'Dance +'. Foto de Anna Hull. 27 de setembro de 2019.
Center for Performance Research, Brooklyn, NY.
Um artista de dança astuto que entrevistei uma vez discutiu a criação de “pontos de acesso empáticos” para todos os tipos de membros do público - coisas e maneiras de apresentá-las, com as quais qualquer um pode encontrar um ponto de relação. Amanda + James’s Dance + utilizou movimento, fala, música e elementos teatrais para oferecer aos membros da audiência esses pontos de acesso. Esse acesso era a emoções variadas, algumas delas profundas, pessoais e difíceis, mas era apresentado de uma forma universal, e não isolada. Criar e atuar com abertura à vulnerabilidade pessoal parecia estar na raiz desse compartilhamento desimpedido. Amanda + James é um “ambiente aberto para colaboração interdisciplinar [e] gerando conversas entre artistas em ascensão na maior variedade possível de disciplinas artísticas, encorajando perspectivas multifacetadas em todo o processo criativo”.
No meu lugar , coreografado e executado por Kristi Cole, deu o tom para este compartilhamento vulnerável. Ela começou a se sentar em uma lona de plástico, movendo-se para frente e para trás em seu torso, transmitindo desconforto. A escolha do plástico me fez pensar na artificialidade - significativamente, aparentemente, não na artista, mas em seu ambiente. Cole estava iluminado, mas não tão intensamente, contribuindo para uma atmosfera misteriosa e sinistra. Ela usava branco e off-white, algo com múltiplas possibilidades de interpretação - pureza ou uma lousa em branco aberta para o recheio, por exemplo. Ela estendeu as pernas, mas permaneceu abaixada, movendo-se ao redor da lona quadrada em um padrão quadrado - ágil e decidido, mas ainda inquieto.
Ao lado dela estava um balde de água, e ela mergulhou toda a cabeça, ofegando ao puxá-la para fora, jogando o cabelo molhado para trás.
bryton myler
Em suas notas de programa, Cole referiu 'usar sua experiência como uma mulher queer para investigar fisicamente ... o desejo humano universal de ocupar espaço igual e, portanto, igual valor no mundo.' A sensação física envolvida com a cabeça mergulhada na água - cercado, incapaz de respirar, em pânico - alinha-se com este sentimento de ter que questionar quanto espaço é permitido ocupar no mundo, pode haver uma ansiedade primordial, baseada no corpo com medo pelo bem-estar - e mesmo pela existência - em tal condição de marginalização. Cole tangibilizou esse sentimento, na performance do movimento, de maneira bastante visceral e memorável.
Logo Cole se levantou e se moveu pela sala - em um caminho suavemente circular, evocando uma sensação de harmonia. No entanto, seu movimento, em um nível cinesférico (corporal), ainda evidenciava algo instável. Essa combinação de qualidades me fez pensar em quantas pessoas no mundo parecem estar bem ajustadas e funcionando bem, mas em suas mentes e / ou em seus momentos mais pessoais estão sofrendo e lutando. Locomovendo-se pelo espaço do palco, Cole executou movimentos virtuosos, como um salto poderoso e uma virada de barril impressionante, que me fez querer ver mais do que era claro que seu corpo poderia fazer. No entanto, eu também estava ciente de que mais proezas extravagantes poderiam prejudicar a emoção poderosa e a mensagem que Cole tinha para compartilhar.
A pontuação, “Memory Board” de Rachel, mudou para “Our Day Will Come” de Amy Winehouse. Cole se movia com mais força e um novo sentimento de confiança - mas, ainda assim, com um ar de agitação. A música acabou e ela voltou para a lona de plástico. Ela começou a chorar, a berrar até, a cabeça nas mãos. Esta escolha pareceu uma reversão aguda da norma de resolução de 'final feliz' na arte narrativa - uma convicção e afirmação de que às vezes as coisas simplesmente não acabam bem.
Essa ousada verdade não é necessariamente fácil para qualquer membro do público experimentar, especialmente para aqueles que passaram por graves problemas de saúde mental ou têm entes queridos próximos que sofreram. Eu me perguntei se um aviso de gatilho estava em ordem. No entanto, vindo de um lugar de privilégio heteronormativo, também chego a essa questão com humildade, um desejo de ouvir e deferência a Cole como um artista autônomo. Eu aprecio profundamente sua formação de arte permitindo-nos entrar em seu mundo e suas lutas, com tal abertura para ser vulnerável.
