Island Moving Company em 'Memory and Glass'. Foto de Thomas Palmer. Green Street Studios, Cambridge, Massachusetts.
22 de abril de 2017.
Por um lado, há diversidade - a existência de formas variadas de ser e agir. Por outro lado, há unidade - entidades separadas agindo e estando em coesão e harmonia. Os dois modos não são mutuamente exclusivos, entretanto, porque unidade não significa necessariamente conformidade. Modos divergentes de ser e agir podem se unir harmoniosamente e, assim, ser unificados. Agora estamos vendo esse efeito na dança de concerto, em geral, com elementos clássicos e contemporâneos às vezes se misturando e às vezes vivendo lado a lado.
Ruth Whitney e Jacob Hoover da Tony Williams Ballet Company em ‘La Favorita’. Foto por Golden Lion Photography.
Kat Nasti, diretora do Green Street Studios em Cambridge, Massachusetts, expressou esse ponto ao apresentar o Ballet Showcase do coletivo de dança. O show é o primeiro de uma série de shows específicos do gênero que Green Street apresentará nos próximos meses.
A mostra incluiu obras no idioma do balé que vão do clássico ao neoclássico ao pós-moderno com inspirações baléticas. A primeira dessas peças, Mamãe barriga coreografado e executado por Tai Jimenez, foi uma exploração impressionante da maternidade.
Pode-se interpretar essa exploração como um grande comentário sobre o sacrifício - talvez parte disso uma perda de parte de sua identidade - dentro da experiência da maternidade. Jimenez moveu-se graciosamente e de forma pungente. Freqüentemente, ela iniciava o movimento dos quadris, cotovelos e pulsos com notável sutileza. O figurino e a iluminação complementaram a construção de seu corpo de uma atmosfera quase sinistra. Uma virada de piqué flutuante, mas aterrada - como um dos poucos movimentos abertamente técnicos da peça - deixou um anseio por uma mistura mais fluida de movimento balético com aquele no idioma pós-moderno, técnica de liberação.
Da mesma forma, pós-moderno em algumas qualidades foi uma peça seguinte, um trecho da obra de Jorma Elo Fatia para Sharp , apresentada por Thomas Davidoff do Boston Ballet II e encenada por Anthony Randazzo. Porém, tinha uma energia muito mais atlética. O trabalho - e a forma como Davidoff o executou - relembrou aquela cena maravilhosa do filme de balé A empresa em que um dançarino, sozinho em um espaço semelhante a uma catedral, se move de forma rápida e poderosa.
Christian Pforr do Boston Ballet II em ‘Slice to Sharp’ de Jorma Elo. Foto por Golden Lion Photography.
Davidoff dançou com uma maneira incrivelmente cativante de manter a espinha dorsal por meio de movimentos muito técnicos e complexos. Este crítico, como um crítico baseado em Boston, espera ver onde ele irá na estrutura abrangente do Boston Ballet. No entanto, o movimento era tão rápido, tão poderoso, tão espetacular, que alguém poderia desejar mais nivelamento de velocidade e energias físicas quando algo é constante, por falta de oposição, passa a significar menos.
Lá tivemos o pós-modernismo. A dança do jazz também fez sua aparição, com a música de SundanceX Capricho (do Coreógrafo e Diretor Artístico / Fundador David Sun). Com vocabulário como passes paralelos, layouts e até mesmo um italiano ao estilo Fossenenhum gato, a peça foi certamente cheia de diversão caprichosa e jazzística. Ele ofereceu uma reviravolta no estilo de Balanchine no classicismo entregue com talento e muito footwork rápido. Cores brilhantes do traje, uma diferente para o macacão de cada dançarina, adicionadas a essa sensação de diversão e talento. Os dançarinos executaram aquelas difíceis seções de alegro, bem como seções mais lentas com extensões e giros sustentados, de forma louvável.
