dança mignolo. Foto de Andrew J. Mauney. Dixon Place, New York, NY.
23 de agosto de 2019.
Um alcance transmitindo saudade e perda, uma queda no chão transmitindo desespero e dança da desesperança pode mostrar significado como nenhuma outra forma de arte pode. Isso é, diretamente através de um corpo em movimento, ou corpos, no espaço. Demonstrar o conteúdo com clareza apenas pelo corpo não é tarefa fácil. Na verdade, pode levar anos aprendendo com a tentativa e erro, conhecendo a natureza da voz criativa autêntica e recorrendo a um sistema de suporte confiável.
Projeção, texto, música e outros elementos criativos podem apoiar essa transmissão de significado através do corpo. Essas interseções de movimento e outras mídias artísticas podem ser fascinantes e agradáveis por si mesmas. No entanto, o significado que vem apenas através do corpo é algo inteiramente próprio. Em conversa com amigos e coreógrafos após a recente divisão apresentada pelo Projeto de Dança Inclinada de Kristen Klein, INQUAD , Pensei profundamente sobre esses assuntos. Um show como este poderia fazer isso acontecer.
kamrDance Está tudo cuidado, coreografado por Alexis Robbins, abriu o show. A obra, dançada por Robbins e com a palavra falada por Sarah Robbins, foi uma combinação impressionante de fala e movimento. Antes que as luzes se acendessem, ouvimos uma mulher na platéia falar sobre o fim da vida de outra mulher. Quando as luzes se acenderam, elas também apareceram em uma dançarina no palco, andando para trás lentamente. Quando a voz do locutor começou a aumentar, a dançarina se virou para ficar de frente, passou o braço e levantou-se para relevé - uma mudança que chama a atenção. À medida que a intensidade do conteúdo falado aumentava, e com ele a qualidade da voz do locutor, o mesmo acontecia com a dança. Sarah falou poeticamente da exaustão que as mulheres enfrentam, algo que até as leva a uma morte anterior.
kamrDance. Foto de Andrew J. Mauney.
Alexis encontrou ritmos e intensidades diferentes em sua dança, continuando a trazer algo novo e inesperado. Sarah continuou a se aprofundar na ideia das demandas ao longo da vida envolvidas em ser mulher, que Alexis continuou a apresentar com poder, mas também com uma graça suave. Às vezes, o tempo de movimento e fala alinhado, e às vezes não. Essa variação trouxe mais do inesperado que me manteve compelido. Perto do final do trabalho, Alexis subiu em um andaime e - pela primeira vez - também falou. O palco estava vazio. Parecia um espaço aberto para nós, membros da audiência, ponderarmos sobre o conteúdo e o significado mais amplo por trás do que tínhamos acabado de ver e ouvir. Ponderar se minha mente disparou. Meu corpo foi tocado e capturado pelo poder do que acabei de ver.
A seguir veio os princípios de: parte 6 , um trabalho memorável da Lauren Beirne Dance Works e coreografado por Lauren Beirne. Movimento bruto, trajes evocativos e narração comovente demonstraram o poder das mulheres serem vulneráveis e desnudando seu verdadeiro eu. A narração descreveu primeiro como aprender a usar maquiagem, uma namorada insegura perguntando a uma outra pessoa querida: 'Você acha que eu sou bonita?', E outras ilustrações evocativas de pressões para se conformar aos padrões de beleza da sociedade. Junto com a narração, os dançarinos às vezes dançavam sozinhos e às vezes se relacionavam - de forma contenciosa, em apoio ou em harmonia uníssono. Isso parecia abranger como as mulheres geralmente se relacionam umas com as outras.
Dança de Lauren Beirne. Foto de Andrew J. Mauney.
Para terminar, todos os dançarinos ficaram em uma linha diagonal, de frente para os bastidores e de mãos dadas, enquanto uma dançarina partia em um solo - feroz, independente, mas também se movendo como se outra coisa a estivesse movendo. Ela voltou ao grupo e as luzes se apagaram em todo o grupo. Eu experimentei esse final como uma ilustração impactante do poder das mulheres juntas.
Você é ou não? , coreografado por Alexis Robbins em colaboração com Luiza Karnas, veio antes do intervalo. Foi outra mistura intrigante de fala e movimento - neste trabalho, sapateado, dança contemporânea e um pouco de teatro físico. As luzes se acenderam em um conjunto de caixas, empilhadas duas a duas. Dois pares de dedos começaram a rastejar como aranhas na caixa. As mãos então começaram a fazer batidas, seguidas por sapatos de sapateado (controlados pelas mesmas mãos) fazendo a mesma coisa. O tempo e a qualidade dessas ações foram bastante cômicos, e o público riu.
