2020 Alvin Ailey Temporada virtual do American Dance Theatre: Dance para tempos difíceis

2 a 31 de dezembro de 2020.
Acessível através de www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

Por mais de 60 anos, o Alvin Ailey American Dance Theatre apresentou a arte da dança que eleva, inspira, educa e provoca o pensamento - desde o palco do proscênio até o estúdio de dança e ambientes comunitários. Essa é uma grande parte da razão pela qual milhares de amantes da dança e da arte voltaram para o que a empresa oferece uma e outra vez - em tempos de guerra e paz, escassez e abundância, discórdia e harmonia.

Dada a pandemia COVID, o que a empresa pode apresentar parece diferente este ano - surpreendentemente, também os 60^ºano de aniversário da obra-prima de Alvin Ailey Revelações. No entanto, é indiscutivelmente não menos significativo e não menos especial. Nada pode substituir a performance ao vivo, mas o que a empresa ofereceu em seu primeira temporada virtual (algo histórico por si só) teve suas próprias inovações criativas e maneiras pelas quais a empresa fala com sua própria voz.

Essas inovações foram particularmente prescientes nas duas obras originais apresentadas nesta temporada - Jamar Roberts ' Uma Jam Session para tempos difíceis e Testamento pelo Diretor Artístico Associado Matthew Rushing (em colaboração com o Membro da Empresa e Assistente do Diretor de Ensaio Clifton Brown e o Ex-Membro da Empresa Yusha-Marie Sorzano). Outros programas da temporada comemoram 60 anos de Revelações , investigou como dança e justiça social se cruzam, ofereceu conteúdo para todas as idades para toda a família e comemorou a aposentadoria de dois membros da empresa este ano.

Renaldo Maurice, de Ailey, Courtney Celeste Spears e Chalvar Montiero filmando 'A Jam Session for Troubling Times' de Jamar Roberts. Foto cedida por Emily Kikta e Peter Walker.

Roberts ' Uma Jam Session para tempos difíceis começou com belas fotos aéreas da cidade de Nova York. Na narração, um senhor compartilhou histórias da vida de um músico de jazz na cidade. Fotos de músicos juntos em um telhado se juntaram às dos dançarinos de Alvin Ailey na frente do Ailey Studios (a sinalização do “ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER” os localizava claramente). Os dançarinos - embora permanecessem fisicamente distantes - tiveram alguns momentos de empolgação ao se verem, e então rapidamente mudaram de posição. Essa escolha foi humanizante e comovente, principalmente nesta época de desconexão física.

O movimento era, correndo o risco de reduzir algo tão rico e em camadas, uma personificação da música jazz: improvisar a partir de um elemento rudimentar, riffing um ao outro, as energias do dançarino alimentando-se mutuamente. O movimento uníssono tornou-se predominante mais tarde na peça, mas a singularidade improvisada do corpo de cada dançarina e a assinatura do movimento permaneceram.

A maneira como o movimento mudou e evoluiu ao longo da peça também foi intrigante, além de esteticamente satisfatória. Começou, na maior parte, altamente angular e altamente gestual - como dança de jazz em si. (E muito do vocabulário é influenciado pela dança do jazz - baseado no isolamento e paralelo, por exemplo). Uma qualidade mais curvilínea e fluida veio depois com a bateria do bongô tomando uma linha melódica. Os dançarinos continuaram a incorporar a música por meio de novas abordagens, tangibilizar a música dentro do corpo não é um conceito novo, mas este trabalho ofereceu isso de maneiras que eu nunca tinha visto antes.

A cinematografia e iluminação da peça também mantiveram sua experiência visual dinâmica. A câmera nos trouxe em close-ups mais tarde no trabalho, e quando os dançarinos se moveram para um beco, uma luz amarela os iluminou. Com essa nova iluminação, um tom fresco veio sobre suas peles e roupas - algo com o qual a dança no filme oferece possibilidades infinitas.

Também realçando a experiência do trabalho estava a autenticidade e humanidade dos dançarinos. Havia uma qualidade despretensiosa e muito humana em como eles se moviam juntos, por mais virtuosos que fossem. A personalidade de cada dançarino tem um momento de destaque, algo divertido e alegre de se ver. Roupas de pedestres em sintonia com a vibração clássica do clube de jazz reforçaram esse sentimento. Os quadros finais também foram, com os dançarinos batendo palmas, dançando juntos, e cada um obtendo alguns momentos em uma cena solo e os créditos do nome. O título da obra em si está nesse tom e espírito: direto, afiado e acessível. O trabalho é exatamente o que o título nos diz que é.

lana jones

Em um bate-papo pós-performance, Roberts e o Diretor Artístico Robert Battle discutiram a inspiração e o contexto do trabalho. Roberts reconheceu o momento em que estamos e o contraste entre isso e o clima da peça. Ele vê isso como algo semelhante a coisas que fazemos para manter nosso ânimo e nos conectarmos com outras pessoas de maneira segura - andar de bicicleta e ir ao parque, por exemplo. Podemos atolar em tempos difíceis, encontrando alegria e criatividade juntos. A discussão exemplificou a compreensão mais profunda em torno das obras que essas conversas com coreógrafos podem trazer.

