'Uma homenagem a Marian Anderson' da Dana Tai Soon Burgess Dance Company. Foto de Jeff Malet. Galeria Nacional de Retratos Smithsonian, Washington, D.C.
3 de fevereiro de 2020.
A resistência pode vir na forma de força silenciosa e graciosa - em persistência, desenvoltura e coragem. Portanto, pode haver harmonia e graça na luta contra a injustiça. Esses traços brilham na vida de Marian Anderson, alguém que eu não conhecia até conhecer essa performance. Ela foi a primeira grande cantora de ópera afro-americana a ganhar destaque neste país. A estrada não foi nada fácil, ela enfrentou um racismo incrível, a ponto de ter o acesso negado a vários locais de atuação. Ela nunca deixou isso atrapalhar a maneira de fazer o que amava e compartilhar seu talento, no entanto.
Por exemplo, quando proibida de se apresentar em um local de prestígio em Washington D.C., ela cantou nos degraus do Lincoln Memorial - 'My Country T'is of You', nada menos. O simbolismo aqui é impressionante e poderoso. A Dana Tai Soon Burgess Dance Company (DTSBDC) retratou isso, junto com a resistência graciosa e persistente de Anderson, com clareza e comando. O estilo de movimento característico de Burgess, uma forma lindamente liberada de dança clássica moderna - junto com a construção de uma atmosfera clara e evocativa - tudo ajudou a construir esse retrato.
A empresa sediada em Washington D.C. missão é 'criar e executar novas coreografias de dança moderna que exploram histórias pessoais e culturais ... [que] iluminam as experiências básicas, necessidades e aspirações que são partes integrantes da vida de todos.' Burgess é o primeiro do Smithsonian Coreógrafo em residência . Ele criou este trabalho como uma resposta à exposição na National Portrait Gallery em homenagem a Anderson, “One Life: Marian Anderson” (2019, com curadoria de Leslie Urena).
‘A Tribute to Marian Anderson’, da Dana Tai Soon Burgess Dance Company. Foto de Jeff Malet.
Um sentimento de harmonia, equilíbrio e deferência ficou evidente desde o início, uma imagem em preto e branco de Anderson em um lindo vestido preto longo preencheu o palco como uma predefinição. Uma cantora, Millicent Scarlett, entrou. Sua voz estava cheia e profundamente ressonante, oferecendo 'My Country T’is of You'. Jeffrey Watson a acompanhou ao piano. Dançarinos circulavam ao redor dela, movendo-se em cânone. Alguns caminharam com presença e alguns dançaram passos mais técnicos, acrescentando um elemento de oposição para tornar o sentimento harmônico mais dinâmico. As composições de Brahms os acompanhavam enquanto dançavam.
Os dançarinos logo formaram pares para movimentos mais inspirados no salão de baile e filmes clássicos de dança moderna, todos memoráveis. Uma mulher avançou e um parceiro pegou um arabasque atrás dela, criando imagens feministas que aqueceram meu coração. Uma elevação sobre o quadril em uma curva tornou-se abaixamento de braços, as mãos do par se encontrando lentamente. Um momento técnico mudou para um satisfatoriamente claro e simples aqui, um de postura e deferência.
Essa sequência voltou em determinados pontos, tornando-se fundamento em sua repetição. Esta sequência, e outras frases de movimento repetidas na coreografia, não se tornaram obsoletas porque as nuances dentro delas eram novas a cada vez. Essa abordagem também criou uma personificação da ponte e da repetição do refrão na música, todos relacionados ao assunto em questão, a meu ver - persistência, coragem e uma força silenciosa.
Um dueto estreitou a experiência retratada de um grupo à de duas pessoas. Posteriormente, o movimento pareceu mais profundo e abertamente relacional. Seguiu-se um trio de mulheres, mais suaves e femininas na qualidade do movimento. Uma imagem adorável de braços envolvendo os dançarinos em fila era esteticamente agradável, além de oferecer uma sensação reconfortante de apoio e conexão.
Um dueto a seguir que mergulhou no lado mais tumultuoso do romance, ao que parecia. Aterrar profundamente em lonas foi como tomar uma posição em relação à vontade. Aproximar-se e afastar-se um do outro no espaço parecia semelhante. Isso me fez imaginar o que mais daquele aterramento profundo poderia ter trazido outras partes do trabalho - a energia em mãos era bastante vertical e se elevou por meio de grande parte dele. Certo, aquela qualidade elevada parecia parte do que construía aquele senso de força digna e silenciosa que apareceu.
Mais tarde no trabalho houve uma pausa no canto, talvez pudesse ter trazido um contraste efetivo se também feito mais cedo no trabalho. Em outra nota auditiva, eu podia ouvir os pés dos dançarinos deslizando, tornando seu movimento suave de sobrecurva e subcurva mais visceral e agradavelmente experiencial para mim. Também me trouxe para o trabalho uma estética clássica e digna. A iluminação era de um cinza-amarelado simples, mas evocativo. Os trajes eram pretos e elegantemente cortados (por Sigrid Johannesdottir). Tudo isso criou algo que parecia uma foto em preto e branco em movimento.
As seções posteriores do grupo mudaram para algo como a abertura, o círculo e o movimento como uma valsa. Era mais expansivo e técnico, no entanto, com pernas cortando o ar em elevadores e ameias limpas nas laterais (estável e claro em vez de na altura da cabeça, qualidade valorizada acima da flexibilidade sobre-humana). Millicent voltou a cantar “My Country T’is of Thee”. Luzes baixaram em um quadro, os dançarinos voltando-se para a mesma imagem elegante de Anderson. Parecia uma homenagem convincente e maravilhosamente trabalhada a uma mulher que lidou com a injustiça e o preconceito com persistência, integridade e graça.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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