New Works Festival do New York City Ballet: A energia do espaço

27 a 31 de outubro de 2020.
Streaming online, filmado no Lincoln Center Plaza e outros sites na cidade de Nova York.

Lincoln Center: há uma magia que paira no ar, sobre fontes fluindo e piscinas refletindo os prédios grandiosos e opulentos atrás deles. Como um amante apaixonado da dança, gosto de pensar que as apresentações que acontecem nesses edifícios - indiscutivelmente, o pináculo da dança e outras artes performáticas na nação, e talvez até mesmo no mundo - mexem e circulam essa magia. Afastando-se do Columbus Circle de Manhattan por um momento: com exceção da dança site-specific, a forma de arte não é tanto sobre o espaço onde é dançado, mas sobre movimento, outros elementos estéticos (traje, iluminação e música) e como essas mídias se unem.

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No entanto, há uma mágica para um espaço de teatro dentro e fora do edifício, pode-se sentir um zumbido energético de apresentações passadas e futuras. O New York City Ballet (NYCB) não pode dançar no Lincoln Center devido ao COVID-19. Por meio do New Works Festival na temporada digital de outono de 2020, no entanto, a empresa explorou e homenageou a magia daquele espaço - e, além disso, da cidade de Nova York em geral.

Mira Nadon de NYCB na ‘pixelização em uma onda (dentro dos fios) de Sidra Bell. Foto de Erin Baiano.

Bell Cider 'S pixelização em uma onda (dentro dos fios) tinha um movimento altamente arquitetônico: ora angulares, ora formas multilineares pausadas, em ritmo staccato. Essas formas posturais eram claras e ressonantes. Os dançarinos conseguiram fluir através deles, ao invés de deixar seu movimento ficar estático dentro das formas - de forma impressionante. A música, composta pelo pai de Bell, Dennis Bell, teve suspensão nas notas que apoiaram essas qualidades de movimento. Os trajes em preto e branco tinham cortes e formas intrigantes, oferecendo intriga estética e também apoiando essas qualidades de movimento.

Refletindo sobre essa qualidade, pensei no título altamente poético “pixelação em onda” que uma onda flui, mas como um pixel em uma imagem digital, suas gotas de água individuais são distintas. Os corpos dos dançarinos pareciam refletir a arquitetura do Lincoln Center Plaza ao seu redor, incorporando o inanimado para torná-lo animado. Isso me levou a pensar comigo mesmo, sem gente, o que resta de uma cidade? Conforme as pessoas permanecem por dentro através do COVID, o que resta para energizá-lo e caracterizá-lo?

Nesse tom, a partitura tinha uma qualidade lúgubre, como na suspensão das notas. À medida que os dançarinos se distanciavam no espaço (além de um par de parceria, que presumi ser seguro para o COVID, pois esses dançarinos já moravam juntos ou testando rapidamente), pensei em passar por grandes edifícios onde eventos grandiosos aconteciam uma vez, e sentir uma tristeza de fazendo isso. Dançar fora do prédio parecia simbolizar essa condição em sua própria maneira, mas ao mesmo tempo uma resiliência se não pudermos dançar no palco na frente de um público, todos juntos no espaço, então ainda vamos dançar do lado de fora. Nada pode nos impedir de nos mover.

Russell Janzen de NYCB em ‘Solo for Russell / Sites 1-5’ de Pam Tanowitz. Foto de Jon Chema.

Pam Tanowitz coreografou um solo para o Diretor Russel Janzen da NYCB para o New Works Festival, Solo para Russell - Sites 1-5 . Ele dançou às vezes em um traje branco com uma faixa azul e amarela, e às vezes com aquecimento sobre isso - abstrato e altamente arquitetônico em design, assim como grande parte do movimento. Quando não era abstrato e arquitetônico, muito do que era comum: passos simples, gestos e olhares. Nessas horas, eu pensava em um único ser humano em um grande espaço, estruturas altas e expansivas elevando-se sobre ele.

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Pensei na pequenez dos humanos na grandeza do universo, mesmo com todo o potencial mental e emocional e o alcance que contemos. Os elementos práticos e humanos brutos também se manifestaram na maneira como Janzen trouxe Marley ao redor do espaço com ele - a visão dos “bastidores”, por assim dizer. Essa qualidade muito humana também estava presente quando ele estendia uma perna para trás em arabesco ou a dobrava alongando para frente - mas quando ele dançava algo mais técnico, a presença do dançarino personificando seu ofício ganhava uma nova energia.

Ver Janzen em aquecimento e depois com o traje completo, em quadros diferentes e editado propositadamente para se sentir delineado (parecia mesmo), parecia uma separação filosófica entre o dançarino e a dança, a arte e o artista. Minha mente poderia ficar pensando nisso por muito tempo! Fotos em close de pés, pernas e expressões faciais de Janzen adicionaram intriga visual a esse interesse intelectual.

