Devon Colton, Melenie Diarbekirian e Katie McGrail. Foto de Nicole Tomaselli. Centro de Artes Multicultural, Cambridge, Massachusetts.
21 de setembro de 2018.
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Algumas das melhores artes deixam espaço aberto para interpretação - não o suficiente para não ter direção, mas o suficiente para oferecer ao público alguns caminhos pelos quais eles podem viajar. Apresenta perguntas sem prescrever uma resposta absolutamente “correta”. Luminarium Dance Hiveland , coreografado por Diretores Artísticos Merli V. Guerra e Kimberleigh A. Holman, exemplifica essa arte. Embora certos aspectos nos níveis de fraseado estrutural e de movimento pudessem ser resolvidos, o trabalho como um todo foi cuidadosamente construído, instigante e esteticamente atraente. Eu pude ver a missão da empresa sediada em Boston em ação “Luminarium é mais do que uma companhia de dança. … É um think tank, um museu, uma galeria de dança contemporânea e de ideias contemporâneas, ”( luminariumdance.org ), o trabalho mergulhou em grandes ideias e explorou um território empolgante.
Jess Chang e Katie McGrail. Foto de Nicole Tomaselli.
Mystery pairou pesado no ar desde as primeiras luzes brilhando, as primeiras notas ecoando e os primeiros movimentos. Um grupo de dançarinos, vestidos de preto, estava fora do palco. Eles circundaram seus torsos com os braços erguidos acima da cabeça. Outras vezes, eles avançavam em várias direções, como se estivessem procurando. O adorável trabalho gestual tornou-se expansivo através do movimento em vários planos no espaço, por exemplo, um braço estendido para o alto enquanto o outro estendeu-se para a frente na altura dos ombros - uma quarta posiçãoPort de Bras. Um tema de queda e recuperação, de perder o controle e depois recuperá-lo, também se tornou evidente.
Uma luz brilhou de fora do palco à direita, trazendo a sensação de que os dançarinos podem não ser capazes de realmente ver aquilo que procuram. A música (do compositor Christos Zevos) era atonal o suficiente para contribuir com esse ar de mistério, ao mesmo tempo que não chegava a ser ensurdecedora. Tão misterioso quanto, uma forma de seis lados caiu de cima, para pousar no centro do palco. Esta forma parecia ter um poder inexplicável de que os dançarinos pareciam simultaneamente temerosos e atraídos por ela.
Eles dançaram e, de vez em quando, um artista se aproximava da forma, se aproximando em uma hesitação intrigada, mas temerosa. Seguiu-se uma seção de trabalho do parceiro. A dupla de dançarinos era comprometida e destemida, mas o movimento carecia da facilidade e profundidade das nuances em outras partes da peça.
Finalmente, uma dançarina entrou na forma. Ela não foi prejudicada, nem repentinamente perdeu o autocontrole, nem experimentou de repente qualquer outro efeito negativo. Eu me perguntei se mais poderia ter sido feito neste momento, dramaticamente falando, considerando a misteriosa tensão construída em torno desta forma. Em qualquer caso, ela saiu e a ação de dançar continuou.
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O grupo se aglomera em torno de Amy Mastrangelo. Foto de Nicole Tomaselli.
Uma imagem impressionante que se seguiu foi uma dançarina segurando a mão sobre o centro da forma enquanto corria, como um cavalo em um carrossel de filme de suspense. Então, outra dançarina subiu acima dela, circulando os braços como se criasse uma auréola - um anjo acima. Embora eu não tenha certeza de como este momento se encaixa na atmosfera geral e no mistério em torno dessa forma de seis lados, foi uma bela imagem e um momento de harmonia.
Conforme a ação continuava, a forma parecia ganhar poder de repente, uma dançarina foi atraída por ela, mas não conseguiu penetrar no espaço acima da forma no chão. Em seguida, os dançarinos tentaram se empurrar para longe do espaço para se aproximarem - estabelecendo uma mentalidade de pack “mania-a-cara” que seria um tema predominante no restante da peça. O romance icônico senhor das Moscas , que mergulha no desejo humano de poder e conquista quando convivemos em grupos, veio à mente para mim. Depois de empurrar e lutar pelo domínio, os dançarinos se dispersaram para aglomerados no palco.
Esses aglomerados se tornaram linhas, e as linhas se tornaram grupos menores que viajaram pelo palco em diagonais. As transições entre as formações eram tão atraentes e contínuas quanto o fraseado - uma mistura suave de curvas, extensões e pés. Os saltos arabescos tornaram-se curvas à la seconde, pousando em uma profunda segunda posição plié. Os dançarinos eram tão dominantes, e o movimento tão atraente, que esta seção me fez querer mais seções com esse tipo de virtuosismo na obra (embora não fosse de forma alguma a única seção, apenas talvez a mais memorável).
