Abraham.In.Motion. Foto de Christopher Duggan. The Joyce Theatre, New York, NY.
15 de outubro de 2019.
Abraham.In.Motion (A.I.M.) de Kyle Abraham visa 'criar um corpo de trabalho interdisciplinar evocativo' e ser 'uma representação de dançarinos de várias disciplinas e origens pessoais diversas.' O programa da empresa no The Joyce Theatre validou esses componentes essenciais de sua missão - ecletismo e colaboração. Ambos surgem - e, além disso, precisam florescer - uma atitude de abertura para compartilhar e considerar outras perspectivas. Esse espírito e abordagem de trabalho parecem vivos e bem na A.I.M., dados esses trabalhos ecléticos baseados em métodos colaborativos.
Big Rings , uma estreia mundial coreografada por Keerati Jinakunwiphat, abriu o programa. O movimento - na formação e no nível do corpo - refletia o dos bailarinos de basquete que se moviam gradativamente pelo palco em linhas, atingindo baixo e alto, como se treinassem dribles e chutes. Os sons de arranhões refletiam os tênis na quadra. A iluminação (de Dan Scully) evocou um jogo ou treino noturno, dramaticamente baixo e iluminando os dançarinos de lado.
Os saltos e os gestos foram baseados no vocabulário contemporâneo e do hip hop, mas também tiveram um toque pedestre. Essa qualidade humanizou os bailarinos e também ajudou a validar o tema basquete. Mais movimentos técnicos viriam, até mesmo em parceria - como uma dançarina sacudindo os quadris para tocar um pé no chão enquanto seu parceiro segurava o outro. Os efeitos estéticos também se tornariam mais variados e complexos, como uma seção com os bailarinos retroiluminados - e, portanto, em silhueta.
Seções aparentemente improvisadas também viriam, enquanto o movimento anterior a esta na peça - em uníssono e em grupos separados dançando simultaneamente - parecia definido. Jinakunwiphat estava oferecendo várias maneiras de um grupo de dançarinos se mover no palco, separadamente e juntos. Tudo isso trouxe uma sensação de energia dinâmica e harmonia intergrupal. A letra no final dizia 'Estou bem', enquanto os dançarinos se moviam com um ritmo fácil. O movimento e as formações nesta última seção (e em outras) refletiram oposição - ainda assim, havia um sistema funcional e harmonioso em ação aqui. Todos pareciam capazes de dizer com sinceridade 'Estou bem'. O movimento de Jinakunwiphat refletiu diversas formas de movimento e inspirações, realizadas pelos versáteis dançarinos de Abraham - ecletismo e colaboração em ação.
Mostrar pônei , coreografado por Abraham e dançado por Marcella Lewis, veio a seguir. Também exalava um frio fácil, assim como o orgulho e a confiança da dançarina em sua própria pele. Lewis usava um macacão dourado (Costume Design de Fritz Masten), brilhando exatamente contra a luz amarela / laranja (Lighting Design de Scully), todas as cores perfeitamente contrastadas, mas também harmoniosamente combinadas. Lewis se movia com uma espécie de atrevimento, discreto que parecia dizer que ela não tinha absolutamente nada a provar.
Ela dobrou os joelhos, firmando-se profundamente, mas também estendeu os braços para fora de si mesma, estendendo-se suavemente. Explorando diferentes níveis, ela se moveu pelo espaço de forma assertiva e destemida. O gesto parecendo emular uma marionete e o movimento dos pés de um cavalo orgulhoso promoveram o tema do trabalho, bem como o vocabulário do movimento hip-hop. No entanto, essas extensões fluidas e seções de movimento baseadas no chão refletiam o vocabulário de movimento contemporâneo.
patrimônio líquido de mickey gall
Este trabalho demonstrou a capacidade de Abraham de misturar perfeitamente essas diferentes expressões idiomáticas de movimento, um ecletismo habilidoso e atraente. Em certos pontos, a citação de Doris Humphrey sobre todas as danças serem muito longas me veio à mente. Eu me perguntei se o trabalho com oitenta por cento de sua extensão teria causado mais impacto. Trabalhos sendo solos entram em jogo com essa questão, eu acredito. Ainda assim, no geral, o trabalho foi memorável e agradável de experimentar.
