David Hallberg em Pam Tanowitz e Jeremy Jacob em 'David'. Foto de Pam Tanowitz e Jeremy Jacob. 23 de novembro de 2020.
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Às vezes, a dança está na vanguarda da mudança e inovação social. Em outras ocasiões, francamente, vimos que ele ficou para trás. Às vezes, artistas e administradores têm lutado para equilibrar uma homenagem à tradição e deixar para trás partes dessa tradição que não nos servem mais. Às vezes, eles têm feito isso muito bem. Para ter uma mensagem e um significado que ressoe com o mundo em que está, a dança deve se mover com esse mundo. American Ballet Theatre (ABT) é uma empresa, entre outras, que está demonstrando um compromisso em seguir em frente com os tempos de rápida mudança.
É virtual O futuro começa hoje apresentou quatro estreias com visão de futuro de coreógrafos aclamados, bem como descreveu seu novo programa RISE - “Representation and Inclusion Sustain Excellence” - que visa impulsionar a empresa no que diz respeito e mantê-la responsável pelo trabalho de representação e inclusão na todos os níveis da empresa. Uma montagem que apresentou várias vozes na empresa ABT e funcionários detalhou quais etapas cada uma dessas pessoas tomará dentro deste programa - tornando tudo claro e tangível. As obras estreadas também demonstraram um alto nível de consciência do momento cultural. Foi um trabalho que poderia falar naquele momento e, portanto, tinha o potencial de oferecer tudo o que a dança pode para as pessoas que a vivenciam.
Carlos Gonzalez, Thomas Forster, Katherine Williams e Breanne Granlund no ‘Convivium’ de Gemma Bond. Foto por Matador Content.
A primeira estreia no programa foi Gemma Bond’s Partido. Em sua introdução à peça, Bond compartilhou que queria que fosse uma peça comemorativa, mas ela percebeu que não parecia apropriado neste momento de dificuldades para tantas pessoas - então a peça passou a ser sobre a experiência dos dançarinos durante desta vez. Esse tema transpareceu para mim na relativa quietude e solidão da peça. Uma peça instrumental parecia não ter mais do que dois instrumentos tocando ao mesmo tempo, e os quatro dançarinos podiam ser vistos como representando a totalidade de seu círculo social pessoal dentro desse tempo. Seções solo tiveram ainda mais agitação e turbulência, movimento rápido e dinâmico. Isso me trouxe à mente aqueles momentos em que dizemos que estamos bem para os outros, mas agonizamos dentro de nós mesmos ou revelamos nossas lutas internas apenas para aqueles que estão mais próximos de nós.
A gama tonal e estilística das seções que viriam depois complicou essa noção para mim, no entanto, em vez disso, Bond estava, ou também, pintando um quadro da complexidade de pensamentos e emoções através deste tempo totalmente imprevisível e desafiador. No geral, eu não identificaria o movimento como ondulações espinhais clássicas ou contemporâneas e a liberação para a gravidade eram marcadores de uma estética contemporânea, enquanto longas linhas desdobradas e elevações clássicas refletiam o classicismo. A estética evocativa também brilhou através do trabalho - uma qualidade cinza através do filme em preto e branco e fantasias em cinza, preto e branco - tornando o sentimento cinza dessa época em nosso mundo visual e, portanto, mais tangível.
A próxima estreia foi Christopher Rudd's Toque . Rudd revelou em sua introdução como é uma pintura explícita na dança do amor gay, com a qual muitas pessoas em nossa sociedade se consideram tolerantes, mas têm uma reação intolerante quando a veem na frente deles. Os dois dançarinos se apresentaram em um palco espartano - apenas Marley e a iluminação básica, uma triste partitura instrumental que os acompanhou. Às vezes dançavam com a sensação de um peso pesado, um peso igual ao da marginalização e do inédito.
Calvin Royal III e João Menegussi no ‘Touché’ de Christopher Rudd. Foto por Matador Content.
Elevadores e movimentos de transição entre eles eram surpreendentemente inovadores e memoráveis, seus corpos emaranhados e desembaraçados de maneiras totalmente inesperadas e nunca antes vistas. Rudd e os dançarinos pareciam ter organizado todas as manipulações disponíveis das leis físicas da terra para torná-las possíveis. A dança desacelerou e tornou-se ainda mais terna e íntima no final do trabalho. Nos braços um do outro, eles flutuaram e deslizaram. Tudo parecia possível pelo poder do amor.
