Brooklyn Ballet. The Actors Fund Theatre, Brooklyn, NY.
13 de fevereiro de 2020.
Nesta era pós-pós-moderna, tanto o moderno quanto o clássico são celebrados e criticados. Todos os estilos e qualidades são um jogo justo para explorar. As convenções e valores que as obras clássicas e modernas revelam - sejam elas apresentadas juntas ou separadas - falam de questões como representação, privilégio e poder. Podemos ver as maneiras pelas quais nossa cultura mudou e evoluiu, e as maneiras pelas quais isso não aconteceu. Brooklyn Ballet’s História Revisionista II falou corajosamente dessas maneiras, por meio de conceitos e outras escolhas criativas.
Márcia Suzanne Lawler
Uma reformulação do icônico Não quatro apresentou quatro mulheres negras (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer e Courtney Cochran), uma declaração poderosa sobre representação e raça no mundo do balé e além dele. Em seguida veio um quarteto com quatro homens de cor dançando diferentes estilos de hip hop - quase tão diferente do trabalho original do balé romântico quanto se poderia obter enquanto ainda estava na mesma estrutura. A noite fechou com Interseção , uma obra que fala da condição urbana moderna de movimento constante e falta de verdadeira comunidade - balé contemporâneo com uma sólida base clássica.
Não quatro começou naquele quadro arquetípico - níveis, olhares e port de bras maravilhosamente elaborados para harmonia estética, bem como um equilíbrio de conexão e solidão para cada dançarino. O foco comprometido dos dançarinos foi imediatamente claro. Seus trajes tinham o mesmo tema (na cor, estilo de design, material), mas cada dançarino usava algo um pouco diferente - dando a cada um um sinal concreto de individualidade.
Eles passaram por seções de solo, dueto e grupo, todos oferecendo sua própria qualidade de movimento e estética. Uma dançarina foi notavelmente gentil e clara. Um veio com uma sensação de ataque focado e acentuado. Outro tinha um senso de aterramento de alguma forma suave. Outra ainda tinha uma presença distintamente jovial e tímida, e uma vivacidade em seus movimentos.
Houve várias hesitações em turnos, e eu me perguntei se a coreografia poderia ter sido alterada para evitar isso. Isso prejudicou a adorável coreografia clássica e a presença inabalável dos quatro dançarinos. Por outro lado, talvez seja devido às condições do local - como piso escorregadio ou iluminação dificultando a localização.
No geral, porém, os dançarinos ofereciam individualidade ousada e feroz, bem como graça harmoniosa. Eles estavam totalmente sintonizados com seu grupo e parceiros. Eu podia ouvir suas sapatilhas de ponta do outro lado do palco. O ensino técnico estrito diz que você não quer ouvir isso, mas esse efeito ofereceu outra camada auditiva da qual gostei. Todas as formações eram estruturalmente claras e visualmente agradáveis.
O trabalho terminou em um quadro, como começou - as quatro mulheres como seus próprios espíritos únicos, mas em alegre e harmoniosa comunidade umas com as outras. Refleti sobre o poder das imagens aqui, quatro mulheres de cor dançando em uma obra icônica, aquela natureza icônica especificamente branca. Eu me perguntei que criança negra - ou pessoa de cor de qualquer idade, aliás - que veio ao show poderia pela primeira vez se ver no balé e ser inspirada a colocar elas próprias sapatilhas.
Quarteto em seguida, com coreografia dos dançarinos e conceito de Lynn Parkerson (Diretora Artística do Brooklyn Ballet). Quatro homens de cor (Michael “Big Mike” Fields, James “J-Floats” Fable, Bobby “Anime” Major, Ladell “Mr. Ocean” Thomas) dançaram em uma estrutura semelhante a Não quatro - cada um em sua própria assinatura sob o guarda-chuva maior do movimento hip-hop. Um se movia em um estilo “flexionado”, dobrando e posicionando as juntas de maneiras que não pareciam humanamente possíveis. Um “estourou e travou”, acentuando com força e então liberando. Outro tensionou os músculos do peito, nádegas e braços de maneira cômica e alegre, fazendo o público rir. Outro ainda tinha um estilo mais suave e lírico, ondulando suavemente e fluindo por suas juntas com as batidas.
Interessantemente, Não quatro traduz do francês como Quarteto . Eles começaram e terminaram em um quadro de vários níveis e formas, assim como a peça anterior. Como uma variação das seções em Não quatro quando os dançarinos giravam em círculo, voltados para fora, os homens faziam o mesmo, mas com pés chatos e níveis alternados com os braços dobrados nos cotovelos (o que era visual e energeticamente agradável) . A música começou e terminou com a mesma pontuação que Não Qu para rte , mas entre “R&B” e músicas de hip-hop acompanhavam os dançarinos.
Houve também momentos mais humorísticos e teatrais nesta obra do que na peça anterior, ressaltando o crescente lugar da teatralidade aberta na dança moderna, pós-moderna e pós-pós-moderna. No entanto, como a peça anterior, questionou poderosamente as concepções clássicas e sociais da arte da dança, oferecendo uma alternativa agradável e bem feita - além de estar em uma estrutura muito semelhante.
Interseção em seguida, um trabalho cuidadoso e bem elaborado sobre a condição urbana moderna de movimento constante e falta de conexão humana genuína. Parkerson coreografou este trabalho. Os dançarinos entravam e saíam, passando por seções emparelhadas. Áudio de mensagens do MTA (sistema de trânsito da cidade de Nova York) tocou pelo teatro. Os dançarinos usavam roupas estilizadas para o dia a dia, cada um com uma roupa ligeiramente diferente (embora com algumas peças e padrões semelhantes). Todas essas escolhas e qualidades se fundiram para formar a ilustração de pessoas ocupadas e rapidamente se movendo em um espaço urbano.
As mulheres usavam sapatilhas de ponta e dançavam em um estilo mais clássico, enquanto os homens dançavam mais no estilo hip-hop. Parkerson recorreu a aspectos lineares em ambos os estilos de movimento para criar parcerias atraentes - como um motivo de homens com os braços esticados como apoio e seus parceiros se movendo em um arabesco atrás deles. Outras vezes, moviam os torsos por quadrados que os homens também faziam com os braços. Outro motivo memorável eram os parceiros enfrentando um ao outro e as mulheres rolando até a ponta completa e depois voltando ao plano - simples, mas limpo, intrigante e memorável.
Os dançarinos continuaram a se mover por diferentes formações e agrupamentos, aquelas mensagens de intercomunicação do MTA tocando de forma intermitente. Quando não eram, o violoncelo ao vivo (de Malcolm Parson) e a bateria (de Killian Jack Venman) acompanhavam os dançarinos. Os tons ressonantes desses instrumentos trouxeram uma sensação de algo mais profundo por trás da apresentação externa dos passageiros em modo de agitação e a miríade de estímulos sensoriais presentes para as pessoas que vivem nas cidades enquanto se deslocam.
Os dançarinos saíram individualmente e em grupos e as luzes se apagaram. O trabalho terminou, mas havia deixado uma nova vibração na sala. Elementos clássicos e modernos de significado e estética juntos deixaram uma verdadeira impressão. Podemos honrar o passado enquanto trabalhamos para corrigir seus erros prejudiciais, da melhor maneira que pudermos. A arte pode ser um ponto de partida.
altura de Jun Sung Ahn
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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