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Por outro lado, pode-se perguntar como seria a coreografia habilidosa - e sua execução - se os dançarinos corressem mais riscos com ela. O lançamento no chão parecia muito controlado e seguro, por exemplo, sem drama que poderia ter sido atraente (com exceção de uma dançarina em um traje amarelo). Talvez os jovens bailarinos, com uma técnica impressionante para suas idades aparentes, estejam em um estágio em que seja o comando técnico ou uma abordagem ousada de sua dança. Eles mostram muita promessa e potencial. Em qualquer caso, a Sun fez bom uso dos níveis nas seções de espaço e palco, para criar uma imagem de palco agradável.
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Beth Mochizuki em 'Devaneio' de Kevin Jenkins. Foto por Golden Lion Photography.
A construção da atmosfera em Devaneio também contribuiu significativamente para a experiência da peça, junto com uma iluminação de fundo tenebrística habilmente projetada (projeto de iluminação de Stephen Petrilli). A coreografia de Kevin Jenkins ofereceu algo suave e atraente, as duas dançarinas (Beth Mochizuki e Ruth Whitney) girando os pulsos e movendo a cabeça com curvas e extensões graciosas. Os pãezinhos de balé e as mangas compridas, bem como as saias esvoaçantes até os joelhos de seus trajes escuros, realçavam esse movimento simples, mas poderoso.
Havia uma facilidade alegre como a de Mark Morris ecoando por tudo isso. Somando-se a essa qualidade, a música de cordas instrumental, um violino solo cadenciado da mesma maneira que o movimento. Em suma, todos esses elementos se juntaram para criar uma experiência estética inesquecível. No entanto, a única crítica é o desejo de ver os dançarinos interagirem mais. A emoção de sua dança à parte, e dos momentos relativamente raros em que se juntaram, levava à questão de como isso teria contribuído para a peça. Com isso, a peça pode ter sido uma experiência ainda mais impressionante, memorável e de tirar o fôlego.
Então veio o trabalho final, da Island Moving Company Memória e Vidro , coreografado por Rodney Rivera . Um título totalmente apropriado, já que o conteúdo emocional era vívido o suficiente para conectar com as memórias de cada membro da audiência. Com olhar, expressão facial, qualidade de movimento e forma de interagir com outros dançarinos, o elenco criou uma experiência emocional - mas não melodramática - da arte da dança. Também contribuiu para essa experiência a formação inteligente e inovadora de Rivera.
Em uma seção, por exemplo, uma fila de dançarinos masculinos estava deitada de costas bem no alto do palco, com um braço estendido para o céu. A simplicidade contrastava efetivamente com o movimento virtuosístico que acontecia no centro do palco. Em um momento mais sutil e dramático, uma (do total de três) bailarinas estava em posição fetal. Ela segurou os tornozelos de dois dançarinos para serem movidos lenta e suavemente (não era tão agressivo ou violento quanto 'arrastar' implicaria).
Island Moving Company em ‘Memoria y Vidrio’. Foto por Golden Lion Photography.
A imagem do palco então falou muitos milhares de palavras - algo nela parecia ter tecido conectivo aos milênios de perda, amor, anseio e esperança por um futuro melhor dentro da experiência humana coletiva. Ela se ergueu, no entanto, assim como outros dançarinos executando mudanças de nível semelhantes por meio (e bem dentro) do trabalho de frase graciosamente construído. Tudo parecia ecoar a linha poética de Maya Angelou, 'E ainda me levanto ... e ainda me levanto.' Cair e depois erguer-se não pertence apenas ao passado ou ao presente.
Os estilos de dança, do clássico ao moderno ao pós-moderno, também não precisam ser assim. Memória e Vidro , junto com outros trabalhos louváveis neste programa, provou que era verdade. Eles podem se entrelaçar, caminhar lado a lado e dialogar. Tudo pode fazer parte da observação e do comentário cruciais que a arte pode nos oferecer. Em uma época em que os valores diversidade e unidade às vezes parecem em desacordo, quando às vezes lutamos para reconciliar divergência e convergência, lembremo-nos - como este programa ilustrou - que eles podem, de fato, ser um.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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