suave, de muitos tipos diferentes de movimento.
A construção temática tomou muitas voltas diferentes, ou interpretações gerais potenciais, como desde a criação do personagem da narração até a sensação de um concerto (com um grupo de dançarinos cantando completamente para um solista com aplausos gravados, aparentemente na música). Diferentes vinhetas eram artísticas por si mesmas, preenchidas com as diversas mídias artísticas e vocabulário de movimento. Uma questão estrutural surgiu na falta de vinculação dessas vinhetas, para construir algum tipo de arco narrativo claro. Novamente, talvez seja um desafio oferecer trechos de um trabalho mais longo.
Considerando isso, o final final parecia carente de substância e profundidade. Luzes se acenderam em um dançarino levantando seu parceiro alto, em um flash rápido. Talvez esse efeito pudesse implicar na efemoralidade do amor apaixonadamente romântico, mas - tudo o mais na obra como era - essa não foi uma conclusão clara de que foi construída. Na verdade, uma vinheta retratava a metade de um casal mais velho lidando com o falecimento de seu amor de longa data.
Céline Cassone do Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Ken Browar e Deborah Ory.
Com tudo isso dito, o movimento ofereceu muito que olhos, coração e alma poderiam se maravilhar. Os dançarinos eram tanto artesãos técnicos quanto pesos-pesados teatrais, preenchendo cada movimento com emoção autêntica (sem “exagerar” ou “presunto”). O footwork da dança latina era nítido, mas sem um toque duro. Em vez disso, tudo agradavelmente derreteu em etapas subsequentes. O piso liso contrastava com a qualidade elevada desse vocabulário de movimento mais elevado.
Seções de dançarinos improvisando em grupo, aparentemente por meio de um roteiro que pudesse mantê-lo coeso e não caótico, foi uma mudança revigorante em relação à alta prevalência de uníssono na primeira peça. Muitos dos elevadores eram do tipo em que o público ficava boquiaberto e, em seguida, aplaudia - aqueles aparentemente desafiadores da gravidade e dos limites da força humana. Uma dançarina se equilibrava em nada mais largo ou mais estável do que a lateral do pescoço do parceiro, por exemplo. Tudo isso sendo de alto calibre, desejava-se que a estrutura e a coerência do tema fossem igualmente fortes.
Galili também coreografou e desenhou a terceira e última peça da noite, O Balcao de Amor , inspirado pela música e energia criativa que encontrou durante sua estada em Cuba. Tudo começou com humor, com um machão (ou um homem tentando ser um) tentando estar em um holofote - e o holofote vagando para outro lugar, como se tivesse vontade própria. O público riu alegremente. Um amigo juntou-se a ele e eles começaram a dançar - acompanhados em movimento por mais outros dançarinos.
Eventualmente, o grande elenco, cada dançarino em uma fantasia única e aparentemente um personagem único, estavam se movendo juntos por todo o palco. Movimentos grandes, arrojados e divertidos de inspiração latina encheram o palco e ricochetearam nos fundos da casa. A energia e a pura alegria estavam em toda parte. Toques baléticos - como braços na quinta posiçãopra cima, bem como footwork jazzístico e extensões, temperou o movimento de estilo latino.
A música rápida e agitada - evidentemente inspirada no jazz cubano dos velhos tempos - fundamentou, mas talvez também impulsionou o movimento. Saltos ousados - como um dançarino saltando nas costas de outros dançarinos em linha reta, para ser pego em extensão por outro dançarino - eram feitos de fisicalidade e física de cair o queixo. Mesmo com esses truques, tudo se combinou para parecer incrivelmente autêntico, um momento em Cuba, capturado na dança.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Svetla Atanasova.
A nação fascinou muita gente pela mesma razão, como parece ter ficado presa no tempo (devido a forças sociopolíticas que a levaram a ficar isolada das tecnologias modernas e do consumismo geral). O trabalho parecia honrar tudo isso - embora não fosse político, não tentasse explicar nada, mas apenas oferecesse autenticidade e diversão. Como parte desse sentimento, A sensualidade latina impregnou o movimento e apoiou a mídia artística. Mais prevalentes, no entanto, foram o humor e a alegria.
' Quem sas? ' , os dançarinos gritaram. Foi uma festa com certeza. A festa começou a diminuir, dançarinos saindo e um dançarino irritado por todos o terem deixado sem indicar seus planos. Uma dançarina voltou e as duas ofereceram um dueto - sensual, engraçado e comovente, tudo ao mesmo tempo. O elenco juntou-se a eles para finalizar uma última seção.
Por causa do contexto, e sem necessariamente o esforço para estabelecer um tema, essa estrutura fazia sentido. Foi satisfatório como uma boa e velha época em um lugar específico da Terra. Isso, combinado com as duas peças anteriores, demonstrou a relevância da estrutura. Movimento bonito e poderoso é uma coisa. Como alguém estrutura tudo junto com sucesso é outra. A melhor arte da dança tem os dois.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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