Boston Ballet no 'Stravinsky Violin Concerto' de George Balanchine © The George Balanchine Trust. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
17 de maio de 2018.
George Balanchine - indiscutivelmente o indivíduo mais responsável pela estética do balé americano. A influência de tão frequente reencenação de suas obras, bem como a do New York City Ballet e seu campo de treinamento, a School of American Ballet (onde esteve à frente por décadas), não pode ser exagerada.
Ele exigia muito de seus dançarinos 'Eu não quero pessoas que querem dançar ... Eu quero pessoas que precisam dançar', ele teria dito. Com uma consciência crescente da saúde e do bem-estar dos dançarinos, alguns apontam para Balanchine como também epidemias significativamente responsáveis por lesões e distúrbios alimentares, dados os precedentes que ele disse para a aparência física desejada e estilo de movimento.
Derek Dunn e Lia Cirio em 'Filho Pródigo' de George Balanchine © The George Balanchine Trust. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet.
No entanto, a visão de Balanchine também foi inovadora para a época. Seu trabalho de frase, tempo e formações são ousados, inventivos e convincentes. Seu trabalho, sem dúvida, trouxe muitos patrocinadores, financiadores e aspirantes a dançarinos para o campo. Vendo essas obras hoje, podemos manter essas duas coisas juntas em nossas cabeças ao mesmo tempo - que aspectos de seu legado são problemáticos e que suas realizações em geral eram louváveis. Com reencenações honestas e realizadas, Boston Ballet certamente ofereceu uma visão tão clara com Balanchine Clássico .
O show começou com Filho prodígio (1929), uma recontagem inventiva desta parábola cristã. As luzes se acenderam em um cenário pintado de casas e campos simples, todos com um toque bíblico antigo. Pantomima e movimento transmitiram o início da trama - um jovem (Derek Dunn) queria de seu pai o que lhe foi prometido, viajar e se aventurar por conta própria. Dunn executou uma sequência forte, mas suave, de saltos de veado e uma curva com a perna ativa a 45 graus. Esta frase foi repetida, reforçando a força de vontade deste personagem.
A próxima cena incluiu personagens com uma sensação animalesca. Eles deslizaram em plié de segunda posição profunda, então pularam para cima com os joelhos dobrados e os pés flexionados. Seus gestos eram ásperos e atraentes. Em seguida, entrou The Siren (Lia Cirio) - suave, imponente e cativante. Ela estava vestida de vermelho ardente da cabeça aos pés. O personagem de Dunn ficou paralisado. O uso de um lenço demonstrou a engenhosidade de Balanchine, ela o enrolou em uma perna e, com um dedo do pé estalado, segurou-o com força enquanto ela se virava e andava.
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Derek Dunn e o Boston Ballet em ‘Filho Pródigo’ de George Balanchine. © The George Balanchine Trust. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet.
Embora muitas das obras de Balanchine não tenham enredo, ele demonstrou astúcia metafórica aqui, esse aperto do lenço aludindo ao controle apertado que a sereia segurava sobre o personagem principal. O mesmo poderia ser dito do personagem em geral, uma personificação humana das tentações de agir para obter gratificação instantânea. A ação se intensificou quando os personagens da criatura roubaram tudo o que ele tinha, até mesmo a maioria de suas roupas. Ele estava em um holofote, quase nu.
Pareceu um momento de ajuste de contas. Ele simplesmente tinha que mudar seu estado atual. O personagem de Dunn voltou à propriedade de seu pai (o mesmo conjunto significando o retorno a este local). Como ocorre no conto bíblico, os servos o viram primeiro. O pai emergiu, e o personagem Filho Pródigo rastejou até ele, rastejando a seus pés em reverência e em busca de misericórdia. Ele se levantou, ajudado por seu pai. Ele pulou nos braços de seu pai, e a cortina caiu sobre o pai que o carregava.
Achei a ausência do segundo personagem irmão aqui intrigante, já que esse personagem representa muito da mensagem moral da parábola cristã. Essa ausência talvez tenha sido uma escolha sábia de Balanchine, para ajudar a evitar que o balé se tornasse uma pesada moralização cristã. Em suma, em movimento, estrutura e muito mais, esta reencenação do trabalho de Balanchine foi agradável e instigante.
O segundo trabalho, Concerto para violino de Stravinsky (1972), foi ainda mais “Balanchine clássico”. As ofertas de puro movimento substituíram o enredo como foco central. Os danseurs usavam tops brancos e leggings pretas, enquanto as bailarinas usavam collant pretos e meia-calça rosa. Duas bailarinas solistas usavam meia-calça preta, no entanto, significando seus papéis mais significativos. Os saltos rápidos eram nítidos, saltos elevados ajudando a manter a velocidade. Quadris levantados e outros ajustes não tradicionais alongaram e aumentaram as linhas.
John Lam e Kathleen Breen Combes no ‘Stravinsky Violin Concerto’ de George Balanchine. © The George Balanchine Trust. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet.
