Tabula Rasa Dance Theatre em 'Inside Our Skins'. Foto de Jared Siskin / PMC. New York Live Arts, New York, NY.
15 de maio de 2019.
Fazer arte e apresentá-la ao público é arriscar. Requer coragem. Isso costuma ser ainda mais verdadeiro quando o trabalho se concentra em questões polêmicas no mundo e no discurso público. Artistas que apresentam esse tipo de trabalho costumam trazer à tona a consciência, comentando sobre os erros que veem no mundo e pressionando para que sejam tratados. Todas essas considerações estavam no ar no Tabula Rasa Dance Theatre Por dentro de nossas peles , centrado no encarceramento em massa e como ele promove uma história de injustiça socioeconômica e racial nesta nação.
A companhia de dança contemporânea sediada em Nova York, com o Diretor Artístico Felipe Escalante no comando, visa “desencadear uma explosão de produtividade artística e despertar social” e “acredita que a coreografia deve provocar emoções poderosas e às vezes perturbadoras”. Por dentro de nossas peles sentiu-se totalmente alinhado com ambos os pontos.
O segundo trabalho da noite, Inside Our Skins - - Para a senhora que busca a justiça , foi a carne principal do show (na qual esta revisão se concentrará). A primeira parte do título é derivada de uma linha do dramaturgo Tennessee Williams: 'Estamos todos condenados ao confinamento solitário dentro de nossas próprias peles, pelo resto da vida.' Pode-se traduzir aproximadamente a segunda metade do título do latim como “quem processa em nome da justiça”. É o lema do Departamento de Justiça do governo federal. Este título é em camadas e significativo, assim como eu veria o trabalho.
Seu início foi bastante convincente - os dançarinos lentamente se ergueram de um aglomerado, e a iluminação muito baixa tornou um pouco confuso para mim o que eu estava vendo. Eu me pergunto se o seu espectador médio conseguiria manter o ritmo de movimento do melado, ou se sua mente estaria viajando para outro lugar. Desenvolveu-se um círculo interno e externo, com movimentos suaves, mas pesados, evocando uma grande dificuldade.
Uma sirene soou quando duas dançarinas com máscaras de gás entraram e se moveram com gestos misteriosos. Uma dançarina ergueu-se em um holofote central enquanto outras abaixo delas se moviam em ondas ondulantes em suas juntas. O dançarino acima, apesar de estar acima dos outros, tinha peso em seus movimentos. O peso das dificuldades era evidente. Somando-se a essa sensação de sofrimento, os trajes de verde / cinza com desfiados esfarrapados também transmitiam aquela sensação de carregar algo pesado (mais inventivo do que os macacões de prisão estereotipados teriam sido).
Depois dessa seção, os dançarinos subiram mais alto para executar um vocabulário de movimento incrivelmente belo em um círculo de linhas longas de pernas estendendo-se para trás, através do topo da cabeça, mudando para uma curva aterrada e depois para uma mais alta. Havia uma sensação de confinamento forçado e mesmice nesse movimento e estrutura. A trilha clássica arrebatadora e dramática se encaixa bem nesse sentido.
Esta seção circular mudou para outra de dançarinos voltados para trás e o ciclo ficou azul. Um solista apareceu, vestindo um macacão branco (uma cor de luz e pureza), movendo-se com mais esperança. No entanto, havia uma sensação de controle e rigidez em seu comportamento e qualidade de movimento. Ela era um anjo de otimismo cauteloso?
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A próxima seção mais memorável foi os dançarinos se movendo para a frente e para trás em suas próprias seções de luz, como se através das grades da prisão. A imagem do palco que essa escolha criou era poderosamente evocativa e parecia conceitualmente brilhante. No entanto, sua eficácia começou a diminuir à medida que os dançarinos se afastavam dessas barras de luz e, assim, pareciam quebrar a ideia da imagem. As barras desapareceram uma a uma, muitos dos dançarinos já tendo saído de suas seções de luz.
Tabula Rasa Dance Theatre em ‘Inside Our Skins’. Foto de Jared Siskin / PMC.