Depois veio David por Pam Tanowitz e dançada pelo ex-Diretor da ABT David Hallberg. As escolhas de design de Tanowitz criaram uma atmosfera de elegância medieval, na casa de Hallberg e na estrutura na água - quando ele usava um traje listrado, refletindo os dos antigos cavaleiros. As fotos alternaram entre os dois locais, a iluminação brilhante e etérea em ambos. Em ambos, havia uma sensação de outro mundo. No entanto, o movimento de pedestres na estrutura da água e os atos cotidianos em sua casa fundamentavam-no no banal.
Havia também uma metaqualidade à medida que ele marcava física e mentalmente o movimento, e até víamos diagramas de trabalho coreográfico - todos muito intrigantes e fundamentados no cotidiano. Havia tensão entre a magia da performance e a existência da dançarina na vida real. O sobrenaturalismo também demonstrado em Hallberg como um motor, suas linhas eram longas e flexíveis e cada movimento tão fácil quanto respirar, o movimento também simples, mas ressonante. Ele também tinha uma humildade e graciosidade em sua presença que o fundamentou como um ser humano real. Essa dinâmica ressoou como outra tensão de opostos.
A metáfora de David como David , A escultura icônica de Michelangelo, também foi ressonante. O corpo de Hallberg era um recipiente para a arte magistral, a argila na qual Tanowitz deu vida, mas no filme também vimos Hallberg como totalmente humano. A certa altura, Hallberg estava olhando para uma fotografia de David em um livro de mesa de centro, movendo a metáfora quase explícita. Quando o trabalho terminou, questões filosóficas e práticas sobre a arte da dança, dançarinos e uma vida na dança surgiram em minha mente, mas meu espírito também simplesmente se alegrou com a arte oferecida.
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Betsy McBride e Jacob Clerico em ‘Luz Indestrutível’ de Darrell Grand Moultrie. Foto da Dancing Camera.
Darrell Grand Moultrie's Luz indestrutível encerrou a noite de estreias com um estrondo alegre e vibrante. As inflexões da música jazz e da dança do jazz criaram uma atmosfera alegre, parecia que seria impossível não sorrir e mover seu corpo um pouco enquanto assiste. Uma animada seção do grupo iniciou o trabalho. A formação de um círculo construiu um senso de continuidade e comunidade, de avançarmos juntos. Isso mudou para uma linha, que trouxe à mente algo mais apresentacional e confiante. As qualidades da dança jazz massageadas na técnica de balé clássico, como o movimento do quadril enquanto os pés se moviam em meia-ponta entre arabescos e piruetas, foi um efeito incrivelmente agradável - tanto visual quanto energeticamente.
Nos dias de hoje, também era incrível ver dançarinos em um palco, iluminados e espaçados em suas formações. Os figurinos, em cores escuras e cortes ousados, mas suaves, davam a sensação de um estilo clandestino modernizado dos anos 1920 - Chicago mas sem o raunch intencional. O trabalho de câmera foi tão divertido, criativo e tecnicamente sólido quanto dançar. A seção terminou com os dançarinos entrando e saindo dos bastidores e acenando enquanto se moviam, um toque que me lembrou que nunca somos velhos demais para brincar.
A seção seguinte de quatro dançarinos era mais sensual. Levei um minuto para perceber que eles estavam nos bastidores, contra uma parede verde escura longa e alta. O movimento jogou muito bem com a qualidade bidimensional da parede, eles estavam voltados diretamente para a frente ou para o lado enquanto rolavam os quadris, ondulavam as espinhas e se posicionavam juntos. Essa seção mudou para uma mais suave e lenta, começando com um solo e terminando em um dueto. A música e o movimento eram mais lentos e pensativos em qualidade, embora o movimento não fosse menos dinâmico e memorável.
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No geral, o alcance emocional da peça parecia verdadeiro, honesto e esteticamente satisfatório. O elenco completo veio para encerrar a seção, tão alegre e enérgico quanto eles começaram a peça. Sua luz era indestrutível de fato! Além disso, Moultrie apresentou a peça com um incentivo para que todos nós trabalhássemos juntos para a mudança. Seu trabalho reforçou a verdade de que não só é possível, mas pode ser bastante gratificante e Diversão para nós fazermos isso. A noite de estreias refletiu essa verdade que deixou claro que juntos, com consideração e comprometimento, podemos seguir em frente juntos - e pode ser um grande momento!
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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