Green Space, Queens, NY.
8 de fevereiro de 2020.
Às vezes, a arte justaposta com outra arte pode revelar o que toda essa arte realmente é. O contraste pode destacar e sublinhar. Isso é o que me veio à mente depois de ver a divisão de Annalee Traylor Dance e Project 44. Embora ambas as obras caíssem em um idioma artístico pós-moderno, as abordagens e qualidades dentro das duas obras divergiram. Para mim, esses contrastes eram mais intrigantes e iluminadores do que discordantes. Isso me lembrou quantos caminhos válidos existem para viajar dentro da arte da dança.
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O programa começou com Corra garoto, corra , uma metáfora estendida ousada e clara em movimento. Gierre J. Godley, diretor do Projeto 44, executou e coreografou a obra. Ele usava uma camisa branca simples e shorts mais escuros, encaixando em uma estética sobressalente - luz baixa, uma trilha sonora atmosférica, mas esparsa (de Gil Scott Heron). Uma lâmpada brilhou do outro lado do palco. Godley correu no lugar, às vezes diminuindo a velocidade, mas logo se movendo rapidamente novamente. A letra da partitura falava de frases como 'dar a eles uma corrida pelo seu dinheiro', destacando o lugar de locomoção em nossa língua. Também pensei em continuar correndo na vida, ter que lutar incansavelmente apenas para sobreviver neste clima cultural. As letras também apontavam para disparidades raciais, e me lembrei de como esse estado de constante corrida é ainda mais verdadeiro para pessoas de cor e outros povos sistematicamente oprimidos.
Uma segunda seção trouxe mais movimentos e gestos técnicos, para dentro e acima do piso. Godley ofereceu uma estabilidade garantida, uma qualidade despretensiosa, mesmo quando se movia com comando técnico e nuance. Para terminar, ele desligou a lâmpada e as luzes do palco também. Essa ação sinalizou autodeterminação - não importa o quanto ele tivesse que continuar correndo, algumas coisas fundamentais permaneceram sob seu controle. Essa escolha criativa para um final também parecia satisfatoriamente completa, um pacote cuidadosamente embrulhado e amarrado.
Em seguida veio Traylor's o brilho. Três mulheres se moviam um tanto roboticamente, quase como uma boneca - mas ainda com uma suavidade nas transições impedindo que fosse desagradavelmente rígido. O gesto se mesclou com fluidez com o movimento mais codificado para me manter intrigado e satisfeito. Eu me perguntei se essas eram mulheres tentando resistir ao que as estava mantendo naquela qualidade de boneca - um mistério que me puxou para dentro. Dois homens entraram e oportunidades para uma parceria inventiva se seguiram.
O movimento locomotor levou os dançarinos por várias formações geométricas e imagens em movimento pelo espaço - aquele desconforto rígido e fluidez harmoniosa ainda se misturando. Ele retratou um sistema dessas pessoas juntas em coexistência, como homens e mulheres - um microcosmo do mundo. Uma mensagem feminista certamente estava aqui para ser discernida, mas era sutil e cheia de nuances. Essas qualidades contrastam com a mensagem mais aberta da peça anterior, que também usou efeitos atmosféricos e técnicos mais do que movimento e encenação para expressar significado. Nenhuma das abordagens estava certa ou errada, definitivamente mais ou menos eficaz - eram apenas diferentes.
Traylor’s o blvd veio logo antes do intervalo e exibiu muitas das mesmas qualidades. Era um tanto clássico em movimento, mas inovador e ousado em outros elementos estéticos, o espaço entre esses elementos era maior do que em o brilho . Trajes pretos com cortes elegantes trouxeram um toque moderno e limpo. Iluminação baixa em tons de cinza e amarelos simples adicionados a essa estética limpa e moderna.
A parceria criativa, como na peça anterior, chamou minha atenção e falou sobre as conexões e divisões entre os motores. Um penchee tinha a parceira de uma dançarina girando rapidamente sua perna estendida em um pequeno círculo. Então, subir e dobrar trouxe movimento para novos planos e qualidades. Essa parceria, assim como entrar e sair de diferentes formações, criou uma tensão, mas também um magnetismo entre as pessoas no palco - como pode ser na vida. Essa tensão e magnetismo ficam evidentes no “the blvd”, espaços públicos onde se desenrolam histórias privadas. O final solidificou esse sentimento, como uma imagem final memorável - um abraço, no entanto, com agitação evidente.
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Após o intervalo veio Antes de falar de Flavien Esmieu e interpretado por Godley, Alex Clauss e Peter Cheng. O programa compartilhou como o trabalho 'foi desenvolvido em parte por meio da In Good Company, Iniciativa Coreógrafa Emergente do Projeto 44'. Vários solos e duetos ofereceram movimento inventivo, teatral e gestual o suficiente para construir personagens claros. Eles usavam trajes únicos, roupas de rua aparentemente escolhidas, pelo menos em parte, para exibir e abraçar a individualidade.
A iluminação era baixa, sombria e misteriosa. A partitura original, ATMO de Giulio Donat e Simone Donati, ajudaram a construir essa atmosfera sombria e misteriosa - ligeiramente atonal, investigativa e em camadas. O movimento mesclou vocabulários contemporâneos e hip-hop, mais uma vez, todos construindo individualidade de caráter. Por meio de espaçamento, formações e qualidades, Esmieu compensou e harmonizou esses três personagens individuais de maneiras que falavam de estarmos juntos e separados como humanos juntos em um espaço.
Tal como acontece com a peça de abertura, estética e cinestésica, parecia diferente das obras de Traylor. Ambos eram fortes e atraentes em seus próprios caminhos. Tudo isso ressaltou como há muitos caminhos claros e válidos para viajar na floresta profunda da arte da dança - um terreno ainda a ser descoberto.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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