Maya Beiser e Wendy Whelan em 'The Day'. Foto de Nils Schlebusch. The Joyce Theatre, New York, NY.
22 de outubro de 2019.
Existe algo sobre quando os mestres se reúnem - suas experiências combinadas se transformando em algo mais do que a soma de suas partes. Havia algo particularmente impressionante, e de uma forma inesperada, sobre a reunião de mestres que foi O dia no The Joyce Theatre - dançado por Wendy Whelan, coreografado por Lucinda Childs e acompanhado ao violoncelo por Maya Beiser. David Lang compôs as duas partituras principais da obra. A universalidade do tema pode oferecer um ponto de relação e conexão para qualquer membro da audiência presente. Embora com muitas nuances estilísticas, uma redução dos elementos estéticos permitiu que este tema universal assumisse a liderança e fosse o foco.
Os mestres reunidos poderiam facilmente deixar o virtuosismo extremo - que pode vir a parecer alienante e erudito, embora impressionante - tomar o centro do palco. O que aconteceu neste show foi, com louvor, o virtuosismo oposto era evidente em uma simplicidade elegante, com o potencial de ser verdadeiramente agradável e significativo para todos os presentes. Uma estética austera ficou clara com a subida da cortina - um violoncelista tocando notas longas e emocionantes e a imagem de Whelan aparecendo em um pano de fundo.
“Lembro-me do dia”, disse ela, continuando com as descrições de ocorrências e epifanias comuns da vida: “Decidi fazer uma mudança no meu estilo de vida”, “Decidi mudar para lá”, “Decidi que a dor que estava a colocar sobre mim era totalmente opcional. ” Essas declarações foram formuladas de maneira simples e direta, mas evocativas por meio das emoções poderosas que experimentamos ao vivenciar esses acontecimentos da vida. Aparentemente, a autenticidade aqui reside em parte em um método de buscar conclusões da declaração: 'Lembro-me do dia em que ...' de membros do público em geral, pela internet - como Beiser (também o diretor de criação) explicou nas notas do programa.
Embora essas declarações derivassem de experiências de pessoas individuais, a comunalidade dessas experiências também parecia significativa, o que parecia estar em exibição aqui era o poder simultâneo da linguagem e sua incapacidade de captar verdadeiramente a gravidade dos eventos da vida e epifanias como essas. Provocando esse contraste, as cordas desceram para formar um quadrado (Scenic Design de Sara Brown). Uma geometria de palco limpa e simples também estava em oposição direta ao peso do que estava sendo dito.
Whelan entrou e começou a se mover - com graça, mas assertividade, poder, mas uma rendição dentro da maleabilidade. Em uma túnica branca simples (Costume Design de Karen Young), ela encarna essa dualidade, essa tensão de opostos inerentes coexistindo. Dançando com uma vara comprida, segurando-a entre as duas mãos, ela parecia encontrar liberdade na restrição que ela colocava sobre ela. Ela dançou outra frase de movimento em uma cadeira, abrindo as pernas para uma estocada enquanto estava sentada e olhando para cima, braços e peito erguidos para seguir seu olhar. Aqui, havia uma assertividade em se posicionar - em vez de parecer mais transitória em outros pontos.
O tempo todo, os tons profundos do violoncelo de Beiser continuaram, algumas notas ainda longas, mas mais staccato também entrando. Atrás deles, ambas eram imagens projetadas de uma estação de trem movimentada, pessoas todas juntas no espaço, mas em suas próprias experiências do mundo. A firmeza de Whelan contrastava com sua locomoção.
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As declarações continuaram, passando a estar em agrupamentos do início da declaração - “Eu descobri”, “Eu ouvi”, “Eu peguei”, “Eu perdi”. Havia uma ação direta e direta nessas declarações, em tensão com o profundo significado emocional dos eventos que descreveram.
As falas começaram a ganhar cada vez mais peso emocional - “Fui diagnosticado”, “Mandei a minha carta de demissão”. Os adereços também ficaram maiores, Whelan puxou duas grandes cordas, aparentemente puxadas de sua outra extremidade fora do palco, dobrando-se profundamente e apoiando-se em pernas fortes. Aqui, pensei sobre o peso e a persistência das forças que podem puxar uma pessoa na vida. A forma como esse conceito se tornou tangível por meio de adereços e movimento foi impressionante e memorável.
A aposta estética e conceitual continuou subindo, os riscos e ousadia aumentando. Logo, entretanto, essa energia crescente diminuiria. As luzes se apagaram e brilharam através das vidraças iluminadas por trás. Pensei nisso como uma “noite” para “o dia” - reforçando a natureza cíclica da vida, bem como seu equilíbrio yin / yang entre inúmeros opostos. As luzes voltaram, percebi que Whelan e Beiser haviam trocado de lugar - Beiser agora à esquerda do palco e Whelan na estrutura elevada, uma inclinação em sua frente. Algo sobre essa mudança me falou da universalidade das experiências descritas no show.
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A seção a seguir carecia da narração que a primeira seção tinha e, portanto, para mim parecia menos comovente e significativa do que a seção anterior, as palavras e o movimento juntos se juntaram para ter uma ressonância bastante significativa. No entanto, o vocabulário de movimento de Childs era mais nuançado, impactante e virtuosístico aqui. Whelan inclinou o corpo, saltou, rolou pela cunha, curvou-se profundamente para levantar em uma curva. A coreografia era dinâmica e atraente, e Whelan a dançou com sofisticação e emoção que evidenciaram seus anos de refinamento artístico.
Mais tarde, um grande lençol caiu, as sombras que lançava fantasmagóricas e misteriosas. Whelan se envolveu nisso, uma escolha com território aparentemente ilimitado para interpretação. Essa multiplicidade dentro de algo específico ecoa a maneira como o trabalho se aprofundou na experiência comum, embora as pessoas vivam essas experiências de maneiras únicas. A projeção de folhas ondulantes, as luzes novamente apagadas, ofereceu um efeito meditativo que me levou a um espaço reflexivo nessa experiência compartilhada, mas individual.
Enquanto Whelan e Beiser se curvavam e os membros da platéia batiam palmas ruidosamente, pensei em como todas essas pessoas que batiam palmas - todas com suas próprias experiências de vida - viviam esse tipo de história em suas próprias maneiras únicas. Portanto, todos provavelmente tinham memórias e pensamentos diferentes em suas próprias mentes naquele momento. A arte pode ser uma força poderosa para nos conectar, mas também pode nos levar a nossos próprios pensamentos e perguntas. Isso faz parte de sua magia.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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