Eran Bugge, Robert Kleinendorst e Laura Halzack em 'Airs'. Foto de Paul B. Goode. David H. Koch Theatre, Nova York, NY.
7 de novembro de 2019.
À medida que os humanos evoluíam, eles se moviam juntos para louvar os espíritos - aqueles que traziam saúde e doença, abundância ou escassez, clima bom ou desastroso. A menos que a religião formalizada também tenha evoluído à medida que a história avançava, continuamos a nos mover para expressar, protestar, mostrar gratidão e muito mais. Encontramos, consciente ou conscientemente, o poder do movimento para expressar nossa espiritualidade - o próprio espírito que jaz dentro de nossos ossos, músculos e tendões. Assistindo ao programa de Paul Taylor American Modern Dance no Lincoln Center, pensei sobre essa espiritualidade dentro do movimento, havia algo transcendente e até divino em como a empresa se movia, junto e separada. Algumas obras contavam uma narrativa humana mais direta do que outras, embora todas as obras refletissem nossa capacidade de nos elevarmos, chegar mais alto e nos movermos em direção à harmonia.
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O programa começou com Paul Taylor's Ares , um trabalho que me deixou com uma sensação de paz e tranquilidade. Uma sensação de tranquilidade esteve presente desde o início. Blues na iluminação (por Jennifer Tipton) e figurino (por Gene Moore) me fez respirar mais facilmente. As formações eram geométricas e uniformes. Movimento de linhas clássicas, mas com um lançamento suave, trouxe harmonia estética. A partitura, obra de Handel, ofereceu um quadro auditivo calmo, porém matizado e intrigante para esses elementos. Um motivo de braços estendendo-se em forma de “V” criava a sensação de alcançar o céu, além de espelhar formas curvilíneas na natureza. Essa forma veio em saltos virtuosos. saltos e pés - trazendo novas possibilidades de movimento em combinação com um elemento calmante e de aterramento.
Eran Bugge em ‘Ars’. Foto de Paul B. Goode.
Os dançarinos abaixaram seus torsos para o lado e empilharam suas costas para o outro lado do palco depois de virar. Eles repetiram esse vocabulário de movimento para uma nova face, adicionando novas nuances, reforçando aquela qualidade do familiar com o fresco e o novo polvilhado. O movimento virtuosístico tinha uma suavidade que fazia esses técnicos aparentemente sobre-humanos à nossa frente no palco parecerem mais humanos. Embora o trabalho fosse em grande parte não narrativo, pequenos momentos teatrais e humorísticos humanizaram ainda mais os dançarinos. Tudo parecia digerível e acessível, mesmo com o movimento trazendo uma complexidade que refletia a natureza multifacetada do espírito humano.
Também multifacetado, mas acessível, era como o movimento se relacionava com a música - às vezes de acordo, às vezes em oposição. Um exemplo memorável deste último foi a tripletagem dos dançarinos (um padrão de três passos, mudando os níveis e ritmos) o dobro da velocidade da música que acompanha o movimento, enquanto em outras ocasiões, eles se moviam na mesma velocidade da música. Essas variações na relação entre música e movimento ao longo da obra estabeleceram uma musicalidade desafiadora, mas os dançarinos a executaram sem falhas perceptíveis. Para terminar, os dançarinos se juntaram em uma formação agrupada no centro do palco, olhando para a frente com uma clareza de convicção e destemor. Eles pareciam afirmar uma força que reside em sua unidade - forte sozinho, mas muito mais forte harmoniosamente juntos.
O segundo trabalho, de Margie Gilis Rewilding (2019), trouxe uma mudança notável no humor, na atmosfera e na estética. Os dançarinos entravam e caminhavam lentamente em filas, trazendo uma sensação de mesmice e rotinização. A iluminação em tons de terra era baixa (também por Tipton). Os trajes eram em cores diferentes para os bailarinos, mas também em tons de terra (da Santo Loquasto). Tons profundos na música, em combinação com esse movimento rotinizado, criaram um clima sombrio. Um por um, os dançarinos começaram a se mover em seu próprio caminho, saindo daquele movimento uníssono bastante ordenado - até que todos estavam dançando seu próprio vocabulário de movimento. Este movimento tinha uma convicção, mas uma leveza e facilidade não vistas no movimento do grupo.
Paul Taylor Dance Company em 'Rewilding' de Margie Gillis. Foto de Whitney Browne.