New York City Ballet na ‘nova canção’ de Andrea Miller. Foto de Jon Chema.

Andrea Miller's nova música foi a experiência mais agradável para mim como espectador até agora no festival. O movimento tinha um virtuosismo, um arabesco crescente, como a asa de um pássaro estalando para trás, curvando-se para trás e girando sem o menor momento de instabilidade ou tensão fez meu queixo cair genuinamente. Ainda, havia também uma flexibilidade e facilidade, uma liberdade de movimento na coluna e nos quadris, alinhando-se lindamente com a música latina e inflexões nos figurinos - como vermelhos e pretos, colarinhos altos, cortes longos e justos. A arquitetura do espaço também tinha um lindo paralelo com o movimento - a arquitetura do corpo na técnica virtuosística e sólida como a rocha, bem como nas formações de losangos, retângulos e círculos. Nesse caso, a necessidade de segurança para ficar distante talvez tenha contribuído para uma arquitetura impressionante e memorável dos humanos no espaço.

Também prescientes foram seções dos dançarinos movendo-se através da água - capazes de enxaguar, limpar e fornecer para toda a vida na terra. Combinado com o anseio e o senso de resiliência da partitura, o trabalho de Miller atingiu algo elementar sobre ser humano. Mesmo quando não estamos em contato físico, estamos juntos em uma arquitetura de espaço e energia. Além disso, o trabalho foi esteticamente cativante. Isso atraiu tudo de mim - corpo, mente, coração e espírito.

Victor Abreu de NYCB no ‘Water Rite’ de Jamar Roberts. Foto de Erin Baiano.

Em Jamar Roberts ' Rito da Água , O dançarino do Corpo de Balé de NYCB, Victor Abreu, moveu-se em um corpo d'água, o mesmo que no trabalho de Miller (estreado na noite anterior). A música era staccato com uma força motriz dramática, e o movimento de Abreu seguiu o exemplo - angular, staccato e rápido.

A qualidade do movimento de Abreu, com uma adorável sensação de linha e sustentação, mas também com uma liberdade contemporânea através das articulações e uma facilidade de se mover através de uma variedade de gestos e formas, me cativou. A liberdade e a qualidade elemental humana de dançar na água, ondulando e movendo-se atrás e ao redor de Abreu, também me envolveram. Ele estendeu um braço para cima e para cima enquanto caminhava na água, mergulhou-o e, após uma batida, atingiu aquele braço para trás para fazer um respingo. Algumas contagens depois, ele estava se virando, investindo e rolando pela espinha. Eu estava completamente absorto em tudo isso.

Talvez a parte mais fascinante do trabalho tenha sido a câmera panorâmica no final e a cena incluindo os músicos, com seus instrumentos, direto na água. Foi impressionante perceber que eles estiveram lá o tempo todo, e isso abriu um elemento de criação do trabalho, mostrando-nos as pessoas que criaram esse elemento. Indiscutivelmente, quanto mais vemos e aprendemos sobre como uma obra é criada, mais compreensão e apreço por ela podemos ter.

Taylor Stanley, da NYCB, em ‘Thank You, New York’ de Justin Peck. Foto de Jody Lee Lipes.

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O trabalho final do festival foi de Justin Peck Obrigado, nova iorque . Tudo começou com dançarinos olhando as cenas da cidade, compartilhando o que isso significa para eles. Suas roupas eram triviais, e eu senti como se estivesse em contato com a humanidade crua desses dançarinos - pelo menos parte dela. Então eles dançaram - em um parque, em um armazém, em um beco, em um telhado, cada solo em seu próprio espaço. Eles se moveram rapidamente, dando um novo significado ao allegro.

A velocidade transmitia uma paixão profunda - a paixão profunda desses dançarinos pela cidade e pelo trabalho de dança que eles fazem nela. Tinha a qualidade de dançar sozinho em um quarto (como muitos de nós fazíamos quando adolescentes), mas aquela dança era o auge do virtuosismo e da arte do balé. Os locais também ofereciam muito da beleza única de Nova York - de pores-do-sol infinitamente expansivos a becos e armazéns coloridos e arenosos.

“Obrigado, Nova York, posso ter outra dança com você,” o cantor da partitura pop cantou. Parecia que essas palavras vinham diretamente do coração desses dançarinos. Obrigado, NYCB, por mudar de rumo para que o público pudesse conhecer novos trabalhos de artistas de dança de primeira linha. Obrigado por encontrar o momento, por permitir que esta forma de arte esteja realmente em constante evolução. Obrigado aos espaços em que dançamos, por manter a nós e nossa energia. Não poderíamos fazer isso sem você.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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