'Close' do ELSCO Dance. Foto de Mikey West. The Huntington Avenue Theatre, Boston, Massachusetts.
11 de agosto de 2018.
A forma de dueto pode fazer a arte falar para uma das experiências mais inatamente humanas: duas pessoas interagindo no tempo e no espaço. O Boston Contemporary Dance Festival, organizado pela Urbanity Dance, teve muitas obras notáveis de vários dançarinos em seu show às 20h. Mais impressionantes, no entanto, foram o número e a variedade estilística dos duetos. Isso foi atraente e revigorante de se ver, considerando as tendências gerais da dança contemporânea.
O terceiro na programação da noite foi Robert Mark Dance sombra entrelaçada , coreografado por Robert Mark Burke, um dueto de balé contemporâneo marcante em sua ousadia técnica e ferocidade atmosférica. A dançarina Monica Gonzalez começou a posar, iluminada no centro do palco, estendendo a mão aspiracionalmente. Uma pontuação de canto coral clássico começou, trazendo uma sensação de presença de um poder superior. Ela começou a se mover com comando, mas com um ar de agitação.
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Robert Mark Dance em 'sombras entrelaçadas'. Foto de Mikey West.
As luzes logo se ergueram e seu parceiro, Jared McAboy, se juntou a ela. Luzes em ângulos de forma que os dançarinos criassem sombras enquanto dançavam - daí o título sombra entrelaçada. Trajes vermelhos e dourados somados à intensidade do movimento, música e iluminação. Eles dançavam juntos em um relacionamento magnético - às vezes atraídos incontrolavelmente um pelo outro, outras vezes repelidos.
Houve momentos de aparente submissão, como Gonzalez derretendo em McAboy ou movendo-se em um espaço muito inferior. Então ela subiria mais alto ou se afastaria dele. Fraseado inventivo, iniciado por articulações conjuntas, combinou com uma dinâmica musical marcante. Havia um sabor Balanchine de assimetria intencional para efeito dramático e virtuosismo aumentado. Uma frase marcante foi uma curva fouttée em um salto que ia até o chão (através de uma prancha).
Mark Burke não estava escondendo nada, nem seus dançarinos. Para terminar, Gonzalez dançou abaixo de McAboy, em aparente submissão, por um bom tempo. Em uma era “#metoo” e “#timesup”, isso parecia um pouco surdo socialmente. Ainda assim, felizmente, McAboy saiu e Gonzalez se levantou para encerrar a peça assim que ela começou - posada em um holofote no centro do palco. Essa escolha criou uma poderosa estrutura de “círculo completo”.
Antes do intervalo chegar Bochecha com bochecha , coreografado por Jaclyn Walsh em colaboração com Brandon Koepsell. Foi um toque de dança contemporânea em um sapato macio clássico. O trabalho, de alguma forma, incorporou ao mesmo tempo uma peculiaridade suave e despreocupada. A versão de Fred Astaire da música tocou, com um pouco daquele feedback clássico de gravação no áudio - atmosférico, ao invés de desagradável.
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Os dançarinos Walsh e Koepsell executaram footwork clássico em sapato macio com toques contemporâneos, incluindo pés flexionados, inversões e levantamentos criativos. Em um momento, por exemplo, Koepsell virou Walsh para encará-lo quando ela dobrou para trás. Depois de um delicado trabalho de pés, ele a ergueu, para que ela girasse em suas costas horizontalmente. De alguma forma, essas mudanças estilísticas não pareciam chocantes, mas eram suaves como a seda.
'Cheek to Cheek' de Jaclyn Walsh e Brandon Koepsell. Foto de Mikey West.
Os trajes eram no estilo vestido casual dos anos 1950 - um vestido de bolinhas azul fofo para Walsh e calças com uma camisa de colarinho para Koepsell.
dançando
Estes pareciam enquadrar e combinar seu movimento maravilhosamente. A energia e a precisão da linha substituíram a altura das extensões. A limpeza da linha no uso do espaço do palco, conforme eles dançavam em curvas e passos ao redor do palco, era tão precisa - precisa, sem parecer afetada ou excessivamente formal.