Por um lado, parte de mim está sempre preocupada com o desgaste nas articulações dos dançarinos que esse estilo neoclássico pode causar. Outra parte é continuamente fascinada pela engenhosidade das imagens de Balanchine. Nesta apresentação, também fiquei impressionado com a versatilidade dos dançarinos do Boston Ballet. Eles pareciam perfeitamente confortáveis nas nuances do estilo, como se estivessem dançando e treinando principalmente nele durante anos. O que quer que esta empresa dance, eles fazem isso 100 por cento - sem atalhos, sem lapsos, sem elos fracos na cadeia.
O trabalho começou com uma pitada de pós-modernismo - os dançarinos parados em uma linha, equilibrados, mas imóveis. Conforme os segundos passavam, era difícil não se perguntar quando eles começariam a dançar. Em um flash, eles ergueram os braços em forma de “V” para dar as mãos. A bailarina solo (com quatro dançarinos, dois de cada lado dela) ergueu-se na ponta da batente para a frente e, em seguida, executou outro movimento intrincado de pés.
A seção continuou a apresentá-la, os quatro danseurs atrás dela em apoio. “Balé é mulher”, afirma Balanchine. Particularmente memoráveis foram as mudanças rápidas de quadril e formas de atitude baixa, tornando-se acentos digeríveis para movimentos bastante rápidos. Uma seção seguinte inverteu a estrutura de gênero, com quatro bailarinas e um danseur. Assim como a primeira seção começou com uma implicação de unidade, eles entraram em uma longa fila de mãos dadas. Essa conexão ofereceu uma sensação reconfortante de jogo e alegria.
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Doisdois nãoseguiu esta seção. No primeiro, “Aria I”, Kathleen Breen Combes e John Lam foram ambos aterrados e leves. A coreografia foi intrigantemente salpicada com movimentos e floreios estilísticos de outras formas, como acrobacias com entrar e sair de uma forma de Wheel Pose e dança jazz com alcance acentuado de mãos de jazz. Em “Aria II”, Maria Baranova e Paul Craig executaram alguns movimentos virtuosos, mas também momentos mais suaves e lentos.
Misa Kuranaga e Patrick Yocum em ‘Chaconne’ de George Balanchine. © The George Balanchine Trust. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet.
Craig ofereceu-lhe um abraço gentil nos ombros e Baranova recostou-se nele - iniciando os torsos a rolar. Como é o caso de grande parte do movimento de Balanchine, tratava-se mais de nuances do que de tamanho. Conforme discutido, o quão fisicamente seguro é executar essa nuance, na velocidade pretendida de Balanchine, é uma conversa válida - isto é, se dançarinos com carreiras longas e saudáveis for uma prioridade. E eu acredito que deveria ser.
Uma seção de conjunto encerrou o trabalho, com passos rápidos e pequenos saltos oferecendo um toque refinado, mas folclórico. Tudo remontava a esse senso de conexão. O trabalho terminou com o conjunto voltado para fora com orgulho, a alegria do movimento elevando seus corações. A sensação era contagiante.
Chaconne terminou a noite, trazendo-me para seu mundo de sonho etéreo. Um esquema de cores em azul e branco, incluindo um fundo que lembra nuvens onduladas, ajudou a construir essa sensação. Isso combinado com a música alegre e sinuosa (de Christoph Willibald von Gluck, música de balé da ópera Orfeu e Eurídice , 1762), prevaleceu um sentimento espiritual. Foi como um pequeno vislumbre das representações tradicionais do céu. Pensei na seção do livro de Jennifer Homans Apollo Angels , quando ela discute como os dançarinos clássicos acreditavam que a dança poderia trazer os humanos para mais perto de Deus.
Boston Ballet em ‘Chaconne’ de George Balanchine. © The George Balanchine Trust. Foto de Liza Voll, cortesia do Boston Ballet.
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A coreografia foi um pouco mais lenta, com menos mudanças de quadril e saltos rápidos. No entanto, as assinaturas de Balanchine, como um quadril levantado para aumentar a altura de um arabesco e pés cruzando a perna encalhada em passe, ainda eram claras. Patrick Yocum executou um elegante bola. As linhas de Misa Kuranga eram claras e lindamente energizadas. O conjunto executou um movimento de movimento através da quarta posição, varrendo o braço dianteiro para baixo e para frente, para então bourree no espaço superior.
Outros momentos, como um círculo se reunindo no centro do palco para então se expandir em outra formação, foram maravilhosamente harmoniosos. Ainda assim, aquela intrigante assinatura de Balanchine - sem dúvida priorizando a forma e a linha sobre o que é harmonioso no corpo - permaneceu. Com trabalhos como o de Balanchine, aqueles que vivem muito além de seus criadores, vamos nos esforçar para honrar a conquista dentro deles, mas também criticá-los com sabedoria e discernimento.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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