Jacqueline Green e Solomon Dumas da AAADT em 'The Call', de Ronald K. Brown. Foto de Paul Kolnik. David H. Koch Theatre do Lincoln Center, Nova York, NY.
15 de junho de 2019.
Na dança, há o significado do trabalho em questão (a beleza do movimento do corpo humano sendo um significado totalmente válido). Há também a motivação do artista - o 'por que fiz este trabalho', se você quiser. Os dois estão frequentemente intimamente relacionados, mas na maioria das vezes podem ser analisados separadamente. Ser claro e intencional pode criar um trabalho verdadeiramente impressionante. Também pode ser impressionante como esses significados e motivações variados podem se reunir em um programa de trabalhos diversos. A temporada de verão do Alvin Ailey American Dance Theatre no Lincoln Center fez com que essas questões passassem por meu cérebro como um ciclone. Experimentando os trabalhos, no entanto, só me senti cativado e satisfeito.
Darrell Grand Moultrie 'S Uma Onça de Fé abriu o programa. Um solo de abertura, transbordando determinação e força, teve a dançarina no grupo e depois na frente dele. A cortina caiu atrás dela enquanto ela passava pelo proscênio. Esse desenvolvimento começou a construir a ideia de que o indivíduo se encontra, mas a partir de um alicerce de apoio. Ela executou um motivo de movimento com ressonância poderosa para o significado da peça - um penché lento (corpo inclinado da cabeça aos pés, a 45 graus) e então uma curvatura dessa perna no peito. Falava de dar aquele “salto de fé”, de ser ousado e de confiar - mas também de voltar a algo fundamentado e seguro de vez em quando.
A cortina subiu sobre o grupo novamente, fantasias e luzes em cores vivas e alegres (iluminação de Mark Stanley, fantasias de Mark Eric). O tamanho e a energia do movimento tinham o mesmo brilho e alegria. O trabalho de pés era rápido e variado, frenético, mas não muito para digerir. Gesto abstrato mesclado com movimento mais técnico, entrelaçado, mas distinto - como cores em uma tapeçaria. Tudo permaneceu enérgico e multifacetado, solos levando a trios e círculos levando a linhas. Então veio uma seção que me pareceu adorável e sincera, ainda mais eficaz estruturalmente se fosse trocada pela seção que a precedeu. Os dançarinos se moviam lentamente, como se estivessem no melado, enquanto a narração descrevia poeticamente o poder de alguns ter um “grama de fé em você”, como alguém tinha no próprio Moultrie.
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O significado e a motivação da peça pareciam ter um significado muito pessoal para Moultrie. Para mim, essa conexão fez o trabalho ressoar ainda mais para mim. “Às vezes, você só precisa ficar em agradecimento”, disse a narração, que me pareceu particularmente ressonante. Embora esta e a seção anterior fossem claras, poderosas e agradáveis, parecia-me que o arco narrativo e a clareza poderiam ter sido mais fortes com as duas partes trocadas, a seção mais lenta poderia ter oferecido mais contexto narrativo e permitido que a energia aumentasse. Talvez Moultrie estivesse procurando várias qualidades energéticas, o que certamente é um objetivo legítimo.
A energia aumentou novamente durante a maior parte da peça, um banquete de energia e alegria. Uníssono em linhas em solos, havia muitas seções variadas - mas, de alguma forma, cada uma parecia o suficiente, um pequeno pacote amarrado com um laço elegante. Outro motivo emergiu - pequenos lúpulos com um pé estendido e flexionado, assim como as mãos flexionadas. Nisso, senti determinação, ação e força. Inflexões culturalmente africanas na música e no movimento se prestaram a uma fundamentação na qualidade do movimento, mesmo que fosse equilibrado com uma elevação pelo corpo. Para terminar, todos os dançarinos se ergueram juntos. Eles estavam decididos e unidos. Eles precisavam de fé e comunidade para chegar lá, e eles chegaram lá.