Pode ter reforçado o significado de apagar as luzes uma a uma, com os dançarinos ainda se movendo no espaço que haviam estado. As notas do programa falavam da continuação do trauma mental do encarceramento, e a ideia de se mover da mesma maneira, mesmo sem as barras de luz, talvez pudesse ter ajudado a transmitir essa ideia.
A seção seguinte aparentemente apresentava todo o elenco, passando de solos a quartetos e trios - dentro e fora de diferentes agrupamentos. O movimento estava cheio de maestria técnica e movimentos mais elevados. Os dançarinos também começaram a tirar partes do figurino, principalmente os tops, para revelar macacões de cor creme. A seção parecia longa, como se tratasse do domínio técnico. A questão então se torna qual é o objetivo.
No entanto, havia muito que era visualmente atraente aqui. Esse interesse visual continuou com uma seção de um dançarino levantado de cabeça para baixo por vários outros dançarinos, e pedalando suas pernas, que tinham correntes e sinos nelas. Sombras caíram atrás do grupo, dançando assustadoramente na parte de trás do palco. Esta seção também pareceu um pouco longa para a atenção do espectador comum, embora alguns membros da audiência pudessem considerá-la bonita em sua qualidade meditativa e estética.
Antes e depois dessa seção, os dançarinos se viraram para trás e se moveram como se estivessem se lavando, os cotovelos para cima e para o lado enquanto suas mãos trabalhavam. Esses movimentos eram ligeiramente diferentes para cada dançarina e eram belos em sua qualidade intrincada. Trouxe à mente o significado de ações e necessidades simples e cotidianas, algo que se torna exagerado durante e após o encarceramento.
Em outra seção do grupo após aquela seção, todos os dançarinos começaram em uma praça. Houve novamente uma sensação de confinamento e mesmice. Eles saíram desta praça com movimentos mais virtuosos - um banquete de elevações, saltos e voltas que tinham um sabor de balé contemporâneo. Gritos, mais tarde, pareceram transmitir lutas de doenças mentais. Eu me perguntei se essa ideia poderia ter sido transmitida através do corpo de uma forma que pudesse ser mais digerível para um público mais amplo.
O contraste entre o movimento enérgico e elevado e aqueles gritos também me chamou a atenção. Pude ver nisso uma ilustração do equilíbrio da presença de esperança em tempos difíceis. Para o final, todos se moveram em uma aglomeração em direção à esquerda do palco, em direção a uma fonte de luz - lentamente, mas não tão lentamente a ponto de desafiar a atenção do público moderno. Havia uma continuidade deslumbrante para o movimento lento, em uma maneira adorável de transmitir um movimento de luz e esperança.
Alguns outros elementos na apresentação são dignos de nota. Primeiro, durante todo o tempo uma pessoa sentou e digitou em seu telefone, às vezes 'selfie'. Esta foi uma descrição astuta de como continuamos nossas vidas enquanto todas essas injustiças dentro do encarceramento em massa acontecem. Eu me perguntei se essa escolha inteligente poderia ter sido mais bem-sucedida se espelhada no outro lado do palco, talvez por uma pessoa que se apresentasse como homem. Em segundo lugar, os ingressos custam sessenta e três centavos - o salário médio diário de uma pessoa encarcerada na cidade de Nova York. Envelopes de ingressos para doações estavam em cada programa, e uma mensagem em um alto-falante encorajava os membros da audiência a doar, considerando o custo baixíssimo do ingresso.
Essa foi uma escolha alinhada com a coragem e convicção geral do trabalho, sobre uma questão sociopolítica polêmica, Escalante e outros tomadores de decisão na empresa confiaram que os membros do público apreciariam o trabalho e sua mensagem forte o suficiente para transmitir, no total, o suficiente para cobrir os custos de produção. Eles confiaram que sua mensagem ressoaria, talvez até o suficiente para mover os membros do público à ação. Talvez tenha sido a consciência os incitando a trabalhar em uma injustiça que vêem lá fora. Talvez houvesse um pouco de ambos. De qualquer forma, fico feliz que eles tenham feito isso e que pude vivenciar esse trabalho multifacetado e corajoso.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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