Tudo parecia tão natural quanto respirar. Eu me sentia como se estivesse respirando junto com a dupla, com aquela facilidade que estava vendo. Não havia romantismo aberto, mas a ligação próxima dos dançarinos como humanos que se importavam - e se entendiam - era clara. Quando eles terminaram a peça e as luzes se apagaram, o público irrompeu em aplausos estridentes. Bem merecido, pensei.
Logo após o intervalo foi o ELSCO Dance Perto , coreografado por Jeffrey Gugliotti e Ellenore Scott e dançado por Gugliotti e Amelia Lowe. Ele trouxe uma mudança tonal clara da peça anterior. Lightning (de Chris Fournier) criou tons crepusculares e os trajes eram pretos. similarmente a sombra entrelaçada, no entanto, com movimentos bastante diferentes em termos de estilo, as sombras trouxeram intriga visual.
Faces, passos simples (mas claros) e níveis no espaço - ao invés de virtuosismo - trouxeram intriga. Na parceria, endireitar e dobrar os joelhos criaram formas e nuances. Uma seção atraente com uma dançarina voltada para a frente e a outra para trás. Eu podia sentir linhas energéticas claras no espaço. Este tema voltado para a frente, voltado para trás ressurgiu aqui e ali, como com Lowe caindo para frente (mas em direção ao palco) em Gugliotti (voltado para o palco).
Ela então se levantou para acabar voltada para a frente, girando no espaço por sua própria propulsão e pela propulsão de Gugliotti. A sensação de apoiar um ao outro, mas seguir em frente em seu próprio caminho, era clara. Esse tema perdurou até o fim - os dois em pé, iluminados pelo centro do palco, se abraçando, mas também estendendo-se para cima. A imagem e seu significado eram verdadeiramente ressonantes.
Hollis Bartlett e Natalie Trogdon 'transmutando'. Foto de Mikey West.
A penúltima noite foi transmutando , coreografado e executado por Hollis Bartlett e Natalie Trogdon. Particularmente intrigante sobre este trabalho, como um dueto, foi a sua união sem fazer contato (visual ou físico) ou mesmo se aproximando tanto no espaço. O trabalho também foi bastante agradável esteticamente, no sentido mais verdadeiro e simples, sem truques ou ostentação. A única pontuação foi a respiração e o som de seus pés no palco. Os trajes eram de um cinza-azulado uniforme e limpo. A iluminação era cinza azulada, com um tom de amarelo para o brilho, para combinar.
concurso de dança de criação
A dupla começou o trabalho com padrões de footwork uníssono, os ritmos de seus passos em perfeita sincronia. Uma perna iria varrer para trás, para cortar a outra perna e fazê-la cair para a frente - pausa e cadência das inevitáveis leis físicas ajudando a criar o ritmo. Isso me fez lembrar de algo sobre a dança contemporânea que realmente me fascina e me agrada - sua investigação frequente de como usar as leis da física em benefício próprio, ao invés do objetivo de desafiá-las.
Um pouco mais tarde, tremores e vocalizações estabeleceram em um lugar uma agradável mudança estilística. Algo sobre isso foi incrivelmente engraçado e os membros da audiência riram. Em outra seção, eles trouxeram outra mudança por meio de uma longa pausa. Em seguida, vieram pausas mais curtas após o fraseado - enquanto eles encaravam o palco, lentamente desenrolando os torsos para enfrentar o palco.
A repetição dessa estrutura clara, junto com a repetição e a clareza ao longo do trabalho, parecia meditativa. A peça demonstrou como existem maneiras incalculáveis de dançar a dois - basta imaginação e ousadia. Com vários duetos imaginativos e ousados na performance, o show noturno do Boston Contemporary Dance Festival provou isso alto e bom som.
Por Kathryn Boland de Dance informa.
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