Testamento , coreografado por Associate ArtisticDirector Matthew Rushing em colaboração com Clifton Brown e Yusha-Marie Sorzano, foi uma peça para comemorar, homenagear e ver de uma nova lente o trabalho seminal de Ailey Revelações em seu 60^ºano de aniversário . Como Revelações , a obra centra a história de “transformar a dor em poder” e o ciclo do “lamento à esperança”, disse - numa conversa pós-performance com os três coreógrafos. Os três - “Team Testament”, conforme compartilharam alegremente no chat pós-performance - também discutiram como histórias compartilhadas e “provas tangíveis” são ideias centrais que moldaram o trabalho.

John Molner idade

Alvin Ailey American Dance Theatre em ‘Testament’ de Matthew Rushing, Clifton Brown e Yusha-Marie Sorzano em Wave Hill PGCC. Foto de Travis Magee.

A peça começou com as pessoas se movendo juntas e, com o sopro de uma mulher, uma vela brilhou. Com a chama morrendo momentos depois, havia imagens da dor e submissão de Black - aquelas que eram intensas de experimentar. A primeira seção do conjunto se seguiu, com os dançarinos em um palco vazio em uma formação estreita e linear. Havia uma paisagem sonora de água e vento, de uma tempestade no mar. Raios de luz brilharam, iluminando um palco escuro. A partitura cantava “Por que estou aqui? / O que é este lugar? / O que eu fiz para chegar aqui? ” Pensei imediatamente na Passagem do Meio, entre a África e as Américas - onde, sem dúvida, tudo começou.

O movimento tinha um alcance e um desespero, mas outras vezes um medo e um retraimento para dentro de si mesmo. Momentos de quietude e expressões em branco sinalizavam falta de esperança e resignação ao destino atual. Parte do vocabulário de movimento mais poderoso era o movimento uníssono lento, um simples levantamento de uma perna acima do quadril enquanto se deitava de lado.

A seção seguinte apresentou dois dançarinos, cada um sob um longo holofote. Havia um virtuosismo de alto nível em curvas profundas, extensões altas e curvas poderosas. No entanto, o que parecia mais significativo era o que não estava lá - a falta de conexão entre eles e a falta de movimento para fora dos espaços que seus holofotes iluminavam. Os tons eletrônicos simples da partitura aumentaram essa sensação do que estava faltando. Eles se moveram para frente e para trás, sinalizando ação, mas foram incapazes de quebrar essas barreiras e se conectar uns com os outros. Isso foi até um ponto notável, quando, pela primeira vez, eles se entreolharam - um momento que demorou e ressoou.

Imagens de opressão de negros voltaram a aparecer na tela, e depois de resistência contra essa opressão: de MLK Jr., cartazes de protesto e união contra táticas de intimidação. Em seguida, veio uma seção emocionante de dançarinos se movendo juntos com poder, convicção e propósito - literalmente avançando juntos. Os ângulos no movimento transmitiam força, enquanto as curvas ilustravam a adaptabilidade e a complexidade. “Estou aqui / sou digno”, cantava a música - e tudo sobre a presença dos dançarinos falava essa verdade.

A próxima seção foi um solo para realmente mexer com o coração - uma mulher dançando em seu poder, mas com agitação e problemas em seu corpo e alma evidentes. O discurso na partitura falava de perturbação emocional e solidão naquele lugar instável. Essas palavras me lembraram que, enquanto falamos e dançamos sobre a liberação, a saúde mental não é um aspecto a ser esquecido.

Dançarinos circulavam ao redor dela, como se em apoio e proteção, e o discurso mudou para ser sobre estar em seu poder e avançar na clareza de suas convicções. Piscando na tela estavam fotos de líderes e visionários negros - de Frederick Douglass a Harriet Tubman, de Rosa Parks, de Malcolm X a James Baldwin. Finalmente, vimos Michelle e Barack Obama, bem como o vice-presidente eleito Kamala Harris. Meu coração não pôde deixar de pular.

A cena mudou para ao ar livre, com um grande grupo dançando, mais uma vez. O movimento desta vez foi mais suave, mais leve e mais alegre do que na primeira seção do conjunto. Era como se eles não tivessem mais que empurrar e lutar e provar que podiam apenas estar . Gestos se fundiram em novos gestos, espinhas onduladas e energia irradiada de seu centro para além de suas cinesferas.

No entanto, o que é incerto permaneceu. A dançarina principal viu outra mulher com um lenço na cabeça e caminhou em sua direção, enquanto as outras dançarinas continuavam se movendo - estava de volta à cena inicial. Pensei em como o peso da história não pode ser totalmente eliminado - o que foi perdido, e o que poderia ter sido, nunca será totalmente recuperado. Por outro lado, o legado e a força de quem veio antes é algo que também permanece conosco.

Em tempos difíceis, lembretes de verdades como essa - por meio da arte - podem significar mais do que nunca. Essas obras pareciam ter sido moldadas por essa época e também ofereciam algo essencial para quem vive nessa época. de esses tempos e para esses tempos. Curiosamente, a arte de e para um determinado tempo pode ser aquela que ressoa através dos tempos. Eu realmente acredito que essas obras, e a maior temporada em que foram apresentadas, serão lembradas pelo que ofereceram, quando o fizeram - uma coisa especial e louvável, de fato.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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