Depois desse trabalho, veio o de Trisha Brown Apenas Olos (reescrito por Cecily Campbell e Stuart Shugg), uma obra de ingredientes do movimento pós-moderno e moldada por processos pós-modernos. Para uma pontuação de silêncio (além de sua própria respiração e pés arrastando), os dançarinos abaixaram suas cabeças para seguir suas espinhas, indo de sentados para deitados. Eles trouxeram um cotovelo para um lado, o outro braço levando-os para o lado com a coluna reta, aquele cotovelo então levando seu braço para se juntar ao outro braço estendendo-se para frente - acentuado, mas com uma suavidade que une todos os movimentos juntos. Tudo isso eles primeiro dançaram em uníssono.
Então, pelo alto-falante, alguém deu instruções como “reverter” e “ramificar”. Havia, portanto, um elemento de improvisação aqui, aparentemente, os dançarinos não sabiam quais instruções viriam e quando. Eles foram impressionantes na tarefa e afiados, apesar dessa natureza inesperada do que eles seriam solicitados a fazer em seguida por experiência pessoal, posso dizer que alterações de movimento, como retrocesso, são bastante difíceis de envolver o cérebro e o corpo. De certa forma, este é um elemento do virtuosismo de um dançarino pós-moderno. MIRAR. dançarinos mostraram sua versatilidade aqui, e a companhia maior seu espírito de ecletismo na inclusão de uma obra tão seguramente pós-moderna (pode-se razoavelmente argumentar que agora estamos em uma era 'pós-pós-moderna' na dança e nas artes mais amplas) . Para terminar, a voz do alto-falante disse “continuaremos”. Parecia uma janela para a realidade de um artista de dança, como eles trabalham muito, muito mais tempo em uma obra do que ela dura no tempo.
Estudos de despedida foi uma colaboração coreográfica entre Abraham e seus dançarinos de companhia. Como é mais frequentemente o caso quando os coreógrafos trabalham dessa maneira (e, portanto, uma vantagem de fazer isso), o movimento parecia refletir os pontos fortes dos dançarinos e estilos de movimento individuais. Vários agrupamentos de dançarinos se dissolvendo de maneiras diferentes, repetidas vezes em uma obra, refletiram a infinidade de humores e energias que as despedidas podem refletir - todos com uma espécie de tensão ou tristeza, porém essas situações raramente são fáceis ou agradáveis. O final foi particularmente poderoso: uma dançarina ficou sozinha no palco, olhando ao redor. Esta questão veio à tona para mim o que resta depois de um adeus, dentro e ao redor de si mesmo?
Casulo , coreografado e dançado por Abraham, contou com a colaboração de dança e canto ao vivo. As nuances em seu movimento se alinharam com as nuances da harmonia vocal multiparte. Evidente em tudo - e especialmente na qualidade de movimento enraizada, mas de alguma forma também aspiracional e esperançosa de Abraão - estava a alma e a generosidade de espírito. Essas camadas dentro de sua oferta criativa e na própria criatividade pareciam uma espécie de “casulo” - envolvendo-os, protegendo-os através da autotransformação e do crescimento. Esses artistas juntos atuando, destacando-se em suas diferentes formas de arte, pareciam tornar esse “casulo” possível.
Terminar a noite foi Cinzas , dançado por Misty Copeland e coreografado por Abraham em colaboração com Copeland. Eu não esperava ver o ícone do balé que é Copeland dançando naquela noite. O trabalho exemplificou tanto a colaboração quanto o ecletismo, por meio de sua abordagem coreográfica colaborativa e (provavelmente resultante) idioma do movimento do balé contemporâneo. O que foi mais memorável para mim no trabalho foi a presença e o tempo de Copeland, ao invés de grandes movimentos 'truques', ela é uma dançarina virtuosa, mas este trabalho parecia ter a intenção de destacar o que está lá quando se tira os altos níveis de virtuosismo.
Um esquema de cores totalmente cinza, a túnica curta lindamente esvoaçante de Copeland nessa cor (Costume Design de Harriet Jung e Reid Bartelme), parecia refletir esse sentido esparso. O que resta nas cinzas depois que o fogo fica brilhante e quente? Pedaços de chamas ardentes virtuosísticas ainda se espalhavam de vez em quando, como movimentos rápidos de pés e saltos altos. Como um batimento cardíaco, a pontuação ( Ataque / Transição por Alva Noto e Ryuichi Sakamoto com Ensemble Modern) refletiu a ressonância contínua de seu movimento (tanto de virtuosismo quanto de movimento interno mais gestual). Como todos os trabalhos do programa naquela noite, Cinzas demonstrou a generosidade criativa que é possível quando os artistas mantêm as mentes entusiasticamente abertas para formas alternativas de fazer e diversas pessoas com quem fazer.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
Recomendado para você
