Dylan Crossman Dans (c) e. Foto de Julie Lemberger. 92WLRua Y, Nova York, NY.
16 de março de 2019.
A vida em 2019 parece cheia de mudanças, mudanças e agitações - em nossas mentes, em como viajamos, onde trabalhamos, onde vivemos. Sociopoliticamente, em todo o mundo, muitos têm a sensação de que as coisas estão simplesmente desprotegidas e desenraizadas. Dylan Crossman Dan (s) ce’s Nunca mais (traduzido aproximadamente do francês como 'nunca mais') apelou ao deslocamento e ruptura de corpos, objetos e o intangível no espaço para ilustrar essa sensação de desenraizamento.
Dylan Crossman Dans (c) e. Foto de Julie Lemberger.
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Ao mesmo tempo, havia uma base na 'humanidade, com toda sua beleza e escuridão' - em 'amor, dúvida, medo e reconhecimento [de nossas] diferenças' e um 'empurrão [ing] contra os atos diários de violência ”em meio a“ agitação política ”, como descreveu o programa. Começando a construir esse sentido, alguns membros do público podem ter se sentido um pouco incomodados ao ver os dançarinos já se apresentando no palco quando chegaram (“estamos atrasados?”, “Podemos conversar ainda?”, Alguns podem ter se perguntado). No entanto, o movimento suave, vigoroso, embora muito claro e intencional, fez-me, pelo menos, sentir-me bastante contente.
A geometria precisa dentro de formas familiares tinha toques não convencionais, como quadris levantados de ombros e pés aterrados (“postura da ponte” na ioga) e um braço alongado para o lado (longe do corpo). Os dançarinos se transformaram em uma prancha com um joelho dobrado e o pé apontando para o céu. Ao todo, o movimento era uma coleção de ângulos e curvas. Mal sabíamos nós na audiência que o veríamos novamente.
Subjacente a esse movimento o tempo todo estava uma trilha sonora que lembrava uma tempestade se formando à distância (design de som de Jesse Stiles). Também tínhamos uma pequena janela para o mundo dos dançarinos de vez em quando alguém dizia 'espere!', E foi isso que eles fizeram, parando onde estavam e, em seguida, reiniciando em algumas respirações quando um dizia 'vá'. Logo uma violinista (Pauline Kim Harris) começou a tocar fora do palco, e as luzes no palco se acenderam quando as luzes da casa diminuíram. Ok, isso tinha que realmente ser o começo da performance, pensei.
As três dançarinas que estavam dançando continuaram dançando, quando uma quarta dançarina entrou. Eles se moviam lentamente, ainda no chão, enquanto a quarta dançarina dançava alto e em vários ritmos. Havia um contraste claro aqui, entre o que criou algo meditativo e o que criou algo mais tenso. Esse contraste foi uma ferramenta, entre várias outras que Crossman usou, a serviço do significado e do humor ao longo da obra.
Além disso, o movimento tinha um eufemismo agradável, evidentemente, o objetivo não era altura em saltos e extensões ou número de voltas em voltas, mas sim controle e um compromisso. Isso também serviu de significado e humor. Contribuir para ambos era a maneira como o violinista entrava e saía. Em um ponto, as luzes surgiram quando ela tocava ao lado, e gradualmente também subiram ao centro do palco para revelar um solista dançando (projeto de iluminação de Davidson Scandrett). Este desenvolvimento alinhado com frequentes deslocamentos e mudanças no trabalho, e uma sensação de transpiração inesperada.
Este dançarino logo se juntou a outros dançarinos no palco em uma linha vertical, e todos dançaram uma frase lenta de varredura e busca. O drama estava crescendo. A simplicidade permaneceu no movimento, mesmo com o surgimento de movimentos mais virtuosos. Tudo pareceu bem sucedido, embora à medida que esta seção progredia, o espaçamento e o tempo de uníssono poderiam ter sido mais claros. Essa qualidade provavelmente só parecia evidente porque esses elementos eram tão claros em quase todos os outros lugares da obra.