Luzes se acenderam no palco e finalmente vimos dois dançarinos completos, que se moveram até os tap boards. Eles bateram com o vocabulário clássico do sapateado, mas também com o lançamento e peso da dança moderna. Eles falaram frases significativas sobre a identidade, como “Eu sou sapateador ou sapateado?”, “O peso de saber quem você é” e “Não saber é um peso para você?”.
Embora eu não tenha visto a conexão entre este tema e o movimento (além da qualidade ponderada do movimento relacionada à ideia de peso e ser pesado), ambos individualmente foram satisfatórios de maneiras diferentes. O final atingiu um pouco mais de uma corda comigo, um dançarino disse: “Sim”, respondendo à pergunta: “Não saber é um peso para você?”. Algo na maneira como ela disse isso deixou espaço para mais reflexão e crescimento. O trabalho me deixou com o que pensar e o amante do movimento realizado em mim.
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dança mignolo. Foto de Andrew J. Mauney.
As irmãs Santagado da dança mignolo, duas das quatro coreógrafas apresentadas no programa, também ofereceram trabalhos memoráveis. Charly Santagado's O Paradoxo da Traduzibilidade foi outra obra de movimento definida para texto. O movimento em si era inventivo e agradável. Palavras comoventes, movimento marcante - de um modo geral, fiquei satisfeito. Eriel Santagado Estudo de Tradução No. 3 teve dança contemporânea definida para a pontuação do título. Foi uma interpretação esteticamente impressionante de música para movimento que normalmente não seria associada a ela. Sua facilidade, da flexibilidade da coluna à linha de suas extensões, me puxou e me manteve impressionado.
Projeto de dança inclinada pensamento de grupo foi um trabalho de fechamento estelar, um destaque no show. Conseguiu transmitir significado principalmente por meio do próprio movimento, algo que não é pouca coisa. As mudanças entre os solos, a coreografia de parceria e o trabalho em grupo foram cuidadosamente construídas, no sentido de transmitir a descrição do programa do trabalho - 'quando o conflito, a tomada de decisões, a conformidade e a dinâmica de grupo afetam a criatividade individual e o pensamento independente'.
A estrutura do grupo, de acordo e em oposição ao movimento de uma dançarina solo, reforçava essa ideia. Por exemplo, um grupo dançava em uníssono, espalhado pelo palco, enquanto um solista se movia entre eles dançando um vocabulário diferente. Logo ela se juntou ao grupo, porém, ele se fechando e ela não tendo mais espaço para se mover de forma independente. O mesmo aconteceu novamente com outra dançarina. Isso foi mais do que apenas uma ocorrência singular. Também aconteceu em certos pontos um efeito “dentro do grupo, fora do grupo” de diferentes grupos formando e dançando certas frases de movimento enquanto outros grupos dançavam outras. Ilustrado nessas ocorrências estava como, quer nascidos da inclusão ou exclusão, grupos de pessoas se formarão dentro de grupos maiores de pessoas.
Projeto Dança Inclinada. Foto de Andrew J. Mauney.
Os trajes e a iluminação eram simples, mas visualmente atraentes. Eles permitiram o foco no vocabulário de movimento habilmente construído e na estruturação da imagem do palco (como nas formações e como eles mudaram de um para o outro). Havia um caos organizado para tudo isso, assim como em uma comunidade - cheia de indivíduos autônomos que devem, no entanto, se conformar em algum nível.
Movimentos como flexões profundas com os joelhos para os lados (grand plié à la secondein ballet falam), estocadas longas e antebraços paralelos projetando-se para a frente do torso transmitiam força, assertividade e convicção dentro de cada um desses indivíduos - vivos apesar das pressões do corpo maior grupo. Ou, talvez, essas coisas permaneceram vivas por causa dessas pressões? Seja frango ou ovo, isso é um alimento convincente para o pensamento.
Klein e sua empresa conseguiram a tradução desse tema de conformidade e não conformidade, o grupo e o indivíduo - tudo sem narração, letra, discurso ou qualquer coisa do gênero. Trabalhos anteriores na peça fizeram isso com vários graus de eficácia e originalidade, mas no geral de forma louvável. Apenas por meio do movimento, no entanto - isso é um jogo totalmente diferente. Em um mundo que subestima e subutiliza consistentemente o poder do movimento do corpo humano, isso é realmente algo especial.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
