Há uma resposta indiscutivelmente espirituosa, mas sábia, para o desdenhoso 'Meu filho poderia desenhar isso!' - “Bem, ele / ela não fez . ” Isso é, em parte, uma indicação de como os artistas “expressionistas”, cujo trabalho a princípio pode parecer não exigir muita habilidade, foram todos treinados de forma clássica antes de se afastarem desse modo clássico de criação. Isso também é verdade para os bailarinos, devemos obter uma estrutura técnica para sermos capazes de deixá-lo ir. Com uma base técnica, nós dançarinos podemos permitir que nossa mente e espírito brilhem através de nosso corpo altamente qualificado. É aí que uma arte verdadeiramente significativa pode acontecer. Estava dentro de nós o tempo todo.
No entanto, o processo de aprender como fazer isso, como ter uma base de técnica permite que o verdadeiro eu surja através do movimento, é um processo difícil para muitos dançarinos. Quando guiados para se moverem dentro de uma estrutura, em vez de receberem o movimento passo a passo, contagem por contagem, alguns dançarinos congelam - às vezes metaforicamente, às vezes literalmente. É mais importante do que nunca para os dançarinos superar o medo e a estagnação de que somos solicitados a ser cada vez mais versáteis e agentes ativos na criação do trabalho, o tempo todo.
O pós-modernismo também continua a evoluir, talvez se transformando em um novo tipo de “pós-modernismo” com um ecletismo de expressões e abordagens de movimento. Nesse contexto, os coreógrafos estão continuamente desenvolvendo e refinando estruturas de improvisação e outras formas pelas quais a improvisação molda a dança.Dance Informaconversou com três coreógrafos sobre os papéis da improvisação em seus processos criativos, como eles apóiam e nutrem seus dançarinos por meio desse trabalho e muito mais.
Sheena Annalize, fundadora, proprietária e diretora artística do Arch Contemporary Ballet (Nova York, NY)
patrimônio líquido de kiele sanchez
“Toda a minha coreografia vem da improvisação, na verdade. Eu não entro em um ensaio tendo planejado o movimento. Às vezes, tenho um fluxo ou esboço, mas o fraseado real mais ou menos sai em um processo de tentativa e erro. Vou começar a me mover e os dançarinos vão seguir o que estou fazendo. Se eu não gosto do que está acontecendo, eu mudo e tento algo novo, ou um dançarino pode acidentalmente estar fazendo algo diferente e fazer com que todos tentem como eles. [A improvisação] cria um movimento único que é orgânico para meus dançarinos.
Ele cria possibilidades ilimitadas, porque você é capaz de moldar e dar forma ao movimento e continuar empurrando seu trabalho de frase existente para um resultado melhor. Improvisar é uma melhoria para o trabalho existente também, pegar os ossos de uma frase e adicionar carne a ela. [Isso] abre espaço para mudanças. Estou sempre pedindo aos dançarinos que usem os ossos que lhes dou como orientação e que adicionem a carne eles próprios. Improvisação é mais do que apenas usar seu vocabulário de dança ou movimento com o qual você está familiarizado, é explorar o desconhecido. É uma chance de testar as limitações do seu corpo, explorar o que cada parte do seu corpo pode fazer e como se move.
Isso é difícil para [dançarinos em] um gênero de dança que não explora muito essa opção no treinamento. Às vezes incentivo meus dançarinos com instruções de orientação. Por exemplo, vou pegar algo e pedir que aumentem uma parte ou pensar em usar um membro diferente para criar o mesmo movimento. A partir daí, a imaginação eventualmente assume o controle, como uma faísca acendendo um incêndio florestal no estúdio. ”
Stephanie Pizzo, diretora artística e ex-integrante da Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)
“A improvisação é importante no meu processo coreográfico, já que a espontaneidade pode mudar a estrutura do trabalho, o ambiente e seu entorno podem criar novos caminhos imprevistos. O aspecto mais gratificante da improvisação é que ela não tem limites! No momento, em tempo real, é quando as surpresas podem se materializar. É o 'imprevisível' que pode transcender o trabalho! Como coreógrafo, quando você pode guiar seus dançarinos / artistas por meio de uma improvisação estruturada e cultivar um vocabulário de movimento que os estenda além de suas limitações, isso pode ser inspirador. Quando o artista compartilha sua voz pessoal, isso lhes dá um senso de propriedade. Há uma honestidade e naturalidade que o artista adota quando está se apresentando. ”
DeAnna Pellecchia, fundadora, proprietária e diretora artística do KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)
“Quando falo sobre improvisação, primeiro gosto de pensar em como odiei quando apresentei a ela na faculdade. Eu sempre pularia essas aulas. Então eu fui para o mundo da dança e descobri que é assim que todo mundo funciona. E eu gostaria de ter ido a essas aulas! Também gosto de contar aos meus dançarinos a história de um dos primeiros coreógrafos para quem dancei. Ela trabalhou através da improvisação, um método chamado Estratégias de escuta. Era um território novo e assustador para mim. Eu perguntei a ela: 'E se eu não fizer a escolha certa?' E ela respondeu, 'DeAnna, se você pudesse fazer a escolha errada, você acha que estaria aqui?'
Foi um grande momento para mim, totalmente fortalecedor, e simplesmente mudou tudo. Comunicava que tudo o que eu fizesse, pelo que já tinha e quem já era, seria lindo. Essa perspectiva molda como eu trabalho até hoje.
No momento em que um trabalho é apresentado, é basicamente minha estética, mas tem um pouco de todos os meus dançarinos nele. Todo mundo se sente um pouco de propriedade, o que é uma validação e um fortalecimento. O objetivo final é que os dançarinos sejam donos do que estão fazendo. Isso traz uma autenticidade que também vem de um lugar de vulnerabilidade. Acho que a melhor arte tem isso, porque é algo com o qual o público pode realmente se conectar. ”
Por Kathryn Boland de Dance informa.