Alguns dançarinos saíram para deixar três dançarinos no palco, que criaram outra dinâmica contrastante de dois contra um, movendo-se lentamente enquanto os outros dois se moviam rapidamente. Crossman mostrou sua propensão para trabalhar com vários dançarinos dessas formas atraentes ao longo do trabalho. A sensação de angularidade no movimento se intensificou, embora ainda houvesse uma suavidade - como em uma iniciação com cotovelos flexíveis. Também continuando e se intensificando foi aquela sensação de deslocamento, de ser desenraizado, o assentamento ocorreria, mas apenas momentaneamente até que uma nova formação tomasse forma.
Contribuindo ainda mais para esse sentimento, em um solo posterior um holofote ocupou o centro do palco, mas o solista dançou fora dele. A partir dessa escolha, surgiu a sensação de estar no espaço errado, mas incapaz de ir para o certo. Também trazendo esse sentido de “algo não muito certo” estava uma seção do grupo na escuridão quase total, um pouco mais tarde no trabalho. O movimento era incrivelmente bonito e habilmente executado, mas o efeito da luz fraca parecia um pouco exagerado, praticamente falando, era bastante difícil de ver.
Outra seção memorável logo depois disso foi um dançarino acumulando cadeiras, empurrando uma pilha cada vez maior com a cabeça uma por uma, ele acrescentou cadeiras, rastejando em direção ao palco conforme a pilha crescia. As cadeiras empilháveis simples de encosto preto foram colocadas em fileiras, colocadas uma a uma por uma dançarina. Depois de um movimento de seção atraente com sincronismo uníssono e individual, o movimento com uma circularidade e construção lenta como um ciclone crescente, veio o movimento dessas cadeiras pela cabeça. Algo formalizado, limpo e ordenado não permaneceria assim por muito tempo, no entanto.
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Dylan Crossman Dans (c) e. Foto de Julie Lemberger.
A música também mudou e mudou frequentemente - de partituras instrumentais mais ou menos atonais para o violinista tocando ao vivo para partituras instrumentais novamente. Toda a música era dramática e ligeiramente perturbadora o suficiente para criar drama e aquela sensação de desprendimento. Mesmo com todo esse deslocamento e interrupção, os dançarinos estavam enraizados e fortes. Sua qualidade de movimento garantida, matizada, mas também essencializada, falava do tema de Crossman de enraizar em 'nossa humanidade, com toda sua beleza e escuridão'.
Motivos de movimento também eram aterradores - como uma volta no ar com as pernas bem apertadas (torre no ar) e os braços bem abertos, como um helicóptero voador, visto em diferentes pontos da coreografia. Esses movimentos de ressurgimento entregaram um elemento de mesmice em meio a tantas mudanças. O movimento voltando da seção de abertura também foi interessante e estranhamente reconfortante de se ver - “Eu me lembro disso!” Eu pensei comigo mesma, sentindo-me sorrir levemente.
O que foi menos reconfortante foi o final, um dueto com doisdançarinosque pareciacapoeiracom contato intencional adicionado (em pontos, luta real). Eles se separaram, olharam um para o outro - um de pé, o outro no chão - e as luzes se apagaram. Essa conclusão me deixou perplexo, sem resolução, mas tendo um adiamento momentâneo da luta, estava implicando em um ciclo contínuo de violência e descanso tenso? Também parecia não ter o drama cuidadosamente elaborado visto em outras partes da peça. Como visualizador, eu queria que fosse mais longo e com mais camadas, para ser mais completo e claro.
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Ao todo, no entanto, Dylan Crossman Dan (s) ce's Nunca mais foi uma exploração convincente da arte da dança de ruptura, deslocamento e enraizamento em nossa humanidade. Em um mundo moderno que tenta nos desprender e testar nossa humanidade a cada dia, fico grato por ver este comentário se desenrolar no palco.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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