Ronald K. Brown's A chamada em seguida, outra mistura de qualidades de cor e movimento. Tudo começou com dois dançarinos, e outros se juntaram até que fossem cinco. Esse acúmulo me fez pensar no título que era se algo chamasse os dançarinos adicionais para o palco. Um sentido circular e giratório logo se formou, dançarinos girando e entrando e saindo de formações circulares. O vocabulário de movimento, como braços esticados saindo dos ombros, como as hélices de um helicóptero, aumentam ainda mais essa qualidade de circulação. Também notável foi a imponência e elegância, uma clássica carruagem através do corpo e trajes esvoaçantes (vestidos para mulheres e cortes soltos para homens, de Keiko Voltaire). Um elemento de groove entrou, ondulando a coluna vertebral, mesmo com música de estilo clássico.
Uma mudança tonal adicional emergiu, a iluminação tornando-se roxa e suavizando o movimento (iluminação de Tsubasa Kamei). Pensei em como a lavanda é uma substância natural calmante. Movimentos cremosos e suaves, como fouettés, também adicionaram a essa qualidade mais suave. A ação exagerada do quadril por meio desses movimentos manteve um senso de talento energético e individualidade, no entanto. As cores e o sentimento anteriores voltaram, trazendo de volta aquele toque descolado. Circular também voltou. Outra mudança veio com a música clássica indiana, junto com outra mudança de iluminação para verde e laranja. A ondulação espinhal voltou, agora se adaptando à nova música.
Essa mudança no movimento, principalmente pelo movimento, atendeu a um “chamado” natural de harmonia criativa. Os dançarinos também pareciam chamados para a dança em si, em qualquer qualidade que viesse, cheios de dedicação e comprometimento como eram. Virando rápido como um Dervixe Giratório entrou, levando ao fim o pedaço de olhar para cima - como se estivesse em um elogio. “A chamada” aí se tornou espiritual. Eu me perguntei se algumas seções poderiam ter causado mais impacto se fossem mais curtas. No geral, no entanto, o trabalho me deixou intrigado, mas também contente.
Jawole Willa Jo Zollar's Abrigo veio a seguir, uma obra rica e repleta de significados. A locução falou de uma experiência de observar a continuação da falta de moradia e de todas as emoções que podem acompanhar isso - tristeza pela pessoa, raiva de uma cultura que permitiria que isso acontecesse e medo de que um dia alguém pudesse estar no mesmo estado e muito mais . Declarações poeticamente evocativas, como “exaustão com burocracia misturada com raiva” me puxaram de cara.
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O movimento tinha uma intensidade que correspondia ao poder das palavras, mas mantinha uma organização (como nas formações) para mantê-lo claro e digerível. Pés flexionados em turnos trouxeram uma sensação de determinação e força. O vocabulário de dança africana fundamentado se mesclou com o da dança contemporânea, criando algo como uma massa macia e sedosa com os sabores separados dos ingredientes, todos distintos no final das formas combinadas, mas de alguma forma ainda legíveis em suas próprias naturezas.
A repetição na narração aumentou a intensidade e a sensação de turbulência mental. “Correr, caminhar, correr, caminhar”, pronunciava, compartilhando o diálogo de quem está preso nos sentimentos que surgem ao ver um morador de rua. Pode parecer muito mais fácil não enfrentar isso. Alguns dos dançarinos literalmente correndo aumentaram essa intensidade. Uma brincadeira de pular de sapo me fez pensar em voltar aos confortos inocentes e infantis - alguns dos quais se relacionam com fuga e diversão, seu próprio tipo de corrida.
Logo houve uma mudança para a narração sobre o ambientalismo. Se alguém estiver sintonizado com o discurso sociopolítico, essa conexão pode muito bem ter feito sentido (à la “New Deal Verde”). Se não fosse, esta mudança temática e emparelhamento podem ter parecido discordantes. Reconheço que, mesmo sendo uma daquelas pessoas muito sintonizadas com o discurso contemporâneo sobre política e política, a conexão demorou um pouco.
Por outro lado, o título de Abrigo oferece uma pista de como o ambientalismo e a falta de moradia estão relacionados - a terra é nossa casa, nosso abrigo, assim como nossas casas literais são nosso abrigo. O significado de Jo Zollar foi claro como cristal, e parece que sua paixão em torno dessas questões também é bastante clara. Às vezes, quando a paixão leva a uma motivação clara para fazer o trabalho, o resto é algo verdadeiramente memorável e significativo. O programa terminou com Revelações , sem dúvida um dos mais - senão a mais - trabalho memorável e significativo de dança contemporânea já feito. A motivação para ilustrar o significado pode ser algo poderoso.
artigos de dança para estudantes
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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