Outro elemento intrigante em jogo aqui foi o uso de pequenos pontos vermelhos, em formato de seis lados - igual ao formato maior. Os dançarinos espalham esses pontos pelo espaço em vários pontos. Eu me perguntei se isso representava algum tipo de energia ou sentimento, algum outro significado misterioso, ou era apenas um acréscimo estético. Um aspecto semelhante eram as adições de traje semelhante a caneleiras vermelhas, que os dançarinos de alguma forma colocavam ao passar pela forma de hexágono (que, naquele ponto, tinha um pano preto sobre ele). Uma interpretação é, esta forma de seis lados sendo uma parte de um favo de mel em uma colmeia, todos os elementos no trabalho estavam se unindo para criar um mundo desta colmeia - daí o título, Hiveland .
Devon Colton, Jennifer Roberts, Melenie Diarbekirian e Alison McHorney com a empresa. Foto de Nicole Tomaselli.
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No entanto, todos esses elementos pareciam bastante abertos a outras interpretações. Os membros da audiência podem trazer sua própria imaginação, interesses e medos para o trabalho. A música, o movimento, a iluminação e os adereços - todos esses elementos tinham o potencial de animar essas imaginações, pensamentos e sentimentos. Novas camadas de mistério estavam em exibição a cada nova seção. Uma seção com uma nova camada clara de mistério era um dueto, um ocorrendo principalmente no solo - tornando-o muito mais baixo do que a maior parte da dança na peça. Uma dançarina se enrolou nas costas de sua parceira e eles rolaram como uma bola. Movimento puro e as leis da física pareciam ser os aspectos mais significativos em jogo aqui.
Houve também momentos mais pessoais, como arrumar o cabelo e as roupas uns dos outros - alguns dos quais se tornaram engraçados. Isso me fez desejar mais momentos de humor e coração no trabalho, mas talvez esse não fosse seu peso atmosférico e emocional. Uma seção de trio intrigante seguiu este dueto, trazendo aquela sensação de “jogo de poder” da mentalidade de matilha. A certa altura, uma dançarina colocou o pé nas costas de outra dançarina, que estava dobrada para a frente com a coluna vertebral arredondada. Conforme ela empilhou sua espinha para cima, a dançarina com o pé nas costas teve um développé cada vez mais alto. Quando chegou ao ponto de sua estabilidade e flexibilidade, ela pousou aquele pé no chão para fazer um forte plié de segunda posição.
Em outro ponto, duas dançarinas forçaram o pé de uma terceira dançarina em um ponto vermelho, e ela não conseguia tirar aquele pé dele. Seu movimento aqui evocou encontrar expressão e expansão em meio à constrição. Outras seções de grupo ocorreram, com itens de roupas vermelhas adicionais - diferentes variações de coletes e camisas. A individualidade nessas peças de vestuário foi revigorante, dada a falta geral de individualização dos dançarinos separados na obra.
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No entanto, uma dançarina nunca colocou uma peça de roupa vermelha. Em um ponto, todos os outros dançarinos se reuniram ao redor dela - não parecendo violentos, mas certamente se sentindo ameaçadores. Esse momento falava do isolamento e do tornar-se ameaçador para um grupo majoritário, inerente à experiência de ser um forasteiro. Logo vieram seções uníssonas mais impressionantes e marcantes - novamente, me fazendo querer mais desse virtuosismo no trabalho. O gesto nuançado encontrou força em uma frase de dobrar em plié e empurrar as palmas para a frente.
Jennifer Roberts (solista) em meio à empresa. Foto de Nicole Tomaselli.
A queda e a recuperação do início voltaram com um movimento como um arabesco que balançou para a frente até perder o equilíbrio, para então voltar ao equilíbrio enquanto os dançarinos mergulhavam na aterrissagem.
A ação acabou quando os dançarinos se reuniram no palco à direita, em torno da forma de pentágono, que havia ressurgido, envolta em um pano preto. Os dançarinos alcançaram para sair com braçadeiras azuis. Um pouco de ação começou e então as luzes se apagaram. Eu fiquei com muitas perguntas e queria um tempo no trabalho com os dançarinos usando essas braçadeiras para potencialmente responder a essas perguntas.
Talvez o objetivo aqui fosse um senso de continuidade, que tal ação continuasse neste grupo de dançarinos - sejam eles quem forem ou o que quer que representem. Tal como acontece com o resto do trabalho, talvez partes da abordagem pudessem ser reconsideradas, mas - no geral - a estética e as grandes ideias em jogo me deixaram intrigado. Eu tinha perguntas, em vez de respostas prescritas. A arte capaz de deixar o público nesse estado nos faz continuar a buscar as respostas nós mesmos, e a vida se torna ainda mais intrigante.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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