Eu me perguntei sobre o equilíbrio de nos movermos juntos, mas como indivíduos. Como é muito comum neste mundo, este grupo não estava descobrindo isso. O grupo recuou em um caminho circular, recriando uma sensação de mesmice e monotonia. Era como se esses indivíduos buscassem a originalidade, mas de alguma forma fossem compelidos a voltar a atuar junto com o grupo. Voltando aos motivos de movimento anteriores na obra, bem como às repetições de tal dissolução e recohering, reforçaram o tema de ser forçado a voltar à ação e aos modos do grupo. Solos e duetos nos levaram mais adiante na experiência individual, em contraste com a seção de grupo. A locomoção dos saltos pelo palco evidenciou liberdade e possibilidade. Logo, em uma seção do grupo, os dançarinos tremiam como se estivessem em extrema agitação, outro contraste gritante. Claramente, a conformidade do grupo não trazia alegria e facilidade.
Para terminar, a maioria do grupo se acomodou em uma formação, mas uma dançarina foi embora. Pensei na consciência individual e grupal e na tensão que pode surgir entre essas duas coisas. “Não precisamos abandonar a tecnologia, mas sim tecê-la com sabedoria experiencial. Reconstruindo a maneira como vivemos ”, afirmam as notas do programa. Não devemos abandonar as conexões que a tecnologia oferece, mas também retornar à nossa própria sabedoria interior foi a mensagem que encontrei no trabalho que ressoou em mim. Pareceu-me que esta mensagem falava da espiritualidade humana, que a obra expressava habilmente em movimento e design.
Terça-feira negra fechou o programa, coreografado por Taylor e apresentado pela primeira vez em 2019. O título se refere ao dia em 1929, quando o mercado de ações caiu de forma tão significativa que deu início à Grande Depressão dos anos 1930. Essa especificidade continuaria na obra, atmosférica e na teatralidade do movimento. Havia também universalidade nele, no entanto, falando atemporalmente para aspectos da condição humana - uma espiritualidade própria. O horizonte da cidade preencheu o cenário quando o trabalho começou, com iluminação baixa para ajudar a construir a atmosfera de vida noturna urbana (cenário projetado por Loquasto). Um grupo se moveu junto, vestido com roupas da década de 1920 - simples, mas detalhadas o suficiente para nos ajudar a nos trazer para um mundo da década de 1920 (trajes também desenhados por Loquasto). A música jazz clássica moldou e coloriu ainda mais este mundo. Eu estava nisso.
Laura Halzack e George Smallwood em ‘Black Tuesday’. Foto de Paul B. Goode.
Lá, os dançarinos se moviam nesses grupos com clareza formal, mas também com a sensação de facilidade e diversão encontrada em clubes de jazz antigos. Os gestos criaram um senso de diversão. No típico estilo de expressão de movimento de Taylor, linhas clássicas e salpicos de virtuosismo foram suavizados e relaxados para parecer mais fundamentados e humanos. Tudo parecia agradavelmente autêntico. Os duetos e solos que virão em breve nos focaram da experiência coletiva à individual. Grupos maiores e um grupo de duetos nos trouxeram de volta à experiência coletiva - mas com aquela experiência mais individual ainda em minha mente. A atmosfera do clube de jazz clássico permaneceu.
As formações e mudanças para novas formações também assumiram uma complexidade adicional. A consideração e a intencionalidade da imagem mantinham tudo digerível e satisfatório. Por exemplo, um círculo se abriu em uma grande pirâmide. O arco de voo em elevadores refletia uma estrela cadente, conectando-se com as estrelas que vieram para preencher o pano de fundo - uma que descreve um céu noturno. Pensei naqueles vídeos clássicos de nado sincronizado, grandes grupos em formações em movimento que criavam imagens complexas, aqueles que de alguma forma ainda permaneciam nítidos e impressionantes. Em outra referência a um estilo de movimento alternativo, uma linha de chute refletia uma dança de precisão. Um solo memorável no final transmitiu o pathos de viver na crise econômica da década de 1920, mas sem ser exagerado.
O solista moveu-se poderosamente por diferentes níveis e lugares do palco, gesticulando com convicção e emoção autêntica, enquanto a música que o acompanhava pronunciava 'irmão, você pode poupar um centavo?' A música contava poeticamente uma história de partir o coração, do tipo que continua se repetindo neste mundo - adicionando um elemento de atemporalidade à ação no palco. Movimento único e agradável, conceitos intrigantes, design competente - o programa ofereceu tudo para demonstrar a espiritualidade, até mesmo a natureza divina, no movimento do corpo humano. No final de agosto de 2018, Paul Taylor não está mais conosco . Ainda assim, parece que a empresa que ele fundou, sob o comando do novo Diretor Artístico Michael Novak, continuará a levar adiante seu legado e missão - enquanto ele sorri satisfeito e orgulhoso.
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Por Kathryn Boland de Dance informa.
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