Aaron Carr do LADP, Morgan Lugo e Robbie Moore em 'Harbor Me' de Sibi Larbi Cherkaoui. Foto de Laurent Philippe. Boch Center, Boston, Massachusetts.
20 de maio de 2017.
A dança é, evidentemente, uma forma de arte baseada no movimento. No entanto, se o movimento é constante, é realmente um movimento ou apenas uma norma - o que sempre é, foi e será? Em outras palavras, movimento significa mais quando experimentamos a outra extremidade do espectro - a quietude. Em um sentido talvez mais amplo e metafórico, o movimento na dança pode ser uma maneira de provar, alcançar e transmitir. A quietude pode ser uma permissão para que algo seja o que é e fazê-lo falar por si mesmo.
A montagem de três trabalhos do L.A. Dance Project, exibidos em Boston através da Celebrity Series e atualmente em turnê nacional, demonstra essa dinâmica. Algumas dessas obras constroem conteúdo emocional, bem como exibem a beleza do corpo humano em movimento, por meio da incorporação de momentos de quietude. Vemos níveis de maior sofisticação nesses momentos. Algumas dessas obras baseiam-se na arte e na verdade que são, enquanto outras se esforçam para construir e transmitir uma mensagem específica.
LADP em ‘Harbor Me’ de Sibi Larbi Cherkaoui. Foto de Rose Eichenbaum.
O primeiro trabalho, de Sibi Larbi Cherkaoui Harbor Me, é mais do primeiro, com bravura para assumir riscos, mas uma aparente aceitação do que a peça pode oferecer como suficiente. A peça começa com luz fluindo do alto à direita do palco, bloqueada como se, assustadoramente, por grades de prisão. Um solo de movimento suave e vigoroso começa. As sombras aumentam a intriga de uma bela exploração de possibilidades de movimentos sutis. Outra dançarina se junta, depois uma terceira. Dois dançarinos saem e um solo de uma qualidade mais muscular e atlética começa.
Molly Ackermann Crosby
Avante através da peça, esta estruturação três-e-um continua. Mais duetos podem oferecer uma exploração coreográfica valiosa, já que agrupamentos ímpares versus pares podem ter diferenças significativas. O que sobe ao palco é impressionante e significativo como é, no entanto. O esquema de cores escuras (iluminação e figurino de Fabiani Piccioli) continua a adicionar sombras e contornos de luz que podem ser de tirar o fôlego. Certos momentos de parceria também são memoráveis e inovadores - como uma divisão de peso de forma que três dançarinos pareçam um só corpo, mas três braços nadando em três ângulos diferentes habilmente abrem buracos na ilusão de ótica.
Uma nota de programa implica que a peça visa ilustrar os desafios e o mundo interior dos refugiados, bem como a situação geral de seu estado no mundo - certamente um foco relevante e oportuno em 2017. A escuridão literal da peça, bem como a estruturação coreográfica tanto do peso compartilhado quanto dos trechos de separação, transmite que mesmo sem a plena iluminação do outro, ainda podemos oferecer suporte. Nossas semelhanças podem sobrepujar a escuridão que pode enfatizar nossas diferenças.
A próxima peça, Justin Peck's Murder Ballads , também visa retratar uma situação e um tema específicos (se não uma mensagem aberta). Ele o faz de forma mais explícita, no entanto, como com uma nota de programa explicando a gênese da peça e o contexto cultural em sua raiz. A controvérsia é que no cerne dos tiroteios em massa na América está uma cultura baseada na violência, que remonta a canções folclóricas sobre assassinato.
Projeto de dança L.A. em ‘Murder Ballades’ de Justin Peck. Foto de Laurent Philippe.
Os trajes são do uso diário americano, com alguns dos seus adolescentes típicos (como saias curtas e mangas cortadas) parecendo fazer referência a tiroteios em escolas. Seções frequentes em uníssono também refletem o desejo do adolescente de se encaixar no grupo. Algumas seções da coreografia têm um ar de agressão, enquanto outras parecem representar apoio. Nessas implicações, a peça é menos bem-sucedida em transmitir sua verdade do que a primeira - parece significar menos, ao mesmo tempo em que diz mais diretamente.
O trabalho oferece momentos de movimento bonito e bem trabalhado, no entanto. Em uma frase, por exemplo, um dançarino se inclina para outro. A dançarina que recebe o apoio levanta um pé flexionado a 45 graus, e o que dá o apoio na perna oposta. Essa frase assume tons ligeiramente diferentes nas repetições subsequentes. O movimento também é mais significativo quando assume uma sensação de sustentação, um alongamento pastoso. Os dançarinos realmente se comprometem com as qualidades de movimento que a coreografia exige.
A obra tem como matéria-prima mais potencial, uma ótima candidata para workshopping e outros processos de refinamento. Em toda a realidade, isso é até certo ponto verdadeiro para qualquer obra de arte. O terceiro e último trabalho, Por outro lado , do Diretor Artístico Benjamin Millepied, aparece mais adiante nesse processo. Correndo o risco de uma redução simplista, é uma pintura impressionista que ganha vida em movimento. Uma sensação geométrica, tanto por meio de formações quanto de frases, implica uma ordem natural - inerente a muitos temas impressionistas.
Uma imprevisibilidade simultânea, no entanto, implica que nunca podemos realmente saber como algo vai seguir seu curso - “do outro lado” da consciência presente. Assim como nas pinturas impressionistas, uma clareza de estrutura coexiste com uma intrigante imprecisão qualitativa - como em, com uma mudança de perspectiva, há mais para ver e compreender. Por trás de tudo está uma pintura neo-impressionista de fundo brilhante do artista Mark Bradford. Cores brilhantes no figurino (figurino de Alessandro Sartori) combinam com essa energia visual.
LADP em 'On the Other Side' de Benjamin Millepied. Foto de Laurent Philippe.
Os dançarinos nesta peça também colocam toda a energia e comando do movimento em mãos. Quer-se que dois solos - um de uma dançarina em vermelho e outro em cinza - sejam mais longos, simplesmente por serem fortes e marcantes. Sim, força, mas também há uma suavidade, uma facilidade de movimento às vezes técnica, às vezes mais pedestre (e nas transições entre essas duas qualidades) à la Mark Morris. Somando-se à força desse movimento está o contraste na imobilidade, os dançarinos em um quadro ocasional.
Em vez de uma imobilidade aberta, os dançarinos ainda irradiam a ressonância do movimento acabado de executar. Parte desse movimento oferece uma metáfora de algo do mundo natural, como uma aparente órbita do grupo em torno de um eixo central, uma mão no centro e a outra erguendo-se acima de um cotovelo dobrado. As imagens em órbita podem não parecer ter muito a ver com uma pintura ligeiramente abstrata de flores e um brilho geral (em cor e movimento).
No entanto, com uma atitude de abertura às nuances, apreciamos a celebração do movimento ao nosso redor, perto e longe - em uma flor do lado de fora de nossa janela ou em uma galáxia a anos-luz de distância. Também há quietude, mas mesmo na “quietude” a energia do movimento permanece. Por outro lado, movimento é movimento porque a quietude existe. De maneira semelhante, abstração e sutileza podem permitir que algo significativo seja realmente ouvido. A montagem dessas três obras do L.A. Dance Project permite que dançarinos, dançadores e amantes da dança de todos os tipos vejam essas verdades com mais clareza.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