Wiki de Scott Rogowsky
Em seguida (antes do intervalo) veio o NeurHOTics ' MELHORAR , uma obra repleta de leveza, humor teatral e também a vulnerabilidade de compartilhar uma dor mais profunda. A dupla, Sara Campia e Abby Price, “investigam onde a ansiedade paralisante encontra o comportamento sexual desnecessário”. Eles brincavam, trocavam e limpavam os adereços e áreas molhadas do trabalho de Cole. Eles usavam trajes um tanto reveladores, mas nada desagradável - estômagos expostos e shorts curtos. Seus trajes pareciam alinhados com seus personagens humorísticos e o foco de sua empresa.
De repente, eles perceberam que era sua hora de se apresentar, embora eles não 'tivessem tempo para praticar ... mas ok, podemos fazer isso, somos profissionais' - a ansiedade em suas vozes e corpos ainda é aparente, no entanto. Era um tipo de ansiedade que pode causar risos, e o público riu junto. Surgiram músicas do tipo “Pump-up”, “pop” e eles dançaram. Foi torcida / pom, dança estilo competição, executada de uma forma que fez o público rir ainda mais. Eles chutaram alto, giraram os quadris e viraram com uma preparação evidente (trazendo um pouco do humor específico do dançarino, algo “meta”, se preferir). Foi tudo intencionalmente e efetivamente bem-humorado - mesmo quando a insegurança e a ansiedade mais profundas eram evidentes.
O que pareceu eficaz nesta abordagem foi uma embalagem agradável de algo mais difícil de aceitar, mas mesmo assim uma ilustração importante. Logo um trouxe um bolo - sim, um bolo comestível de verdade - e ofereceu pedaços ao público (“alguém quer bolo?”). Esta seção promoveu essa abordagem de uma apresentação agradável de algo mais difícil e mais profundo. Os membros do público riram mais do que aceitar as peças.
Stachio Rachelle
Houve uma “quebra da quarta parede”, um envolvimento direto com os membros do público, aqui - além disso, um que desafiou o decoro tradicional e as normas em torno da etiqueta do público. (“Podemos aceitar um pouco de bolo? Podemos comer aqui? Eles estão realmente distribuindo bolo?”, Alguns membros do público provavelmente se perguntaram.) Em resposta, eles ficaram tristes, dizendo “ninguém quer bolo” e fingindo chorando (tudo entregue com humor).
A insegurança social aqui era clara e comovente, mesmo que proferida de uma forma que trouxe risadas de todo o público. A abertura à vulnerabilidade na raiz deste compartilhamento também foi evidente, e algo que considero louvável. Para terminar, eles enfiaram bolo na cara deles e jogaram um no outro - luta de comida! O forte contraste com a peça anterior, o solo de Cole, era intrigante, pois as obras estavam cheias de vulnerabilidade e profundidade, mas foram entregues de forma diferente (em termos de humor, atmosfera, ritmo e estética). Cada um tinha seu próprio valor, enraizado no compartilhamento emocional vulnerável.
Amanda Hameline's 26 de junho de 2009 fechou a noite, um trabalho comovente usando movimento, fala e música para mergulhar em lutas contra transtornos alimentares, imagem corporal e imagem pública. Para começar, Hameline caminhou de salto alto, shorts curtos e barriga à mostra - evidenciando um alto nível de confiança na imagem corporal. No entanto, mais tarde, agachar-se, esconder-se e tentar fazer com que as roupas sobressalentes a cobrissem mais, desmentia essa confiança. O texto que ela falou descreveu bulimia e respostas (de partir o coração) imprudentes ao seu comportamento (presumivelmente de um amigo ou membro da família), bem como memórias do tratamento do transtorno alimentar.
A performance, como o trabalho de Cole, não adoçou algo difícil - mas talvez 'adoçar' (talvez com um bolo de verdade) possa fazer tudo cair mais fácil para alguns membros do público. De qualquer forma, a disposição de ser vulnerável é o que alimenta esse compartilhamento honesto. Esses artistas tinham isso, além da capacidade de moldar o que apresentavam em algo esteticamente agradável ou atraente. Conceito, atitude certa e facilidade técnica - a grande arte leva tudo. Estava tudo em exibição nesta edição da Amanda + James’s Dance + .
marquese scott sem parar
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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